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La imagen se hace impactante, para los que hayan recorrido los sólidos mares salados de Uyuni conocerán lo insignificante, como punto en un espacio, que se puede llegar a ser. Alguien afirmó que la Atlántida yacía enterrada en las mismas entrañas de donde la sal ha tomado lugar, parte del enigma que le da poder a la imaginaria común de una ciudad de sal de una civilización maravillosa enterrada bajo el manto blanco.

El espectáculo visual del salar de Uyuni (Flickr) es maravilloso, así lo entendieron los aventureros que recorrieron los mil y un puntos de la tierra: “El Salar de Uyuni, considerado el “desierto blanco”, ocupa el primer lugar de 25 nuevas maravillas y atracciones naturales históricas del mundo que fueron seleccionadas por la revista Rough Rides.” (Peru.com)

Lugar escapado de una pintura de Dalí, de paisaje andino surrealista, donde una fina capa de agua sobre la blanca sal brinda uno de los espectáculos naturales más hermosos del planeta, con el reflejo del cielo en su superficie. Así, sólo la gravedad puede servir para diferenciar el cielo de la tierra.

El salar de Uyuni no es una creación del hombre, es un capricho de algun dios con sus propios sueños y pesadillas.

LAS 25 MARAVILLAS DEL MUNDO

1.- Salar de Uyuni, Bolivia. 2.- Ayers Rock, Australia. 3.- Pirámides de Giza, Egipto. 4.- Navegar río abajo el Amazonas. 5.- “Chimeneas de las hadas” y cuevas de Capadocia, Turquía. 6.- El Gran Cañón, Arizona, EEUU. 7.- Petra, la ciudad hecha de piedra en el desierto de Jordania. 8.- Machu Picchu, Perú. 9.- Sagrada Familia, de Gaudí, en Barcelona, España. 10.- Glaciar Perito Moreno, Patagonia, Argentina. 11.- Capilla Sixtina, Roma, Italia. 12.- Escalar el Himalaya. 13.- Angkor Wat, Camboya. 14.- Canales y palacios de Venecia. 15.- Caravana de camellos en el Sahara. 16. Gran Muralla en China. 17.- Salto Victoria Falls, Zambia y Zimbabwe. 18.- Bucear en la Barrera de Corales, Belize. 19.- Taj Mahal, India. 20.- Ruinas mayas en México y Guatemala. 21.- Gigantes de piedra de Easter Island. 22.- Gran Mezquita, Djenné, Mali. 23.- Las tentaciones de Las Vegas. 24.- La Ciudad Prohibida, China. 25.- Itaipú, la represa más grande del mundo, Paraguay y Brasil.

Sam Raimi ha demostrado que se puede aplastar a la araña al tercer intento. La formula es hacer de un personaje oscuro un comediante callejero tonto disfrazado de negro y con un flequillo que viene a ser la marca del demonio.

Spiderman 3 tenía todo para ser una gran película, había venido con aire renovado. Después del chasco de su primera entrega, en su segunda parte (donde no puedo dejar de admirar a un villano favorito como el doctor Octopus) había una cierta mejora que hacia presumir que la regla era ir de menos a mas, la tercera parte venia con tres nuevos villanos que habrían bastado para articular una mediana buena historia, una millonada en producción y demás vainas, hacían guardar torpes esperanzas. Pero a Raimi le ha pesado la camiseta y ha hecho un desastre cinematográfico.

Sabiendo el desenlace, Raimi se hubiera ahorrado unos pesos llevando, en las primeras escenas, a Spiderman, el duende verde Jr. y a Sandman a terapia para que hablen (¿porque la gente no se sienta a hablar? Se solucionarían todos los problemas) y llanto y consuelos de pormedio el buen Arácnido se ahorraba un par de líos para abocarse de lleno a luchar con Venom. Porque el spider se “enreda” entre tanto villano como Raimi se enreda entre tanto guión disperso (Como toda película de comic se lo merece ahí aparece un desconocido mayordomo que se tienta a decir “Señor Bruno Díaz” pero recuerda que es otro Héroe), en vez de crear a un héroe oscuro redimido como en Batman Begins, la maldad de Raimi se ha reducido a crear un Jim Carrey en The Mask.

La película ha roto taquillas y ha recuperado en una semana el dineral que se ha gastado y si es que alguien tiene en mente hacer una cuarta parte habrá que invertir unos pocos dólares mas en mascaras del arácnido porque siempre parecen haber sido confeccionadas en china.

Añadan a Spiderman 3 a lista de héroes sacrificados.

El cuarteto Británico nos ha regalado himnos generacionales varios, posturas guitarreras únicas y grandes holocaustos instrumentales (Léase Textual) que incluyan baterías destrozadas a patadas, guitarras descuartizadas y micrófonos giratorios. Todo ello parte de las brutales actuaciones que la banda incluía en su repertorio.

Y es que The Who supo ser una esencial banda complementando psicodelia, hard rock con su gran capacidad instrumental, vocal, todo ello integrado a la naciente opera rock conceptual sesentera, de los que ellos se pueden dar el gusto de ser los impulsores, ejemplos como "Tommy" o "Quadrophenia" nos pueden dar mucho material del que hablar. La presencia en el escenario como estrellas de hard rock violentas era un plus que nos regalan, que engrana perfectamente en ese cóctel molotov de sonido y furia.

Who’s Next (1971), quinto álbum de The Who, primero del nuevo decenio, un álbum legendario por ser pionero en el uso de sintetizadores en el rock, que introdujo un sonido más roquero más acorde a la década que comenzaba, era la marca que pretendían en los 70’s. El disco es fundamental con piezas como "Baba O’ Riley", "Won’t Get Fooled Again", "Bargain" o la balada "Behind Blue Eyes".

Behind Blue Eyes, escrita por Pete Townshend, es una triste canción que se soporta en una guitarra acústica y armonías vocales que revienta minutos después en furia roquera, guitarras eléctricas y su incontenible batería, para morir con sus sonidos iniciales.

Como toda gran canción, Behind blue eyes ha sido versionada cantidad de veces, la mas actual, hecha por Limp Bizkit, puede sonar deficiente, monótona e intrascendente, porque a diferencia de muchos covers, Behind blue eyes, ha sido creada para solo para The Who que la un hace poema sonoro.

En Audio: The Who - Behind Blue Eyes.

The Who: Behind blue eyes - Detrás de unos ojos azules

Nadie sabe lo que es
Ser el hombre malo Ser el hombre triste
Detrás de unos ojos azules
Y nadie sabe Lo que es ser odiado
Lo que es estar marchito y decir solo mentiras

Pero mis sueños no son tan vacíos
Como mi conciencia parece estar
Tengo horas, únicamente de soledad
Mi amor es venganza Eso nunca es un regalo

Nadie sabe lo que es Tener estas sensaciones
Como yo, ¡Y te culpo a ti!
Nadie se traga así Su ira
Nada de mi dolor y sufrimiento pueden desvanecerse

Pero mis sueños no son tan vacíos
Como parece ser mi conciencia
Tengo horas, únicamente de soledad
Mi amor es venganza Eso nunca es un regalo

Cuando se cierre mi puño, ábrelo
Antes de que lo use y pierda mi calma
Cuando sonría, cuéntame malas noticias
Antes de que ría y actúe como un loco

Y si trago algo malo
Mete tu dedo en mi garganta
Y si tiemblo, por favor dame una manta
Mantenme caliente, déjame ponerme tu abrigo

Nadie sabe lo que es
Ser el hombre malo, Ser el hombre triste
Detrás de unos ojos azules.

En video (Youtube): The Who - Behind Blue Eyes (Hammersmith Odeon London, 1979).

“Mientras descendíamos el sendero encontramos al Minotauro, el legendario monstruo de Creta” (Inferno, Canto XII, 11-12)

Que Benedicto XVI haya reabierto el infierno y el purgatorio mediante decreto solo avivaron las imágenes de pesadilla con las que soñaba de niño: El fuego eterno, los demonios y sus tridentes, sus pestilentes olores, sus calderos hirvientes y el jefe oscuro. Todo ello dejo de ser metáfora como tan tontamente nos había hecho creer Juan Pablo II. Volvieron también como referencia más cercana las imágenes que Dante nos había retratado: sus círculos, su minotauro, su puerta que tan hábilmente esculpió Rodin, el purgatorio y los demás rincones por los que, de la mano Virgilio, visitaríamos.

Y en ese afán de redescubrir a Dante, sus imágenes y la aproximación que nos hace del sitio maldito, me encuentro con un interesante articulo en 30 Días titulado Dante en Estados Unidos, que nos resume el impacto del Sumo Poeta en la cultura Norte Americana desde 1867 hasta la actualidad, impacto que se transformo en diversas traducciones especiales de la divina comedia, la creación de grupos literarios como “The Dante Society of America” abocados al estudio filosófico de la obra; Dante transformado en restaurantes de comida rápida; En poemas de eximios poetas Estado Unidenses; En grupos de Rock; En películas –Clerks (1994), Seven (1995), Dante’s Peak (1997)–, o transformada en pinturas, e ilustraciones que se anexan a ciudades norteamericanas como Hollywood, San Francisco y demás lugares reales para crear una nueva representación del infierno, el purgatorio y el paraíso. Es en esta última referencia que hace el artículo se centra mi atención, esas imágenes dantescas que nos trasladan a la Norteamérica actual de la mano de Sandow Birk.

Cualquiera puede retratar sus propios infiernos. Antes de descubrir esa metamorfosis, en ilustración, entre EEUU y los cantos de Dante, muchas veces traslade las imágenes de Dante a la hoyada Paceña, que sin mas esfuerzo pueden transformarse en círculos descendentes, dándonos para beneplácito nuestro pequeño infierno, un infierno que quizás nunca dejo de serlo para Víctor Hugo Viscarra, por ejemplo, que recorrió en carne propia los horrores que guarda nuestra ciudad –como cualquiera que se merezca llamar ciudad- vista desde la puerta de servicio, andando y desandando las laderas recónditas que guardan sus propios demonios, sus minotauros, sus poetas urbanos, sus pecadores malditos que se entremezclan entre asesinos, ladrones, prostitutas, alcohólicos y otros seres que se mueven en lo que Viscarra decía: “La noche en La Paz es un laberinto que al no tener principio, tampoco tiene fin” que aunque no tenia fin, tenia un infierno transformado en un bar de mala muerte bien llamado “El Averno” (que coincidencia o no, llevaba, según relata Viscarra, imágenes Dantescas pintadas en su interior).

Viscarra y su infierno local, la espiral descenderte que demarca La Paz… habrá alguna escalera de perfección y más aun, ¿habrá algún Paraíso donde encontrar a nuestra propia Beatriz?

Gracias Benedicto XVI, por reabrir los infiernos.

Imagen: Sandow Birk - El Minotauro (Inferno, Canto XII).

Vea También:
Dante’s Divine Comedy by Sandow Birk (Catharine Clark Gallery).
The Divine Comedy: Paradiso, Dante’s Third Canticle by Sandow Birk.

Bill Watterson nunca ha aceptado que se comercie con su personaje y es inexistente algún trazo autorizado de sus personajes que no hayan salido de sus manos. Decia que el licenciamiento aniquilaba el espíritu de los cómics –miren sino al buen Snoopy y Carlitos de Schulz o al rey del licenciamiento Jim Davis creador de Garfield- y siempre conciente de eso Calvin y Hobbes dejo de existir desde aquel diciembre de 1995. Es por ello que quizás las referencias (como esta –Cálico Electrónico- o esta –El Joven Lovecraft-) a los personajes creados por Bill Watterson cobren tanto valor entre los que alguna vez siguieron religiosamente sus aventuras.

En video: Calvin y Hobbes animado.

Hace algunos meses, un estudiante de cine italiano, Donato Di Carlo, ha realizado un corto de animación basado en las tiras de Calvin y Hobbes de Bill Watterson. La animación hecha con técnicas tradicionales, resume medianamente el espíritu de la tira en un tortuoso día de clases de Calvin. Otra linda referencia para conformarnos un poco.

Lea también:
Calvin y Hobbes en Robot Chicken.
Una actual entrevista hecha por los fans a Bill Watterson (Ingles).

El tres (3) es el número natural que sigue al dos y precede al cuatro. (Wikipedia)

Por alguna extraña razón o alguna torpe conjunción de los astros, el numero 3 se ha puesto de moda en la primera parte del año. Que varias películas taquilleras vayan terminando en trilogía; que algunas consolas de juego vayan por sus terceras versiones y que muchas de nuestras series favoritas pasen la barrera de segunda temporada ya es mucha satisfacción.

Igual coincidencia recae sobre el buen mayo, mes preferido para revolucionarios, cantantes, pintores, budistas, frikis, cineastas y demás-es “astas”. Con el cumpleaños de Dylan, la primera proyección de Starwars “A New Hope” y un largo etcétera, nos hemos dado cuenta que no damos para tanta celebración “mayera”.

Por ello, solo quiero hacer la mención al tercer aniversario del blog -Rocko Weblog-, criatura nacida un 25 de mayo del 2004. Como parte de la celebración los agradecimientos a las personas, seres extraterrestres, computadoras inteligentes (o no tanto) y otro tipo de entes que han pasado por esta bitácora -que hasta hace poco han pasado la barrera de los 600.000- se hace necesaria.

Como andamos en época de vacas flacas (y errores vía blogia), los artículos han disminuido preocupantemente que mas que ser por la falta de ideas y la ociosidad de escribir es fruto de la vida social y trabajo paralelo que se come horas extras y no nos permite hilvanar un texto mas o menos entendible (y cuando uno logra terminarse, blogia no nos permite acceder al blog).

Pero con el aniversario de nuestro tercer mayo venimos con energías renovadas que nos hacen anhelar llegar al cuarto año, para mas de un cristiano el tres es un numero perfecto que simboliza el movimiento continuo y la perfección de lo acabado, habra que hacerlo honor al tres. A ustedes nuevamente gracias por leernos y espero nos acompañen en nuestra cruzada hacia nuestro cuarto mayo.

“Dylan es tantos hombres que me pierdo. Apenas aprendido, te despista: el folksinger, el duro, el loco, el cuerdo, el francotirador de la autopista. El máster de las vísceras urgentes; el novio de la Virgen del Asombro que esconde una gillette entre los dientes cuando sale a cantar manga por hombro.” Joaquín Sabina.

Dylan es un rompecabezas, su vida desde un principio es una búsqueda constante de un hogar que jamás había conocido. Dylan había nacido en un lugar que no le correspondía y así empieza su odisea hacia un lugar en alguna parte, en cuyos caminos Dylan se reinventaría. Así resume Dylan su génesis en la primera escena del documental que lo retrata, en menos de un segundo suena Like Rolling Stone frente a una multitud, una Fender lo acompaña, mientras que mas de un Folk duro reniega de Dylan, su banda –The Band- y su sonido eléctrico.

Son los minutos iniciales de aquel documental de Martín Scorsese que retrata la vida de uno de los más importantes músicos y poetas. No hay duda que para Scorsese los documentales musicales son su fuerte y muy aparte de que las entrevistas, los conciertos y demás complementos audiovisuales de la película no hayan sido supervisados por el, logra armar con mucha maestría un delirante retrato sobre un Bob Dylan legendario que retrocede a sus orígenes. Y como complemento de todos los caminos recorridos por Dylan, Scorsese nos transporta también a toda una década que también evoluciona paralelamente a la evolución de Dylan en una casi biografía de los sesenta.

Pero por supuesto todas las menciones son para Dylan quien va narrando la historia, complementada con testimonios de gente que compartió y vivió la búsqueda. Joan Baez, Allan Ginsberg, Pete Seeger, Maria Muldaur y muchos otros hablan sobre la personalidad de Dylan, sobre las reacciones del público ante la transición de Dylan de lo acústico a las guitarras eléctricas, de las giras, etc. Al mismo tiempo, un extenso y muy bien editado material sirve de marco referencial para comprender por qué las canciones de Dylan golpearon tanto a la sociedad de su época y cómo vinieron a convertirse en emblemas y clásicos musicales.

Durante el metraje de la película, Scorsese vuelve una y otra vez sobre los conciertos en Inglaterra —y las reacciones a ellos— que la abren y cierran, por tratarse de un episodio dramático para la carrera de Dylan; la escisión entre la vocación íntima del folk y los sonidos del rock que ya había provocado los abucheos de sus seguidores en el Festival de Música folk de Newport, con amenazas de cortar los cables de las guitarras eléctricas incluidas.

En suma, tal como Dylan confiesa en su plática, No Direction Home es la bitácora de un “Ulises sometido a su Odisea expedicionaria”. De ahí el título robado al tema Like a Rolling Stone, que dice: “Like a rolling stone, with no direction home”. Una joya ineludible es la escena final, un momento mítico en un concierto en Inglaterra, que Scorsese la usa para terminar el documental, volviendo al “Like Rolling Stone”:

Dylan se prepara para cantar. Alguien del público le grita: "Judas!"
Dylan contesta muy tranquilo: "I don’t believe you".
Da la vuelta, toca unos acordes en su guitarra. Vuelve al micrófono y dice: "You’re a liar!"
Se voltea a los muchachos de The Band, y mirando a Robbie Robertson dice Dylan: "Play it fucking loud!"
Y arranca Like a Rolling Stone.

En Video: Bob Dylan “Judas” - Like Rolling Stone (Inglaterra, 1966)

Probablemente, sólo por este detalle, “No Direction Home” ingresa en la leyenda. Pero hay más detalles impagables, como los punteos de Robertson en “Baby, Let Me Follow You Down”, las respuestas en el órgano de Garth Hudson en cada línea de “Just Like Tom Thumb’s Blues” o “Ballad of a Thin Man”... Incluso los ataques de tontería de Dylan, que se defiende del acoso, y de las amenazas de muerte, mediante un sentido del humor absurdo, y cruel.

También ayudan las entrevistas con el propio Dylan, o con una Joan Baez que lo imita con una gracia especial, incluso en su preciosa interpretación de “Love Is a Four Letter Word” (atención a los extras). Y tal vez, sobre todo, el momento del discurso de Martín Luther King con Dylan entre sus privilegiados escoltas. En ese momento, que reengancha con el “Gettysburg Address” de Abraham Lincoln, y de este modo con canciones del Dylan como “Tears Of Rage”, uno comienza a comprender la distancia que tal vez desde el principio estaba latente entre Dylan y sus “compañeros de viaje”. En ese momento uno comienza a ver la dimensión protesta de Dylan como la de un moralista, abordando cuestiones de ética y de justicia elemental, como Dave Van Ronk parece percibir ahora. Dylan, en realidad Zimmerman, era un judío, no lo podemos olvidar, un trabajo a tiempo completo que nunca ha resultado fácil. Y en la lucha del movimiento de derechos civiles, él encontró una resonancia próxima que clarificó, a su esquiva manera, en esa canción fugitiva, “Blind Willie McTell”. (Atrapados en el blues de DYLAN, sin poder salir - Enrique Martínez)

El documental es una joya visual que de la mano del soundtrack se merecen pasar a un museo. En Bolivia el documental es casi inencontrable y jamás se proyecto en una sala de cine mucho menos, es por ello que quizás una recopilación que consta de 18 partes –incompletas por el momento- en Youtube, subtituladas al castellano, sean necesarias para aquel que se le haga poco mas que imposible encontrarlo. Aprovecho además para mandar, desde este ínfimo punto terráqueo un, Feliz Cumpleaños al maestro Bob Dylan.

En Youtube: Recopilación del documental No Direction Home: Bob Dylan de Martín Scorsese, dividida en 18 partes: Parte 1 / Parte 2 / Parte 3 / Parte 4 / Parte 5 / Parte 6 / Parte 7 / Parte 8 / Parte 9 / Parte 10 / Parte 11 / Parte 12 / Parte 13 / Mas…

En el Blog: Mas Bob Dylan’s…

“Que es mi barco mi tesoro, / que es mi dios la libertad, / mi ley, la fuerza y el viento, / mi única patria, la mar.” (Canción del pirata, José de Esponceda)

Un viento favorable sopló las velas piratas y nos volvemos a encontrar con las aventuras marinas del Capitán Sparrow y compañía. En esta película es difícil entrar en tecnisimos, la película es una invocación irremediable a nuestra infancia y a aquellas épocas donde las aventuras de piratas nos introducían a mundos imposibles. Por ello queda desechado de entrada cualquier análisis serio e imparcial.

Pocos días después de estrenarse la segunda parte de los piratas del caribe, quede igualmente impresionado al ver retratadas aquellas historias que solo alcanzamos armar en nuestra imaginación, por fin veíamos a barcos míticos, piratas malditos, tesoros estupendos y un cúmulo de historias comprimidas en una sola película donde las menciones desde ya nos removían los recuerdos. Pirates of the Caribbean: At World’s End no podía ser la excepción, y volvieron los piratas, los villanos, volvieron las espadas, los seres monstruosos y con ellos los recuerdos mas profundos a todas las historias de piratas y corsarios devoradas en horas de lecturas, series, películas incoloras y juegos de video.

Piratas del Caribe y su tercera parte, no es excelsa, puede contener mil y un errores de guión, pero quizás su fin no era ese, su objetivo era retrotraernos a las épocas del capitán Garfio, GuyBrush Threepwood, el Capitán Kidd o Blood. Salgari, Sabatini, Daniel Defoe, Verne, Lucas Arts y Borges entre otros, todos ellos juntos han vuelto disfrazados en una película de Disney, cambiándonos la cara de Errol Flynn por la de Johnny Depp.

Esta vez los piratas siguen siendo malos, buscan libertad para buscar tesoros, ser caza recompensas, hacerles la vida imposible a los españoles y a cuanto barco se cruce en el camino. Ganan los malos, la piratería sobrevive; el aprendiz de capitán Pirata logra su objetivo (de la mano de su in gentil Maestro) y se embarca a su infinito viaje por los siete mares; la cofradía de los señores piratas sobrevive (no sin antes deleitarnos al ver tanta mala gente alrededor de una mesa); Un pequeño lejano oeste salido de los Westerns se traslada al medio del mar en una pequeña isla y aquella melodía nos recuerda a un duelo entre el bueno y el malo multiplicado por tres; Recuerdos de aventuras repasadas que creíamos haber olvidado.

Por eso Piratas del caribe es una invocación a los recuerdos, donde eran posibles las aventuras, la fascinación por lo desconocido y se creía en la magia de las leyendas. Algo que quizás a muchos hijos putativos de la televisión no les agrade.