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Oasis: Supersonic – Supersónico

Oasis: Supersonic – Supersónico

"I need to be myself/ I can’t be no one else/ I’m feelin’ supersonic/ give me gin and tonic".

Corren los 90, en Estados unidos la fiebre grunge se iniciaba con Nirvana como cabeza mas conocida, al otro lado del charco nacía Oasis imponiendo el Britpop-rock y junto con Blur se encargaban de revolucionar el rock y retrotraer sonidos de lo mejor del Rock & Roll británico, pisoteando a cualquier intento de banda que quiera proyectarse en los 90.

Oasis, liderada por los hermanos Liam y Noel Gallager, son deudores sonoros y compositivos innegables de The Beatles y John Lennon hasta el punto de rendirles pleitesía constantemente. Pero además de ellos, nos recuerdan también a bandas como The Who, The Smiths, The Rolling Stones, Store Roses, T-Rex y Neil Young entre otros, con referencias como estas es difícil que un proyecto que además le aporta sonidos modernos, con densidad rockera y melódica envidiable por cualquier banda post-punk, no logre convertirse en todo un fenómeno de la década del noventa.

Definitely Maybe, álbum debut de la banda de Manchester publicada en 1994 y multigalardonada por sus 11 clásicos que aporta al rock. Live Forever, himno indiscutible, Cigarettes & Alcohol otro himno a la filosofía y a los vicios baratos del rock & roll y Supersonic, himno tocado en clave de riff, guitarras psicodélicas y gruñidos de Liam, el sencillo que indicaba que lo de Oasis se venia en serio y una de las mejores composiciones producidas por el grupo. Tres temas que bastan ser referencias de Oasis y un gran álbum.

La portada del Definitely Maybe se sacó de unas fotografías en casa de Bonehead (Paul Arthurs, guitarra rítmica), y en ella aparecen los símbolos del rock’n’roll en los que se basaba Oasis: fútbol como buenos hooligans (foto de Rodney Marsch, futbolista del Manchester City), El bueno, el feo y el malo en la televisión, un póster de Burt Bacharach, unas guitarras, unas copas de vino y una cajetilla de Benson & Hedges (Oasis - Desconcierto).

En audio: Oasis – Supersonic.

Oasis: Supersonic - Supersónico

Necesito ser yo mismo
No puedo ser ningún otro
Me siento supersónico
Dame ginebra y tónico
Puedes tomártelo todo pero ¿cuánto lo quieres?
Me haces reír
Dame tu autógrafo
¿Puedo ir contigo en tu BMW?
Puedes navegar conmigo en mi submarino amarillo

Necesitas descubrir
Porque nadie va a decirte en lo que estoy metido
Necesitas encontrar un modo de expresar lo que quieres
Pero antes de mañana

Porque mi amigo, que dijo que te llevaría a casa
Se sienta solo en una esquina
Vive bajo una cascada
Nadie puede verle
Nadie puede oírle llamar

Necesitas ser tu mismo
No puedes ser ningún otro
Conozco una chica que se llama Elsa
Esta enganchada al Alka Seltzer
Lo inhala con una caña en un tren supersónico
Me hace reír
Tengo su autógrafo
Lo ha hecho con un médico en un helicóptero
Esta inhalando en su pañuelo
Vendiendo el gran problema

Necesita descubrir
Porque nadie va a decirte en lo que estoy metido
Necesita encontrar un modo para expresar lo que quiere
Pero antes de mañana

Porque mi amigo, que dijo que te llevaría a casa
Se sienta solo en una esquina
Vive bajo una cascada
Nadie puede verle
Nadie puede oírle llamar.


En video (Youtube): Oasis – Supersonic (Live).

Nirvana: Smells like teen spirit - Huele a espíritu de adolescente

Nirvana: Smells like teen spirit - Huele a espíritu de adolescente

"Si no hubiéramos armado este grupo, supongo que estaríamos haciendo lo que el resto de la gente hace en el sitio donde crecimos; talar árboles, beber, tener sexo, hablar de sexo y beber un poco más" (Kurt Cobain)

“I Feel Stupid And Contagious, Here We Are Now, Entertain Us” (Nirvana – Smells Like Teen Spirit)

Volvemos a la tierra de Starbucks, a las camisas leñadoras y al grounge, todo en uno solo, después de sacudirnos cover de David Bowie, The Man Who Sold The World, en un sonido refinado que no conocíamos de Nirvana en su Unplugged in New York (tremendo sopapo para algunos de sus fans) y un nivel superior al Do the evolution de Pearl Jam.

Volvemos a Nirvana en su estado “natural”, al Nevermind (1991) sin velas y guitarras acústicas de por medio. Cierto que el álbum nos muestra un avance sonoro diferente a su primer disco (Bleach-1989), cierto que la portada parece ser un autorretrato de Kurt y por tanto el de la banda (el bebe nadando hacia el anzuelo con dólares), cierto que Nirvana y/o Kurt pudo haber sido un “San” Judas que vendió su esencia por mandato divino para cumplir la profecía que relataba que debía suceder para cambiar el rumbo del rock tal como se conocía. Pero cierto es también que nos encontramos con uno de los mejores álbumes de la historia del rock, un clásico que se sostiene en cada una de las 12 canciones, pero fundamentalmente en Smells Like Teen Spirit, con letra intraducible, que es el himno noventero por excelencia o el precio que tuvo que pagar Nirvana para vender y salir en MTV. Cualquiera de ambas cambio de manera brutal el rumbo de la historia musical.

En Audio: Nirvana - Smells like teen spirit (Live).

Nirvana: Smells like teen spirit - Huele a espíritu de adolescente

Carga las pistolas y trae a tus amigos
Es divertido perder y pretender
Ella está demasiado aburrida y segura
Oh no, yo sé una palabra sucia.

¿Hola, hola, hola, estás deprimido?
Hola, hola, hola.
Con la luz fuera, es menos peligroso
Aquí estamos ahora, entretennos
Me siento estúpido y contagioso
Aquí estamos ahora, entretennos
Un mulato, Un albino, un mosquito, Mi libido,

Soy malo en lo que hago mejor
Y por este don me siento bendecido
Nuestro pequeño grupo siempre ha sido
Y siempre será hasta el final

¿Hola, hola, hola, estás deprimido?
Hola, hola, hola.
Con la luz fuera, es menos peligroso
Aquí estamos ahora, entretennos
Me siento estúpido y contagioso
Aquí estamos ahora, entretennos
Un mulato, Un albino, un mosquito, Mi libido,

Y olvido solo lo que pruebo
Oh sí, supongo que me hace sonreír
Encontré difícil lo que era difícil encontrar
Están bien, lo que sea, no importa.

¿Hola, hola, hola, estás deprimido?
Hola, hola, hola.
Con la luz fuera, es menos peligroso
Aquí estamos ahora, entretennos
Me siento estúpido y contagioso
Aquí estamos ahora, entretennos
Un mulato, Un albino, un mosquito, Mi libido.


En video: Nirvana - Smells like teen spirit (Archiconocido video gracias a MTV, pìedra fundamental para que Nirvana pase de la oscuridad a la fama).

Pink Floyd: Comfortably Numb - Plácidamente Adormecido

Pink Floyd: Comfortably Numb - Plácidamente Adormecido

Que caminos no ha recorrido Pink Floyd para ser una leyenda del rock, le hubieran bastado dos discos para hacerse mito pero decidieron abrir todas las cajas sonoras disponibles, creándose verdaderos himnos generacionales en el transe.

En 1979 sale al aire el álbum The Wall, una obra maestra en clave opera-rock. El disco, es el pico máximo de su carrera después de Dark Side of the Moon (1973). Álbum autobiográfico del líder de la banda -Roger Waters- para muchos y hasta puede serlo al Waters convertirse en el cerebro creador de The Wall.

El álbum doble es parte de los esenciales de la historia del rock por contener verdaderas joyas como The Happiest Day of Our Lives, Another Brick in the Wall (part2), Mother, Young Lust, Is there Anybody Out There?, Run Like Hell y claro la espectacular Comfortably Numb, cargada del también espectacular solo de guitarra de David Gilmour que cierra la canción, en quizás un homenaje al marginado ex guitarra del grupo Syd Barret.

"Comfortably Numb, no sólo aparece como un punto de equilibro crítico en el álbum The Wall, sino que logra evocar la fenomenología inconspicua de esa experiencia cuyos horrores metafísicos se extralimitan por la lejanía del cuerpo, horrores que fulminan sin más las redes próximas a la memoria. Esta pieza logra delinear ese acontecer que se dispersa en una nostalgia felizmente alcanzada: no sólo describe en su actualidad el quiebre idealista de una develación siempre afirmada, a partir de una experimentación musical de auto-destrucción sublime y coherentemente ejecutada, sino que incluye significativamente el conflicto histórico de su propia patología: en la manía de la prescripción clínico-cínica que define su inerte negatividad, pero cuyo trasfondo se sostiene en un abismo ineluctable que es a la vez indefinible, un abismo que hace fluir una intranquilidad cuya fortuna es asimismo incomunicable.

Esta pieza pop-musical nos habla de esa experimentación (experience) que sale de la historia y que pone de relieve el vitalismo de un cuerpo reventado en mil pedazos, de un cuerpo cuya esencia chorrea: es la experiencia de una existencia que se ha fragmentado en el cristal de su aparente inocencia, y que ha podido desconocerse a sí misma en el abismo de su propia organicidad. Descrita en su coyuntura y en su misma secuencia catatónica, esta pieza no sólo nos articula y entona el desmembramiento sensorial de ese cuerpo roto ante los pormenores de un ser circunscrito a la gloria inocua de su acontecimiento, sino que lo hace en la circunspección irónica de una terrible y omnipresente procesión diagnóstica, la cual también se presenta gradualmente como el motivo constante de su inerte vaciamiento. De ese modo, nos articula la mirada rapaz de un ojo indiferente cuya figura autoritaria despoja a priori la autonomía propia de ese cuerpo, una autonomía que no sólo define los contornos de la experiencia que lo acontece, sino que los traza en su horizonte de existencia.

Vestida tal vez de blanco, pero embadurnada con la cautela de una aproximación quizá supuesta de cientificidad, y recubierta sea con la propia inercia de un método mezquino y oscuro, sea con la impotencia para discernir lo que ya ha acontecido en ese cuerpo sublimado: esa mirada rapaz nos aventura de inicio al rescate obsoleto de un ser disuelto en su propia intensidad, de un ser perdido en la difuminación de su unidad interna, de un ser de helio sumergido en el vórtice inexorable de su deseo. En los términos que musicalizan su propia articulación, ya desde el primer párrafo de su contenido, el diagnóstico que se proscribe en Comfortably Numb apela neciamente por esa unidad primordial, pero nunca sin esgrimir la curva de sus sarcasmos. De inicio, algo irrumpe con su armonía: algo ha sucedido ya desde el comienzo. Algo sucede o comenzaría a suceder. Es algo que de hecho está sucediendo: es el eco-fantasma alargado de una voz que asciende de forma estremecedora, y que nos lanza un terrible saludo" .

En Audio: Pink Floyd – Comfortably Numb.

Pink Floyd: Comfortably Numb - Plácidamente Adormecido

¿Hola…?
¿Hay alguien ahí?
Asiente con la cabeza si puedes oírme
¿Hay alguien en casa?

Vamos,
He oído que te sientes mal
Yo puedo aliviar tu dolor
Y ponerte en pie otra vez

Relájate.
Necesitaré primero alguna información
Sólo los hechos básicos
¿Puedes mostrarme donde te duele?.

Ya no hay dolor, está disminuyendo
Un barco distante humea en el horizonte
Estás atravesándolo a oleadas
Tus labios se mueven pero
no puedo oír lo que dices
Cuando yo era niño tuve una fiebre
Mis manos se sintieron como dos globos

Ahora vuelvo a tener esa sensación
No lo puedo explicar, no lo entenderías
No es así como soy
Me he quedado plácidamente adormecido.
Me he quedado plácidamente adormecido.

Está bien
Sólo un pequeño pinchazo
Ya no habrá más...
Pero puedes sentirte algo mareado
¿Puedes ponerte de pie?
Creo que está funcionando, muy bien
Eso te mantendrá de pie, durante el espectáculo
Vamos, es hora de marcharte.

No hay dolor, está disminuyendo
Un barco distante humea en el horizonte
Estás atravesándolo a oleadas
Tus labios se mueven, pero no puedo oír lo que dices
Cuando yo era un niño
Capté un rápido vislumbre
Desde el rabillo de mi ojo
Me volví a mirar, pero se había ido
No puedo poner mi dedo en ello ahora
El niño ha crecido
El sueño se ha esfumado
Y yo me he quedado
plácidamente adormecido.

Pearl Jam: Do the Evolution – Evoluciona

Pearl Jam: Do the Evolution – Evoluciona

“I’m a head. I’m a man / I’m the first mammal to wear pants / I am at peace with my lust / I can kill cause in god I trust / It’s evolution baby.”

Letra apocalíptica salida de la canción profética “Do The Evolution” (Evoluciona) del álbum Yield de Pearl Jam. Los pusieron en el estante del grunge pero la banda ha mutado en todo lo que se ha aparecido, cosa de evolución supongo.

La ecléctica banda hereda sonidos diversos que recorren desde The Who, hasta Jimi Hendrix, pasando por The Doors, U2, Neil Young, The Band, The Clash y R.E.M. entre otros tantos. Quizás por eso no se reconozca que la versión de “last kiss” y “Do the Evolution” son de la misma banda.

Do the evolution salida en 1998 una canción que casi roza el punk con una potencia que no se conocía hasta esos momentos. Letra cruda, muy brutal hasta sádica, que se oculta tras un videoclip animado -de lo contrario invitaría a la nausea-, pero realista forma de ver pasado, presente y futuro.

A Nostradamus se le olvidaron algunos párrafos, las imágenes finales que el videoclip “Do the evolution” profetizan, donde el hombre actual es sólo un eslabón más en cadena evolutiva y puede dejar de ser quien tenga en sus manos el control. En el video el hombre es “absorbido” y suplantado por sus propias creaciones, el clon, la robótica, y las armas sumamente destructivas, que en un principio lo hicieron importante. Se hace referencia a la Ley de Selección Natural, el más fuerte sobre el más débil. Para la extinción de muchas especies fue necesario una catástrofe natural, pero en el caso del hombre es posible que en su obsesión por sentirse superior o aprovecharse de su poder sin responsabilidades termine por destruirse a sí mismo.

Me quedo con esa imagen, un hombre absorbido por su computadora volviéndose un robot (¿se pusieron a pensar en la cantidad de memoria que traemos con nosotros? Entre Memorias USB (512 Mb), Memorias de la cámara digital (512 Mb), Reproductor MP3 (1 G) y demás vainas en los celulares. De acá a unos años necesitaremos puertos USB en el cerebro).

Si viviera aun Charles Darwin de seguro escucharía a Pearl Jam mientras completa su teoria de la evolución. Y si no quedan conformes con el video animado de “Evoluciona” ya nos estamos haciendo un video con imágenes reales. Visiten todos los links de este artículo, quizás haya una que otra sorpresa. Tomen tanto aire como puedan.

En Audio: Pearl Jam - Do the Evolution (Live 9.4.06 Lisbon)

Pearl Jam: Do the Evolution – Evoluciona

Soy superior, soy un hombre,
soy el primer mamífero que viste pantalones.
Convivo con la lujuria,
y puedo matar en nombre de Dios.
Es evolución, cariño

Vivo en paz, soy el hombre,
compro acciones el día de la gran depresión.
libre, soy como una aplanadora
todas las montañas aplanare
es el comportamiento del rebaño
es evolución, cariño

Admírame, admira mi casa,
admira a mi hijo, es mi clon.
Esta es mi tierra, es tierra de libertad,
Haré lo que quiera de ella irresponsablemente
Es evolución, cariño

Soy un ladrón, soy un mentiroso,
esta es mi iglesia, canto en el coro:
“Aleluya, aleluya”

Admírame, admira mi casa,
Admira mi canción, admira mi ropa
Considera, apetito para las noches de banquete.
Esos indios ignorantes, no tendrían nada sin mi
nada ¿por qué?
Porque... ¡es evolución, cariño!

Soy adelantado, soy avanzado,
soy el primer mamífero en hacer planes,
Me arrastré por la tierra, pero ahora la domino,
2010, mira cómo arde.
Es la evolución, cariño
Es la evolución, cariño
Evoluciona
Vamos, vamos, vamos…


En Video: Pearl Jam - Do the Evolution.

Do The Evolution: EL video tiene una duración de 4 minutos aproximadamente y una estética bien fundamentada en lo que quiere transmitir; de imágenes sugerentes, muy impactantes y de muy corta duración cada una.

“Do The evolución” es la narración de una historia en la que se hace referencia en varias oportunidades a grandes sucesos de la Historia de la humanidad pero tiene un significado más amplio. Más precisamente, se podría resumir a una analogía con la “creación- destrucción” “nacimiento- muerte”. Toda la simbología o las asociaciones realizadas sugieren que nos remitamos a pensar en estas polaridades. El ejemplo más claro se puede apreciar en la comparación del nacimiento de nuestro planeta con la fecundación de un óvulo, aquí se realiza una combinación entre forma y tamaño imposible.

La expresión del cantante, su entonación, acompañado por la música, hace énfasis en los momentos clave de la historia que narra la letra “Do The Evolution” captando la atención permanentemente y manteniendo la expectativa. Se establece también un perfecto equilibrio entre letra, música y la línea narrativa que el destinatario reconstruye a partir de las imágenes. A pesar de que en un videoclip se suceden rápidamente una imagen con otra en un orden indeterminado y sin mucha relación entre las correlativas, en este videoclip, existe una lógica de orden cronológico.

La historia que se reconstruye a partir del videoclip hace referencia a la letra de la canción. Tal es el caso cuando en una estrofa de la letra habla de la admiración: “...admírame, admira mi casa/ admira mi hijo, es mi clon/ Esta tierra es mía, esta tierra es libre/ haré lo que quiera con ella pero irresponsablemente/ es evolución nena...” tiene relación inmediata a imágenes que muestran un gobernante del Imperio Romano apreciando junto a su hijo las enormes construcciones, que simbolizan y reflejan su amplio, fuerte, y vasto poder. Lo mismo sucede con la admiración que comparte el padre y su hijo desde una ventana hacia la industrialización.

“...esos indios ignorantes, no tendrían nada sin mi/ nada ¿por qué?/ es evolución...” Las imágenes muestran que la cultura del indio es devastada por la del europeo, la cual se consideraba más evolucionada y desarrollada, por eso impuso su cultura y religión. Se ve claramente cuando la figura es un indio con su propia arma y de fondo aparece un cura europeo con un crucifijo, símbolo de su religión y creencia. Luego aparece una imagen de un indio enfermo, pudriéndose y cayéndosele el cabello, representando las pestes traídas por los europeos y la transformación que les fue impuesta...

Leer interpretación “Do The Evolution” completa - versión Acrobat PDF.

Guns N' Roses - November rain - Lluvia de noviembre

Guns N' Roses - November rain - Lluvia de noviembre

El mundo musical nos ha dado muchos virtuosos de la guitarra, engendrados por demonios en algún cruce de caminos de Missisipi o bendecidos por Ángeles tras una oración a los cielos. El culto al guitarrista, que hace del hombre de las seis cuerdas una especie de héroe o semidiós, es una veneración que ha aparecido muy recientemente en el tiempo, y en el rock surgió recién a mediados de los 60 con el surgimiento de Eric Clapton, Jeff Beck y Jimi Hendrix.

Sin embargo, eso no quiere decir que no hubiera virtuosos de la guitarra, aunque no en todas las ocasiones un virtuoso es un héroe, o un héroe un virtuoso. El rock siempre ha tenido como momento cumbre al solo de guitarra; nociva costumbre que generaciones de músicos electrónicos condenan como si se tratara de quemar mujeres inocentes en la hoguera cual vulgares brujas. El solo de guitarra es, ha sido y será parte fundamental del rock mientras quede algún sonido que ofrecer (escuchen sino a Clapton en Layla, a Robby Krieger en Light My Fire, o Brian May en la inmortal Bohemian Rhapsody, o a Jimi Hendrix en All Along the Wachtower, para nombrar algunos).

En su ocaso, el siglo XX nos ha dado uno de los últimos virtuosos de las cuerdas. Slash es la última estrella guitarrera tradicional que se ha hecho conocido por lo incendiario de sus solos en Guns N’ Roses o en cualquier disco que ha tocado. Detrás de esa mata de pelos ensortijados que le ocultan el rostro, hay un guitarrista fogoso y virtuoso por igual, capaz de crearse riffs y solos de antología.

Su guitarra en la orquestal November Rain es solo una muestra, salida en el disco doble Use Your Illusion I y II (1991), Slash satisface sus ambiciones en la balada cargada de emocionalidad uno no se imagina como seria sin ese solo antológico que rompe la pausa instrumental que nos deja rezando para que nunca termine.

El video es otra joya, narrando la vida de Axl, Slash se convierte en el personaje principal. Se endiosa en un pedestal que solo es un piano, la orquesta prepara el terreno como el rayo al trueno.

Todos los guitarristas virtuosos deberían tocar sobre un pedestal.

En Audio: Guns N’ Roses – November Rain (Live)

Guns N’ Roses: November rain - Lluvia de noviembre

Cuando miro dentro de tus ojos
puedo ver un amor contenido
pero cariño cuando te tengo
no sabes que siento lo mismo

por que nada dura por siempre
y nosotros dos sabemos que el corazón puede cambiar
y es dificíl tener una vela
en esta fria lluvia de noviembre

Hemos estado a través de esto un largo, largo tiempo
simplemente tratando de matar el dolor

pero los amantes siempre vienen y los amantes siempre se van
y nadie está realmente seguro de a quién esta dejando ir hoy,
alejándose

si pudiéramos tomar el tiempo
para dejarlo en la línea
podría descansar mi cabeza
simplemente sabiendo que fuiste mia
toda mia
pues si quieres amarme
entonces cariño no contengas
o simplemente terminaré caminando
en la fría lluvia de noviembre

tu necesitas tiempo... en tí misma
tu necesitas tiempo... sola
todos necesitan algo de tiempo
para si mismos
no sabes que necesitas algo de tiempo... sola

Sé que es difícil tener un corazón abierto
cuando hasta los amigos parecen herirte
pero si pudieras curar un corazón roto
no habría tiempo fuera de encantarte

A veces necesito tiempo... para mi sólo
A veces necesito tiempo... sólo
todos necesitan algo de tiempo
para sí mismos
no sabes que necesitas algo de tiempo... sola

y cuando temes hundirte
y las sombras aún permanescan
sé que puedes amarme
cuando no hay nadie a quien culpar
pues no importa la oscuridad
aún podemos encontrar un camino
por que nada dura por siempre
hasta la fría lluvia de noviembre

no pienses que necesitas a alguien
no pienses que necesitas a alguien
todos necesitan a alguien
tu no eres la única
tu no eres la única.


En video: Guns n’ Roses – November Rain.

El video November Rain es el segundo de una trilogía de videos que son completados con Don’t Cry y Estrange.

El Arte del disco es el Fresco de Rafael “Escuela de Atenas”.

Escuche y venere a otros heroes violeros:
-Podcast: Guitarras – Angeles & Demonios.

Queen: Bohemian Rhapsody - Rapsodia Bohemia

Queen: Bohemian Rhapsody - Rapsodia Bohemia

“Is This The Real Life? Is This Just Fantasy? Caught In A Landslide, No Escape From Reality”.

“Freddie era una de esas personas que podía tener una audiencia entera en la palma de su mano. No importaba que tan grande fuera”. (Kirk Hammet, Metallica)

“Tráeme otro tema que mezcle rock y opera con una balada, y ahí vemos cuál es mejor” (Freddie Mercury)

Nos encontramos ante una obra maestra de gran magnitud donde la capacidad sonora es adrenalina en su estado más básico, arte en su máxima expresión. Para un mortal es alucinante volver a reencontrarse con joyas de este tipo.

El titulo del álbum, A Night at the Opera, robado de una película de los Hermanos Marx, que Queen se apropia. El single mandado a abrirles el disco Bohemian Rhapsody, una tremenda mezcla entre hard-rock, opera y balada con arreglos extraordinarios, con sonidos y melodías eclécticas y con una voz que se repite decenas de veces, la de Freddie Mercury el compositor que le puso la letra, la música, el alma y los arreglos a esa incomparable canción. Mercury se mueve como un dios griego vocalmente, hace del tema una balada, lo muta a opera desembocando en un espectacular y orgásmico estallido de furia rockera. Piano, batería, guitarra y bajo parecen caminar sobre una cuerda tensada a mil metros al aire para no romper la armonía que marca Mercury, minutos después ruge el rock y la guitarra se roba minutos con tremendo solo. La letra, sin mucho sentido quizás, retrata a un hombre que, sin querer, mata a una persona y huye para no herir a los que quiere.

Bohemian Rhapsody el mejor tema del siglo XX para muchos y que se jacta de ser el primer videoclip de la historia. Una versión en vivo rescatable la del disco "Live at Wembley ’86" (disc 2).

Ayer (05.09.06) Freddie Mercury hubiera cumplido 60 años. "Artísticamente hablando, era un cantante sumamente versátil, con una voz tan dúctil como para cantar cualquier estilo de música. Era un cantante con potencia, variedad, emoción, caudal y demás atributos. Era capaz de cantar los rocks más potentes, o las baladas más suaves. Poseía la capacidad de producir falsetes bellísimos. Tenía la potencia y el registro de un cantante de ópera pero en cambio triunfó en el rock. Tenía la capacidad de mover audiencias, hacer llorar, reír, excitarse. Tenía un carisma impresionante, y podía tener a la audiencia en la palma de la mano, como dijo Kirk Hammet. Una de las voces más inteligentes y envidiadas de la historia de la música" (La voz: Freddie Mercuri). Showman y Frotman enérgico, un enviado por los dioses “Quien lo haya visto sobre un escenario nunca lo olvidará. En cuanto Freddie Mercury sentía que los fanáticos lo acompañaban, se volvía imparable. Levantaba su brazo derecho hacia el cielo, con el puño cerrado.”

Pero Freddie Mercury era un mortal, con sueños, pesadillas y adicciones. Alcohol, cocaína, mucho trabajo en estudios y sobre los escenarios del mundo, fiestas, continuamente nuevos amores y amoríos. Era mas que un mortal un kamikaze, sabia que el amor mataba (love Kills) y aun así su peor pesadilla era llegar a un dormitorio vació. El SIDA cobro factura el 24 de noviembre de 1991 llevándose a Mercury y Queen. “The Queen is dead” (The Smiths)

In memoriam Freddie Mercury (1946-1991)

En Audio: Queen – Bohemian Rhapsody (Live At Wembley 86)

Queen – Bohemian Rhapsody - Rapsodia Bohemia

¿Es esto vida real o es solo fantasía?
Atrapado bajo un alud, no hay escape de la realidad
Abre tus ojos
Mira los cielos y ve
Soy solo un pobre muchacho, no necesito compasión
Porque fácilmente vengo, fácilmente me voy
Un poco más alto, un poco más bajo
Sople a donde sople el viento, nada me importa en realidad

Mamá, solo maté a un hombre
Puse un arma contra su cabeza
Presioné mi gatillo, ahora él está muerto
Mamá, la vida ha comenzado
Ahora me he ido y desperdicie todo
Mamá, ooo
No quise hacerte llorar
Si no estoy de regreso mañana a esta hora
Continúa viviendo como si nada importara realmente

Es tarde, mi tiempo se ha terminado
Siento escalofríos bajando por mi espalda
Mi cuerpo me duele todo el tiempo
Adiós a todos, me tengo que ir
Debo dejar todo atrás y enfrentar la verdad
Mamma, oh, no quiero morir
A veces deseo nunca haber nacido

Veo la pequeña silueta de un hombre
Scaramouch, sacarmouch, ¿harás el escándalo?
Rayos y relámpagos, asustándome mucho, mucho
Galileo, Galileo
Galileo, Galileo
Galileo Fígaro - magnífico

Pero soy solo un pobre muchacho y nadie me ama
Él es solo un pobre muchacho de una pobre familia
Apiádense de él y de la monstruosidad de su vida
Fácil viene fácil va - ¿me dejarás ir?
Bismillah! No - no te dejaremos ir - dejarlo ir
Bismillah! no te dejaremos ir - dejarlo ir
Bismillah! No - no te dejaremos ir - dejarme ir
No te dejaremos ir - dejarme ir (nunca)
Nunca dejarte ir - dejarme ir
Nunca dejarme ir
No, no, no, no, no, no, no -
Oh ,madre mía, madre mía, madre mía déjame ir
Belcebú tiene un diablo apartado para mi
Para mi
Para mi

Piensas que puedes apedrearme y escupirme en la cara
Piensas que puedes amarme y dejarme para morir
Oh nena - no puedes hacerme esto nena
Simplemente tengo que salir - solo tengo que salir de aquí

Ooh si, ooh si
Nada realmente importa
Nadie puede ver
Nada realmente importa - Nada realmente me importa
Sople a donde sople el viento...


En video: Queen – Bohemian Rhapsody, el primer videoclip de la historia.

Lea también:
Q
ueen blog (fans).
Queen Web (En castellano).
Bohemian Rhapsody, más que una canción (Aldeabit).

Fastball: The Way – El camino

Fastball: The Way – El camino

Golpe de timón que nos traslada a los últimos suspiros del siglo XX para resumir la carrera de los Fastball en pocas palabras: The Way / Billboard 99.

En 1998 editan su segundo álbum “All The Pain Money Can Buy” (Todo el dolor que el dinero pueda comprar), los originarios de Texas no podían pedir mas, el álbum y el tema les valió la nominación a los Grammy, el disco de platino y un puesto en la lista billboard del 99.

La formula mágica es simple, toques pop, rock y algo perceptible de música country, que los hacen conciderarse un grupo de Powerpop.Los sonidos recuerdan a los 70s con la adición de la tecnología de los 90s, órgano, batería, una guitarra y sintetizadores clásicos le dan un sonido aceptable.

En Audio: Fastball – The Way.

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Fastball: The Way – El Camino

Ellos se decidieron
Y comenzaron a empacar
Se fueron antes de que el sol saliera ese día
Una salida al verano eterno que afloja
¿Pero a donde iban sin conocer el camino?

Se tomaron el vino
Y pudieron hablar
Ahora tenían cosas más importantes que decir
Y cuando el coche se averió
Comenzaron a caminar
¿A donde iban sin conocer el camino?

Cualquier persona podía ver
Que el camino en el que caminan está pavimentado en oro
Y siempre es verano, nunca tendrán frío
Nunca tendrán hambre
Nunca serán viejos y tristes
Puedes ver sus sombras
Vagando en algunas partes
No llegarán a casa
Pero en realidad no les importa
Querían la carretera
Están felices ahí hoy, hoy

Los niños despertaron
Y no pudieron encontrarlos
Se fueron antes de que el sol saliera ese día
Simplemente se fueron manejando
Y dejaron todo atrás
¿Pero a donde iban sin conocer el camino?

Cualquier persona podía ver
Que el camino en el que caminan está pavimentado en oro
Y siempre es verano, nunca tendrán frío
Nunca tendrán hambre, nunca serán viejos y tristes
Puedes ver sus sombras
Vagando en algunas partes
No llegarán a casa
Pero en realidad no les importa
Querían la carretera
Están felices ahí hoy, hoy.

The Doors: When the music's over - Cuando la música acabe

The Doors: When the music's over - Cuando la música acabe

“When the music’s over (…) Cancel my subscription to the resurrection”

Strange Days (1967), segundo álbum de Doors, salida el mismo año que su vinilo homónimo de presentación “The Doors”, quizás por eso se sienta un aire similar a su primer Lp, melodías atronadoras, psicodélicas, pop, rock mezclados son sonidos experimentales.

Días Extraños se viene con una joya entre todas, When the music’s over, tema que recuerda a The End de su primer disco, pero nos recuerda también a Nietzsche en el Ocaso de los ídolos. Morrison saca una vez mas su lado poético, filosófico, vocal e interpretativo dándonos como resultado una épica e hipnótica composición. Manzarek hace un trabajo ejemplar, uno mas, aunque krieger se manda tremendo solo de guitarra y la batería de Densmore cambia la atmósfera a su gusto, todos tienen el espacio justo para brillar logrando la perfecta complementación instrumental.

La portada del disco -muy diferente a la sugerida por Morrison donde 30 perros rodeaban al grupo queriendo crear un mensaje sugestivo (DOG=GOD)- muestra a un desfile de Freaks recordando un aire Europeo.

Cuando se habla de Doors es complicado, siempre se termina exaltando el disco reseñado, este disco no puede ser la excepción es uno de los necesarios de la música. Reseña y canción necesarias también para hilar un nuevo articulo sobre Nietzsche, Morrison y la música.

En Audio: The Doors - When the music’s over.

The Doors: When the music’s over - Cuando la música acabe

Cuando la música acabe
Cuando la música acabe, si
Cuando la música acabe
Apaga las luces
Apaga las luces
Apaga las luces, si

Porque la música es tu amigo especial
Baila sobre el fuego como te lo pide
La música es tu único amigo
Hasta el final
Hasta el final
Hasta el final

Cancelen mi suscripción a la resurrección
Manden mis credenciales a la casa de detención
Tengo algunos amigos adentro

La cara en el espejo no quiere detenerse
La chica en la ventana no quiere caerse
Una fiesta de amigos
“¡Sobrevivo!” ella grito
Esperando por mí

Afuera

Antes que flote
Dentro del gran sueño
Quiero escuchar
Quiero escuchar
El grito de la mariposa

Regresa nena
Regresa a mi brazo
Estamos cansándonos de dar vueltas
Esperando con nuestras cabezas en el piso

Escucho un sonido muy gentil
Muy cercano y también muy lejano
Muy suave, si, muy suave
Ven hoy, ven hoy

¿Qué le han hecho a la tierra?
¿Qué le han hecho a nuestra hermosa hermana?
Devastada, saqueada, violada y golpeada
Le perforaron con cuchillos en el costado del amanecer
Y le ataron con cercas y le arrastraron

Escucho un sonido muy gentil
Con tu oído pegado a la tierra
Queremos el mundo y lo queremos…..
Queremos el mundo y lo queremos…..
Ahora
¿Ahora?
¡Ahora!

Noche persa, nena
Ve la luz, nena
¡Sálvanos!
¡Jesús!
¡Sálvanos!

Así que cuando la música acabe
Cuando la música acabe, si
Cuando la música acabe
Apaga las luces
Apaga las luces
Apaga las luces, si

Bueno la música es tu amigo especial
Baila sobre el fuego como te lo pide
La música es tu único amigo
Hasta el final.


En video: The Doors - When The Music’s Over performed live.

Cream: Crossroads - Cruce

Cream: Crossroads - Cruce

Y debía llegar inevitablemente a Cream, hace días cometía la blasfemia, para muchos, de afirmar que Clapton era el líder y un sinónimo de Cream, quizás porque siempre se me quedan las guitarras, los solos interminables que Clapton supo ejecutar con maestría en la mítica banda. No dudo que Cream fue un Dream-Team, no desmerezco a la gran batería de Ginger Baker y el tremendo bajo de Jack Bruce, pero lo de Clapton y su guitarra rayan en lo orgasmal. Una muestra de ello es la versión de “Crossroads” salida en su álbum Wheels Of Fire (1968) y una presentación memorable en el Fillmore de San Francisco.

Letra complicada de traducir donde Robert Jonhson, creador de Crossroads, nos cuenta una reseña de su caminata a la intersección de caminos, su ruego al señor de las tinieblas y su llegada a Roseadle (Un pueblo de Mississippi, en el que la "tradición" atribuye la venta del alma de R.J.), el resto es leyenda.

Pero Cream es mucho mas que eso, el mismo cover de “Crossroads” tiene su historia, la memorable presentación y los sonidos individuales de estos 3 virtuosos de la música los reseña jpcik!, un conocedor de la historia, las guitarras y los sonidos de Cream.

La leyenda cuenta que Robert Johnson fue una noche a un cruce de caminos para encontrarse con el mismísimo Lucifer, decidido a cambiar su suerte. A cambio del alma, Johnson recibiría un inigualable virtuosismo como guitarrista. Fantasía o no, Robert Johnson pasaría a la historia como el rey del Delta Blues y una de las más importantes fuentes de inspiración de los íconos del blues-rock.

Entre los muchos jóvenes músicos ingleses que revisaban apasionadamente el blues americano de los años 20 durante la era del Swinging London, estaba un talentoso guitarrista llamado Eric Clapton. En esencia un guitarrista de blues, Clapton redescubría a artistas obscuros como Skip James, Sony Boy Williamson, Howlin’ Wolf y por supuesto Robert Johnson. Sin embargo resultaba difícil hacer accesible el blues a un público hechizado por el pop del momento.

Tiempo después, junto a Jack Bruce y Ginger Baker, Clapton formó Cream, intentando amalgamar pop rock, blues y psicodelia. Semejante conformación del reputado trío les valió un éxito rotundo con sus dos primeros álbumes, Fresh Cream (1966) y el Disraeli Gears (1967).

San Francisco, la meca de la música a fines de los 60s, los recibió en su seno y allí produjeron algunos de los conciertos más brillantes que se recuerden en los anales de la historia del rock. Improvisaciones interminables de un power-trío que cada noche reinventaba canciones y extendía melodías hasta el límite de lo posible. Fue en ese momento, en la cima de su popularidad y capacidad creativa que Cream lanzó el álbum doble Wheels Of Fire, probablemente la mejor muestra de su magia y talento. El álbum comprendía tanto grabaciones en estudio como en vivo, rompiendo con los esquemas clásicos de los álbumes de la época.

Uno de los temas en vivo precisamente se convertiría en sello de Cream y en especial de Eric Clapton: Crossroads. La canción es una versión retrabajada sobre el viejo Cross Roads Blues de Robert Johnson. El mito dice que Crossroads relata el encuentro de Johnson con el Diablo en el cruce de caminos en la carretera 61. Probablemente sea una interpretación forzada de la canción pero finalmente eso poco importa. Clapton hace Crossroads suyo e imprime la potencia que hace posible que el minimalismo del Delta Blues se convierta en una metralla impetuosa que dispara inmisericorde ante nuestros oídos. Clapton se inventa 2 solos que son considerados por muchos como los mejores en la historia del rock, aunque Jack Bruce tampoco no se deja intimidar en el bajo. El bassline de Bruce redobla conformando su propio solo, imposible de aislar del torrente asesino de la batería de Ginger Baker, mientras Clapton complementa con una performance vocal impecable. Otra novedad, tomando en cuenta que el vocalista por defecto de Cream era Bruce.

Al final de la canción, Jack Bruce hace pública su admiración a la memorable actuación de Clapton con la frase que queda para la historia: "Eric Clapton please, on vocals".

Desde aquella ocasión en Winterland, han pasado casi 40 años, Cream ha desbandado, Clapton ha cambiado sus Gibson SG y 330 por la Strat, ha probado todos los estilos musicales posibles, pero sigue interpretando Crossroads cada vez que puede, haciendo derroche de su don.

Quien sabe si en realidad fue EC quien fue una noche a Highway 61 a sellar su destino.

En Audio: Cream – Wheels of life (Live) – Crossroads (Robert Jonhson)

Cream: Crossroads – Cruce

Fui al cruce, y caí de rodillas
Allí en el cruce, Caí de rodillas
Pedí misericordia al Señor, "Sálvame, por favor"

Voy al Cruce, intentando que alguien me lleve.
Voy al Cruce, intentando que alguien me lleve.
Nadie me conoce, todos pasan de largo.

Voy a Roseadle, llevo a mi novia de jinete a mi lado.
Voy a Roseadle, llevo a mi novia de jinete a mi lado.
Puedes quedarte en el Barrelhouse, nena, en la orilla.

Puedes correr, puedes correr y decirle a mi amigo Willie Brown
Puedes correr, puedes correr y decirle a mi amigo Willie Brown
Que estoy esperando en le Cruce, y créeme me estoy hundiendo.

Lea También:
Crossroads Guitar tab. (911tabs).
I went down to the crossroads (en el blog de jpcik).
Blues Maldito – El diablo y Mr. Jonhson (Elmundo.es)
.

Derek and the Dominos & Eric Clapton: Layla

Derek and the Dominos & Eric Clapton: Layla

El mítico guitarrista Eric Clapton después de ser el líder de cinco bandas, entre ellas Cream, forma Derek and the Dominos (1970), su álbum presentación llamado Layla and Other Assorted Love Songs cuenta con la participación de otro legendario de la guitarra Duane Allman (The Allman Brothers) y de George Harrison (The Beatles), tres personajes que marcan la calidad del disco y el poder de las guitarras.

Y si, el disco se recuerda por la constelación de virtuosos de la guitarra, pero se la recuerda mucho mas por una canción, la que da nombre al disco, Layla, mostrando a un Clapton en plena etapa emotiva, que no era para menos, el quedar enamorado de la esposa de George Harrison, Patti Harrison, fue suficiente para crear Layla y darle un alma al disco volviéndolo un estandarte en la carrera de Clapton y en la corta carrera de Derek and the Dominos como grupo.

Layla, una suplica a un amor casi imposible, que Clapton lo hizo posible, suplicas que se hacen inolvidables con las guitarras de Eric y Allman que juegan haciendo solos alucinantes, oírlas en su álbum Eric Clapton unplugged es otro tema. La versión en vivo "Live in Japon" (video de mas de 9 minutos), tremendo concierto, es espectacular con un maldito solo guitarrero que Clapton se carga solito.

En Audio 1: Derek & the Dominos - Eric Clapton: Layla

En Audio 2: Eric Clapton: Layla (Unplugged Version)

Derek and the Dominos & Eric Clapton: Layla

¿Qué harás cuando te sientas sola
y nadie esperando a tu lado?
has estado huyendo y escondiéndote por
demasiado tiempo
sabes que sólo es tu tonto orgullo.

Layla, me tienes de rodillas,
Layla, te estoy rogando, por favor querida
Layla, querida desahoga mi mente preocupada

Traté de darte consuelo
cuando tu padre te defraudo
como un tonto me enamore de ti
mi mundo lo volví de cabezas

Layla, me tienes de rodillas,
Layla, te estoy rogando, por favor querida
Layla, querida desahoga mi mente preocupada

Hagamos lo mejor de esta situación
antes de que finalmente me vuela loco
por favor no digas que no encontraremos una solución
y me digas que todo mi amor es en vano.

Layla, me tienes de rodillas,
Layla, te estoy rogando, por favor querida
Layla, querida desahoga mi mente preocupada…

The Doors: Riders on the storm – Jinetes en la tormenta

The Doors: Riders on the storm – Jinetes en la tormenta

La ultima obra maestra de The Doors con Morrison a la cabeza, disco forrado de sonidos de blues y rock. La voz de Morrison resalta aun con las cuerdas vocales desechas por el alcohol y con heroína en la sangre. Junto con el sonido único del órgano Hammond de Manzarek, la guitarra de Krieger y la batería de Densmore, crean un sonido diferente a sus anteriores entregas, disco que muchos lo catalogan como la mejor creación de los Doors.

Resaltan por su sonido L.A. Woman, canción homónima del álbum de cerca 8 minutos, la despedida de Morrison a la ciudad de los Ángeles: “Ciudad de Luz (…) Ciudad de la noche”. Rides on the storm, la clásica, la legendaria, la joya, la elegida del álbum por sobre todas, letra apocalíptica y musicalmente completa.

L.A. Woman consolido a Jim Morrison como poeta, como siempre quiso y mostró a The Doors haciendo Blues-rock, el también sueño de Morrison. Lo que no estaba en los planes de Morrison era el éxito y asfixiado por el, decidió abandonar el mundo del rock y huir a París en busca de sus fantasmas más íntimos.

El disco nació en Abril de 1971, meses después, en Julio… la muerte condujo a Jim Morrison a ser un corresponsal de los fantasmas en Pére Lachaise, vecino de Gertrude Stein, Oscar Wilde y Balzac, en la ciudad de los muertos… un reino que siempre le perteneció.

A la memoria de JIM MORRISON (Born December 8, 1943 - Died July 3, 1971)

En Audio: The Doors – Riders on the storm.

The Doors: Riders on the storm – Jinetes en la tormenta

Jinetes en la tormenta
Jinetes en la tormenta
En esta casa nacimos
A este mundo fuimos arrojados
Como un perro sin un hueso
Como un actor con deudas
Jinetes en la tormenta

Hay un asesino en la carretera
Su cerebro se retuerce como un sapo
Toma unas largas vacaciones
Deja que tus niños jueguen
si tu le llevas a este hombre
La dulce familia morirá
Un asesino en la carretera, si

Nena, tienes que amar a tu hombre
Tómale de la mano
hazle comprender
El mundo de ti depende
nuestra vida nunca terminara
Tienes que amar a tu hombre, si
Jinetes en la tormenta

Jinetes en la tormenta
Jinetes en la tormenta
En esta casa nacimos
A este mundo fuimos arrojados
Como un perro sin un hueso
Como un actor con deudas

Jinetes bajo la tormenta...

Otras versiones de Riders on the storm

Muchas veces versionado los jinetes en la tormenta original de The Doors fueron hechos, desechos y rehechos por muchos artistas al igual que su L.A. Woman.

La versión mas conocida viene de la voz de Blondie en el disco “Blondie vs. The Doors: Rupture Riders” (Video) donde gracias a la tecnología interactúan las voces de Blondie, Jim Morrison y algunos sonidos de The Doors.

Otra de ellas mucho menos conocida la encontré como soundtrack en el juego Need For Speed Underground 2, una versión exclusiva hecha por EA Games para el juego. La voz de Snoop Dogg con Morrison hacen una aceptable versión de los jinetes en la carretera, mucho lujo para un juego.

En Audio plus: Snoop Dogg feat. The Doors - Riders on the Storm.
(Need For Speed Underground 2 Exclusive -01- )

Lea, escuche y viva:
The Doors: The End – El Final.
Un poema de Jim Douglas Morrison.
The Doors: Light my fire – Enciende mi fuego
.

Bob Dylan: Blowin´ In The Wind – Soplando en el viento

Bob Dylan: Blowin´ In The Wind – Soplando en el viento

He cometido todo tipo de insolencias contigo, Zimmy. (como anotaria José González). He estado escribiendo todo mayo sobre vos sin preguntártelo. He contado las palabras más frecuentes en tu opus, aquellas que rebrotan y rebotan. He llevado conmigo a otros dos amantes de tu guitarra, tu armónica y tu inescuchable voz. He puesto algunas letras de algunas canciones que serian insultadas por la traducción. Pero prometo que esta será la ultima (de mayo) ya tienes 65 años recién cumplidos, no te mereces que te hagan esto, mi “happy brithday” ha durado un mes y prometo que será la ultima (de mayo).

Alguien dijo que cuando uno pierde el camino siempre es mejor volver al principio, al hablar de Dylan me he perdido, como todos los que han intentado encontrarlo, y debo volver al principio de todo.

The Freewheelin (1963), es el principio de todo, si dios creo el universo en 7 días, Bob Dylan creo su mundo en su segundo disco, con su voz, su armónica y su guitarra... y esas canciones. Canciones que esos viejos jóvenes de los 70 necesitaban, como el cuerpo a la sangre, himnos para utilizarlos como incruenta arma de protesta. Ese lenguaje casi universal. Cuando la guerra de Vietnam aún no había finalizado, cantantes como Joan Baez o Pete Seeger removían la sensibilidad de norteamericanos al brindar temas y melodías que también servían en otras partes del mundo para expresar la rabia y la disconformidad juvenil contra situaciones de un mundo que evidentemente no gustaba. De aquel mismo momento y escenario quedó en la memoria un himno que lanzaba a los vientos preguntas incontestadas. Era un tema de Bob Dylan que tras una retahíla de interrogantes incómodos y un tanto desesperanzados repetía machaconamente: "la respuesta, amigo mío, está en el viento" (blowing in the wind). (Ramón Núñez Centella)

O como aquel Master of war donde su falta de hipocresía se preguntaba: ¿Qué se puede sentir por los que se enriquecen con las guerras? Y el mismo se contestaba: “Espero que tu muerte / llegue pronto / Entonces seguiré tu cortejo fúnebre / En el pálido atardecer / Veré cómo te bajan / A tu lecho mortuorio / Y me pararé ante tu tumba / Hasta que esté seguro de que estás muerto.” Nada de pacifismo melifluo o hipócrita de puro bienintencionado: la maldad estaba justificada.

Pero fue Blowin´ In The Wind la canción que permitió que Bob Dylan fuese incluido entre los grandes de la música norteamericana y posteriormente en la música del mundo. Entonces, antes de cantarla, solía hacer el siguiente comentario: “Creo que entre el gran número de criminales que existe, se pueden contar los que vuelven la cara cuando ven el mal y saben que es el mal. Yo no tengo más que veintiún años y sé que se han hecho ya demasiadas guerras; vosotros, los que tenéis más, lo deberíais saber mejor aún. Ahora la mejor forma de responder a las preguntas de la canción, es exponerlas.” Después, infinidad de cantantes la trataron de otras tantas formas diferentes, pero Blowin´ In The Wind ha sobrevivido y sobrevivirá por mucho tiempo porque “la respuesta, mi amigo, está en el viento. La respuesta está flotando en el viento”.

La portada de The Freewheelin es deliciosa. Aunque el disco sale el 27 de mayo de 1963, la foto pertenece a una sesión realizada en Nueva York tiempo atrás. Concretamente en una nevada West 4th Street del Greenwich Village y la chica es su novia Suze Rotolo. Para la fecha de lanzamiento del segundo álbum de Dylan, la relación ya está rota.

Cuántos caminos ha tenido que recorrer Bob Dylan antes de ser considerado uno de los artistas rock más importante de la historia...es difícil precisarlo, su vida ha estado rodeada por un halo de misterio, pero sus composiciones se han hecho inmortales tanto en sus interpretaciones como en las que otros artistas han hecho de ellas. Blowin´ In The Wind, no podía ser la excepción, 375 versiones de esta canción lo confirman, recuerdo que en mi infancia la cantábamos en los coros de la iglesia con letras diferentes “sabemos que vendrás, sabremos que estarás… partiendo a los pobres el pan”, aun recuerdo el coro. De las muchas versiones dos me parecieron espectaculares: una interpretada por Joan Baez que se la puede oír también en el Soundtrack de Forrest Gump y la otra la versión de The Hollies en su álbum “Hollies sing Dylan” (1968) usada también en el soundtrack de “Good Morning Vietnam”.

“...y cuando terminaron las lluvias, allí estaba él. Una mata de pelos acaracolados, un semblante machacado por años de caminar contracorriente, una guitarra llameante en bandolera. Y seguía cantando. Canciones de amor desesperado, tan terribles como el filo de una bayoneta. Diatribas abrasadoras contra un sistema que segrega injusticia como un producto natural. Profecías cargadas de rabia. Visiones rimadas de su torbellino interior, de ese lado oscuro que muchos intentan acallar. Andanadas vengativas contra las hienas que danzaban a su alrededor. Pero también cantaba otro tipo de sentimientos. Himnos de amor hechos con tierra húmeda en las botas. Elegías para las víctimas anónimas de la historia, cuyo destino nadie lloraba. Historias misteriosas de otros tiempos. Relatos de lejanas aventuras. La gente se paraba a escucharle y se sentía fortalecida, iluminada, feliz. Y la gente le llamaba trovador, poeta, juglar comediante maestro, amigo... ".

En Audio 1: Bob Dylan - Blowin´ In The Wind.

En Audio 2: The Hollies - Blowin’ In The Wind - Good morning Vietnam.

En Audio 3: Joan Baez - Blowin in the Wind (Live) - Forrest Gump The Soundtrack.

Bob Dylan: Blowin´ In The Wind - Soplando en el viento

¿Cuántos caminos debe un hombre andar
para que lo tengan por hombre?
¿Cuántos mares debe surcar una blanca paloma
para poder descansar en la arena?
¿Cuánto tiempo seguirán silbando las balas de cañón
antes de ser proscriptas para siempre?

La respuesta mi amigo, esta soplando en el viento.
La respuesta esta soplando en el viento.

¿Cuantas veces ha de mirar un hombre hacia arriba
para poder ver el cielo?
¿Cuántos oídos tiene que tener un hombre
para oír los lamentos del pueblo?
¿Cuántas muertes mas tendrá que haber
para que sepa que ha muerto demasiada gente?

¿Cuántos años puede existir una montaña
antes de ser arrastrada al mar?
¿Cuántos años puede vivir alguna gente
antes de que se les permita ser libres?
¿Cuántas veces puede un hombre volver la cabeza
pretendiendo ver lo que no ve?

La respuesta mi amigo, está soplando en el viento,
La respuesta está soplando en el viento.

"el hombre que soñaba con Bob Dylan esperaba el descanso del óxido, la paciencia del sicario, el pelo de las yeguas, el caldo de la noche en la taza de tus labios (esperaba porque los hombres de huesos quebradizos no pueden hacer otra cosa que esperar, esperaba porque el más tarde se había diluido en una sofocación de aguacero tropical)el hombre que soñaba con Bob Dylan suplicaba por un día sin la compresión roja de la angustia, sin telegramas de los muertos, sin pasadas ni futuras culpas (suplicaba porque las manos sucias deben ser lavadas, porque es imposible llegar hasta el origen del moho, suplicaba porque la compañía eléctrica alquila cables pelados) el hombre que soñaba con Bob Dylan predecía la inevitable muerte de Bob Dylan" (Bob Dylan, con las botas puestas -Vía-)

Otros Bob Dylan en este blog:
Bob Dylan, se busca.
Like a rolling stone - Como una piedra rodante.
All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya.
Knockin’ On Heaven’s Door - Golpeando las puertas del cielo (Por Candiaman).
Mr. Tambourine Man - Señor de la Pandereta (Por Javier Rodriguez).
Forever Young - Por siempre joven.

Bob Dylan: Forever Young – Por siempre joven

Bob Dylan: Forever Young – Por siempre joven

“Bob Dylan es un artista coherente siempre con su vida, que vuelca su experiencia vital en su obra, y que siempre tiene latente el anhelo de infinito que todo hombre posee.” (Pablo Velasco)

Después de grabar su "Pat Garrett & Billy the Kid" (1973) y después de pasar por muchos avatares en su vida familiar, Bob Dylan va plasmando todo ello en los discos de la época. Y así en el periodo del año 74 al 76, produce tres obras maestras: Planet Waves, Blood on the Tracks y Desire (este último el disco más vendido en España del artista norteamericano). Bob Dylan demuestra que a pesar de su carácter tímido en las entrevistas, abre su corazón en su obra. Son auténticos testamentos vitales.

En 1975 de mano con The Band, su grupo por antonomasia, saca el “Planet Waves”, grabado únicamente en dos sesiones, es la primera obra "oficial" de Bob Dylan con la Banda, a pesar de venir actuando juntos desde hace muchos años, en tantas ocasiones. No es extraño, pues, que la espontaneidad no se note, sino más bien que asistamos a una compenetración perfecta, sin perder por ello una libertad creadora.

Del Planet Waves surge la canción “forever young”. Primera versión, lenta y pausada. Un tema algo paternalista, que, sin embargo, contiene una esperanza y un deseo desprovisto de toda retórica: "Debes buscar la verdad, debes permanecer siempre joven". En la primera entrega, la canción está interpretada por una mandolina sugerente, un órgano melodioso, percusión punteante, armónica y piano. En la versión rápida, solamente órgano, batería y armónica tienen una intervención destacada.

"Planet Waves" contiene toda la historia de Bob Dylan, hay algo de todos sus discos anteriores en él. Parece que el ciclo se ha cumplido, ahora definitivamente. Sólo queda recomenzar, pero, desde luego, partiendo de las posiciones actuales, nunca de otras superadas. Musicalmente, "Planet Waves" no contiene avances espectaculares. No es la música pop "del momento". Hay solamente una perfecta utilización y puesta formal de un material sonoro ya conocido: country rock. Es un estilo llevado a su magistral culminación.

El 3 de noviembre de 1991, Neil Young conjuntamente con The Grateful Dead, en memoria de Bill Graham, hacen un espectacular cover de Forever Young en el Memorial Concert “Laughter, Love, and Music” (1991).

Forever young, un grito al mito de la eterna juventud en forma de oración.

En Audio 1: Bob Dylan – Forever Young.

En Audio 2: Neil Young & The Grateful Dead - Bill Graham Tribute - Forever Young.

Bob Dylan: Forever Young - Por siempre joven

Que Dios te bendiga y te proteja siempre
que tus deseos se hagan todos realidad
que hagas siempre por otros
y otros hagan por ti
que construyas tu escalera a las estrellas
y subas cada peldaño
que permanezcas por siempre joven,
por siempre joven, por siempre joven,
que permanezcas por siempre joven.

Que crezcas para ser virtuoso,
que crezcas para ser auténtico
que siempre conozcas la verdad
y veas la luz que te rodea.
Que seas siempre valiente
seas firme y fuerte,
que permanezcas por siempre joven,
por siempre joven, por siempre joven,
que permanezcas por siempre joven.

Que tus manos siempre estén ocupadas
que tus pies siempre sean veloces
y que tengas una fuerte base
para cuando el viento cambie de golpe
que tu corazón siempre esté alegre
que tu canción sea siempre cantada
que permanezcas por siempre joven,
por siempre joven, por siempre joven,
que permanezcas por siempre joven.

Bob Dylan: Mr. Tambourine Man – Señor de la Pandereta

Bob Dylan: Mr. Tambourine Man – Señor de la Pandereta

“Entre 1962 y 1965 Dylan revolucionó el lenguaje, constitución y candor en la composición de la canción popular americana. Pero fueron The Byrds quienes llevaron a Dylan al mundo, presentando su visión y verso a la Gran Nación Adolescente, deslumbrada por la Beatlemania.” (David Fricke)

Dentro la discografía Dylan el Bringing It All Back Home (1964) es uno de la trilogía indispensable para conocer los caminos que tuvo que caminar Dylan para consagrarse como un maestro de las letras y la música. Sus letras son mas profundas y llenas de significado, su música en transe de ser electrificado donde el rock’ n’ roll y el blues se integran al Folk. De este disco, un acústico tema Mr. Tambourine Man se descuelga para hacer, un año después, un cover histórico para la historia de los Byrds (1965). La versión de Byrds es otro tema. Irreconocible, grandiosamente versionada, para muchos seria difícil inclinarse por uno. Yo, amante de las cuerdas en estado natural, me inclino por la versión de Dylan.

Javier Rodríguez, conocedor de las artes Dylanianas nos hace una reseña sobre Mr. Tambourine Man, Dylan, el disco y el cover de los Byrds.

Bob Dylan: Mr. Tambourine Man

El año 1965. Bob Dylan, figura central de la escena folk y portavoz del movimiento contracultural americano comenzaba su proceso de “electrificación”,abandonando el reconocimiento que tenía en círculos musicales “indie” para transformar definitivamente y para siempre la cara del rock como se lo conoce hoy.

“Mr. Tambourine Man” es quizás el puente definitivo entre la sensibilidad campirana y la lírica dotada de una conciencia social del folk y las armonías vocales, las relamidas guitarreras y melodías propias del pop-rock. Escrita por Bob Dylan durante las sesiones que darían forma al disco “Another Side of Bob Dylan” (1964) no fue incluida en ese lanzamiento, que conservaba una tónica todavía pura y tradicionalmente folk en su concepto.

Desechada en su versión preliminar, llegó a manos de The Byrds por medio de su productor. Sería Roger McGuinn, líder de la banda, quién transformaría diametralmente el tema “duplicando” su tempo (de 2/4 a 4/4) y extractando el más compacto verso del prolongado tema, a lo que le sumaría el hoy mítico sonido de su Rickenbacker 12, acompañado por una armonía a cuatro voces en el estribillo (deudora de The Beatles y por medio de estos a The Everly Brothers) para desatar así la aparición del folk-rock y con esto espolear nuevamente a Dylan hacia el rock “eléctrico”.

Finalmente Bob Dylan incluyó una versión “mixta” del tema en su disco “Bringing It All Back Home” (1965). Obra seminal del Dylan eléctrico, considerada como el primer álbum de folk rock, es sin duda esencial para el alumbramiento de esta nueva era del rock. Un disco trancisional suficientemente fino para ser considerado uno de los mejores de la historia.

“Mr. Tambourine Man” aparece en este disco casi como una canción completamente acústica, en la que la conducción de Dylan (a cuerdas de guitarra acústica y a soplo de armónica) es acompañada por una sutil tonada de guitarra eléctrica sosteniendo el “fondo” musical. Sin embargo lo que más destaca del tema es el trabajo lírico, impresionante por cuanto nos presenta a Bob disfrazado de Rimbaud, construyendo con su poética, tributaria tanto de los maestros franceses como de sus amigos beatinks, el imaginario posteriormente adoptado por el movimiento “psicodélico”. Pero el “viaje” que describe aquí Dylan (¿inspirado en un ‘trip’ de LSD?) se presenta como un relato onírico, sin embargo profundamente terráqueo, lejano de los devaneos orientales o la pretensión afectada de otras vertientes, que explotaron igualmente el surrealismo. Y es que Dylan fusiona perfectamente la “cadena de imágenes” de la prosa de Allen Gynsberg con un trabajo léxico-poético de gran cercanía a Guillaume Apollinaire; formando una canción inescrutable en su poliforme significante.

Probablemente la principal aportación de Dylan a través de este tema de melodía simple pero sólida (casi retórica en su minimalismo) sea precisamente a nivel de sus textos y su riqueza compositiva. Paradójicamente The Byrds lograron colocar su cover rockero del tema, incluido en su disco “Mr. Tambourine Man” del mismo año, por encima de la también rabiosamente eléctrica “Subterranean Homesick Blues”, salida del “Bringing it All Back Home”.

Una nota curiosa, el gran Hunter S. Thompson pidió expresamente que se tocara la versión dylaniana de este tema en el preciso instante en que un colosal cañón con forma del “puño gonzo” disparaba sus cenizas al éter, en su funeral-despedida realizado apenas el año pasado.

Pero regresemos a 1965, año mágico para la historia del rock. Bob Dylan, de la mano de The Byrds (todavía considerados por muchos como los mejores intérpretes del “Gran Bardo”), comienza su periplo folk – rocker con rostro de bohemio, con la lengua de Woody Guthrie, trascendiendo en lírica ese aire de “poeta maldito” y armado de una guitarra eléctrica que amenazaba con rivalizar con cualquier otro rocker purista. Su influencia sería indistinguible y transcendental en el futuro del rock (llegando a trabar una relación de mutua incidencia con otras leyendas como The Beatles y extendiendo su sombra hasta nuestros días) puesto que empezaba a nacer el grandioso icono, hoy más grande que la persona que ostenta ese nombre, que conocemos como Bob Dylan. Será en el disco siguiente, al que le abre la puerta “Mr. Tambourine Man”, que Dylan terminará de cimentar su mito.

Y en que en ese momento de su carrera Bob podría haber dicho en la voz de su admirado Rimbaud “He creado todas las fiestas, todos los triunfos, todos los dramas. He tratado de inventar nuevas flores, nuevos astros, nuevas carnes, nuevos idiomas. (…) Soy restituido a la tierra, con un deber que hay que buscar, y una rugosa realidad que hay que estrechar.” Precepto que seguiría hasta su consumación extrema en su siguiente y definitiva obra maestra: “Like a Rolling Stone”.

En Audio 1: Bob Dylan – Mr. Tambourine Man.

En Audio 2: The Byrds - Mr. Tambourine Man.

Bob Dylan: Mr. Tambourine Man – Señor Panderetero

Eh, Señor Panderetero,
toca una canción para mí,
no tengo sueño
y no hay lugar al que este yendo.
Eh, Señor Panderetero,
toca un canción para mí,
en la mañana tintineante
Yo te seguiré.

Aunque sé que el imperio nocturnal
se ha hecho arena
Esfumada de mi mano
Me ha dejado a ciegas aquí parado
pero todavía no durmiendo
Mi fatiga me sorprende
estoy atascado de pie,
No tengo a nadie que encontrar
y la antigua calle vacía está
demasiado muerta para soñar

Eh, Señor Panderetero,
toca una canción para mí,
no tengo sueño
y no hay lugar al que este yendo.
Eh, Señor Panderetero,
toca un canción para mí,
en la mañana tintineante
Yo te seguiré.

Llévame de viaje
sobre tu cimbreante nave mágica
mis sentidos han sido despojados
mis manos no pueden sentir el apretón,
Mis pulgares demasiado entumecidos
para andar
sólo esperan a los tacones de mios botas
para andar errantes.
Estoy listo para ir a cualquier lugar
estoy listo para desaparecer
en mi propio desfile,
lánzame a mi paso tu hechizo danzante
prometo que a el me someteré.

Aunque puede que escuches reir,
girando, batiéndose dementes
hacia el sol
no se dirige a nadie,
está solamente escapando en la huida
y salvo por el cielo
no hay barreras delante.
Y si oyes vagos vestigios
de saltarines tornos de rima
al ritmo de tu pandereta
es sólo un payaso andrajoso que te sigue
yo no le haría prestaría ninguna atención
es sólo una sombra lo que ves tu
que él persigue.

Eh, Señor Panderetero,
toca una canción para mí,
no tengo sueño
y no hay lugar al que este yendo.
Eh, Señor Panderetero,
toca un canción para mí,
en la mañana tintineante
Yo te seguiré.

Llévame luego desapareciendo
a través de los anillos de humo de mi mente
Hasta las brumosas ruinas del tiempo
más allá de las hojas heladas
de los hechizados árboles asustados
hasta la playa ventosa
lejos del retorcido alcance
de la loca tristeza.
Sí, a bailar
bajo un cielo de diamantes
con una mano ondulando libre,
Abocetado por el mar,
cercado por las arenas del circo,
Con todo recuerdo y destino
profundamente hundido bajo las olas
Déjame olvidar el hoy
hasta mañana.

Eh, Señor Panderetero,
toca una canción para mí,
no tengo sueño
y no hay lugar al que este yendo.
Eh, Señor Panderetero,
toca un canción para mí,
en la mañana tintineante
Yo te seguiré.

Gracias a Javier Rodriguez por la estupenda reseña, he obviado algunos párrafos, espero sea perdonable. Pocas, muy pocas, veces he presentado artículos extensos casi ninguno en este idioma de Cervantes, pero la reseña, el tema y Dylan valían la pena.

También pueden leer a Javier Rodríguez en sus blogs: Diario de un Demente Frustrado & Diseccionando a la Musa Perdida.

Otros Dylan:
Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante.
Bob Dylan: All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya.
Bob Dylan: Knockin’ On Heaven’s Door - Golpeando las puertas del cielo.

Bob Dylan: Knockin' On Heaven's Door

Bob Dylan: Knockin' On Heaven's Door

Gracias a Sergio Candia (CandiaMan®) por aceptar la invitación para reseñar una canción de Bob Dylan.

Corre el año de 1973, con el son 3 años en los que Bob Dylan mantuvo un bajo perfil, finalmente disuelto por una accidental invitación para componer la banda sonora para la película "Pat Garrett & Billy the Kid" del director Sam Peckinpah.

En principio la participación de Dylan no fue muy convincente, luego de algunas demostraciones ante productores y director, quedo confirmada una sabia elección, "quien es ese muchacho, denle un contrato" fue la frase decisiva por parte de la producción para dar luz verde a la participación de Dylan, quien ya venia construyendo en la cabeza una melodía que bautizó "Billy".

Dylan, bastante inexperto en el campo de las bandas sonoras pretendía configurar toda la extensión del film y su participación con "Billy" y sus variaciones, la producción le recomendó añadir más canciones para alternar y romper la monotonía de una sola melodía, es así que en esas sesiones nace "Knockin’ On Heaven’s Door" inicialmente un tema de apoyo, que luego se convirtió en el gancho e incluso en el motivo para adquirir el álbum.

Un tema evocativo y a veces lleno de alusiones incomprensibles, que ven resolución al comprender que se trata de la canción precisa para un pistolero herido de muerte, quien comprende que el mundo material no le sirve de nada mientras se aproxima a las puertas del cielo. La sencillez de su elaboración y musicalización ayudan a transmitir esta idea, este concepto y este momento.

Septiembre de 1991, los Guns´n Roses lanzan sus espectados Use Your Illusion I & II, e incluyen en el segundo tomo una versión de "Knockin’ On Heaven’s Door", inmediatamente abrazada como canción himno del año por la fanaticada. Fue descalificada en sendas críticas publicadas en distintos medios impresos, fundamentalmente por carecer de la sensibilidad y simpleza original, por la extensión innecesaria (casi 5 minutos frente a 2 y medio) y por tender a configurar un himno estilo Gospel sobre una canción que no apuntaba en esa dirección.

Adornada con fantásticos arreglos y solos de un, siempre creativo, Slash, Knockin’ On Heaven´s Door, parece un tema inapropiado para la estruendosa voz de Axl Rose, evidentemente es un buen tema de rock al estilo Guns pero para quienes ya conocían la versión original, coincidirán en pensar que el cover Guns no llega ni a los talones de la versión Dylan.

En Audio 1: Bob Dylan and Tom Petty - Knockin’ On Heaven’s Door (Versión vivo)

En Audio 2: Guns N’ Roses - Knockin’ on heaven’s door.

Bob Dylan: Knockin’ On Heaven’s Door - Golpeando las puertas del cielo

Madre, llévate esta insignia de mi
ya no puedo usarla más.
Está oscureciendo y no logro ver nada.
Me siento como si estuviera llamando a las puertas del cielo.

Golpeando las puertas del cielo
Golpeando las puertas del cielo
Golpeando las puertas del cielo
Golpeando las puertas del cielo

Madre, pon mis armas en el suelo
No puedo dispararlas nunca más
Se acerca esa fría nube oscura
Se siente como que estoy golpeando las puertas del cielo

"Más vale que empieces a despreciar tu propia
sumisión enfermiza, porque estás solo
Solo contra tu andrajoso libido herida, el banco
y el enterrador, para siempre, y no sería una suerte
si pudieras escapar vivo de tu propia vida"

Golpeando las puertas del cielo.

Gracias a CandiaMan®, alias Sergio Candia, por aceptar la invitación para reseñar una canción de Bob Dylan. También pueden visitar sus blogs y leer sus opiniones y reseñas: CandiaMan® en RockAndBol, Think n Music & Bandas en Vivo.

Otros Dylan:
Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante.
Bob Dylan: All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya.

Bob Dylan: All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya

Bob Dylan: All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya

“Nada de folkie o poeta. Es la gran bestia del rock and roll” (Chuck Berry).

A finales de 1967 ya consolidado con su mezcla de Folk & Rock, Bob Dylan saca su octavo disco, curiosamente inclinado mas al Folk –como buscando en las raíces- denominado “John Wesley Harding” (1967), de sus 13 canciones 9 son exitosas, desde controversial The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest ("…no vayas confundiendo el Paraíso con una casa -de putas, por supuesto- que hay al final de la carretera…), la cruda Pity the Poor Immigrant o la elegida de hoy All Along the Watchtower, un tema que es una obvia la denuncia a la sociedad.

Los niveles que maneja Dylan en su disco son diversos, alucinantemente diversos, toda una obra maestra de la literatura de intriga en su versión más rural es este "John Wesley Harding" (forajido de leyenda inventado por el propio Dylan, un Robin Hood a la americana).

All Along the Watchtower, la obra magistral de Dylan, paso a la historia de la mano, la guitarra, los punteos y riffs de Jimi Hendrix que en 1968 saca una versión modificada en su álbum “Electric Ladyland” (1968). Hendrix dijo que "sentía que ’Watchover’ era algo que yo mismo había escrito pero a lo que nunca pude dar forma" (...) "Siempre me sentí de esa manera con Dylan. No podría escribir las palabras que él escribe, pero me ha ayudado a escribir, porque tengo mil canciones que nunca serán terminadas. Me siento un rato y escribo dos o tres palabras. Ahora tengo más confianza en mi mismo como para poder terminar una”. Es por eso quizás que All along the watchtower es una de las mejores canciones de The Jimi Hendrix Experience. El resultado es superior a la original en intensidad y ritmo, convirtiéndose en una de las mejores canciones de la historia del rock.

Y si para algunos Like a Rolling Stone, de Dylan, es la mejor canción de todos los tiempos, All along the watchtower, versionada por Hendrix, es considerado como el mejor cover de la historia del rock.

El dilema nuevamente puesto a vuestra consideración, ¿Bob Dylan o Jimi Hendrix? Opinión mia, la guitarra y la interpretación de Hendrix hace olvidar por un momento la guitarra y la armónica de Dylan. 2 cosas que destacar, el alucinante inicio de Dylan a pura guitarra y armónica. En la versión de Hendrix, el punteo final.

En audio 1: Bob Dylan – All Along the Watchtower.

En audio 2: The Jimi Hendrix Experience – All Along the Watchtower.

Bob Dylan: All Along the Watchtower - A lo largo de la atalaya

"Tiene que haber una salida"
dijo el bufón al ladrón
"hay demasiada confusión
no encuentro respiro,
los hombres de negocio se beben mi vino,
los campesinos trabajan mi tierra,
pero ninguno de ellos
conoce el valor de esas cosas".

"No hay razón para excitarse"
dijo amablemente el ladrón
"muchos de entre nosotros
piensan que la vida es sólo una broma,
pero tú y yo ya hemos pasado por eso
y ése no es nuestro destino,
así que ahora dejémonos de falsedades,
se está haciendo tarde".

A lo largo de la atalaya
los príncipes vigilaban el paisaje
mientras todas las mujeres iban y venían
y también sirvientes, descalzos.
A lo lejos un gato montés gruñó
dos jinetes se acercaban,
el viento empezó a aullar.

Otros Dylan:
Bod Dylan, se busca.
Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante.

Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante

Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante

“En la música, Frank Sinatra puso la voz, Elvis Presley puso el cuerpo... Bob Dylan puso el cerebro” (Bruce Springsteen).

Después de un cambio traumático, de pasar de profeta del Folk a ser un traidor y encontrar en la música electrónica y el rock sus nuevas latitudes, Bob Dylan sacaba una obra clave mas, la segunda de una trilogía necesaria en toda discografía personal, Higway 61 Revisited (1965) álbum que está considerado hoy en día uno de los mejores discos de Dylan.

Like a Rolling Stone single arrebatador y demoledor, una metáfora alucinante de un “Ulises sometido a su Odisea expedicionaria” (la perfecta canción para catapultarlo en las listas comerciales y que figura en la primera posición de la lista de las mejores canciones de todos los tiempos confeccionada por la revista musical Rolling Stone) es solo una muestra de la capacidad y la prolijidad de Bob Dylan, tema que después seria versionada por los Rolling Stones.

Es cuando se tropieza con el dilema Bob Dylan o Rolling Stones ¿Cuál suena mejor?, personalmente me quedo con Bob Dylan.

En audio 1: Bob Dylan – Like a rolling stone.

En audio 2: The Rolling Stones – Like a rolling stone (Version en vivo).

Bob Dylan: Like a rolling stone – Como una piedra rodante

Hubo un tiempo en que vestías tan bien,
lanzabas una moneda a los vagabundos
desde tu pedestal, ¿no?
La gente te avisaba,
“Cuidado nena, te vas a caer”
Pensabas que todos bromeaban.
Te acostumbraste a reírte de
todos los que estaban hundidos,
ahora ya no hablas tan alto,
ahora ya no pareces tan orgullosa
de tener que gorronear
tu próxima comida.

¿Qué se siente,
qué se siente,
al estar sin un hogar
como una completa desconocida
como una piedra rodante?.

Has ido al mejor colegio, muy bien,
Señorita Solitaria
pero sabes que sólo lo usaste
para aprovecharte
nunca nadie te enseñó
cómo vivir en la calle
y ahora te das cuenta
que vas a tener que acostumbraste.
Decías que nunca te comprometerías
con el misterioso vagabundo,
pero ahora te das cuenta
de que no vende ninguna coartada
mientras miras fijamente en el vacío de sus ojos
y le dices, ¿quieres hacer un trato?.

¿Qué se siente,
qué se siente,
al estar contigo misma
al estar sin un hogar
como una completa desconocida
como una piedra rodante?.

Nunca te volviste para ver
los ceños fruncidos de los malabaristas
y los payasos
que hacían sus trucos para ti,
nunca comprendiste que eso no estaba bien,
Permitiste que otras personas
se divirtieran por tí.
Solías cabalgar sobre el caballo cromado
con tu diplomático,
que llevaba en su hombro un gato siamés.
¿No fue duro cuando descubriste
que desapareció después
de robarte todo lo que pudo?.

¿Qué se siente,
qué se siente,
al estar contigo misma,
al estar sin un hogar
como una completa desconocida
como una piedra rodante?.

La princesa en la torre
y toda la gente guapa
bebiendo, pensando que han triunfado,
todos cambiando preciosos regalos
pero será mejor que te quites tu anillo,
será mejor que lo empeñes, nena.
Tú que solías divertirte tanto
con el haraposo Napoleón
y con el lenguaje que usaba,
vete con él ahora que te llama,
no puedes negarte,
cuando no tienes nada,
no tienes nada que perder,
ahora eres invisible,
no tienes secretos que guardar.

¿Qué se siente,
qué se siente,
al estar contigo misma
al estar sin un hogar
como una completa desconocida
como una piedra rodante?.

En Video: Jimi Hendrix - Like a rolling stone (Version en vivo en el concierto de Monterrey, una sugerencia de CandiaMan®)

Lea tambien: Bob Dylan, Se busca.

James Blunt: You're Beautiful - Eres Hermosa

James Blunt: You're Beautiful - Eres Hermosa

Pocos artistas han logrado tanto con tan poco, el ejemplo mas claro es James Blunt que con una canción (You’re Beautiful) ha logrado mas que cualquier otro.

Back to bedlam, su álbum de debut, ha superado con creces el millón de copias vendidas. El británico de 28 años se ha colado en el star system del pop mundial, en el Reino Unido consiguió 8 discos de platino (desbancando nada menos que a Coldplay del número uno de las listas de ventas), en Australia 3, en Nueva Zelanda 1 y 40.000 copias y la lista sigue. Fue el octavo disco más vendido en el año 2005, con aproximadamente 4.400.000 copias vendidas por todo el mundo, en la ultima entrega de los premios anuales de la música del Reino Unido (Brits) James Blunt fue escogido como el mejor acto de música pop y mejor cantante masculino británico y para sorpresa de muchos en una encuesta radial de la Virgin Radio a 7.000 oyentes sobre la canción favorita de los británicos el single “You’re Beautiful” se ha colado entre los 10 mejores junto con entidades como John Lennon, The Beatles, U2, Queen, Led Zeppelín y The Police entre otros. Muchos números para un simple novato desconocido. Un detalle biográfico, James Blunt estuvo destinado como capitán del Ejército británico en pleno conflicto de Bosnia.

Buscando formulas mágicas para hacer platino de la nada, solo se puede oír una respetable mezcla de jazz, rock y soul, mezcla apoyada de una prodigiosa voz baladera y con un sonido setentero.

You’re Beautiful, tercer single de su álbum debut, un poema al suicidio por un amor no correspondido, poema acompañado de un par de guitarras, piano, batería y voz que hacen un juego interesante, fácil y limpio. Canción simple y bonita, de las que no escuchaba hace tiempo.

En Audio:James Blunt: You’re Beautiful.

James Blunt: You’re Beautiful - Eres Hermosa

Mi vida es brillante.
Mi vida es brillante.
Mi amor es puro.
He visto un ángel,
Oh, estoy seguro,
me sonrió en el metro,
estaba con otro hombre
pero no perderé sueño por ello
pues tengo un plan.

Eres hermosa. Eres hermosa.
Eres hermosa, sí, es cierto.
Vi tu rostro entre la muchedumbre,
y no sé qué hacer
pues nunca estaré contigo.

Sí, mi ojo quedó cautivo
mientras se marchaba.
Podía verme en la cara que yo estaba
volando alto,
y no creo que la pueda ver de nuevo,
pero compartimos un momento que será eterno.

Eres hermosa. Eres hermosa.
Eres hermosa, sí, es cierto.
Vi tu rostro entre la muchedumbre,
y no sé qué hacer
pues nunca estaré contigo.

Eres hermosa. Eres hermosa.
Eres hermosa, sí, es cierto.
Seguramente un ángel sonreía en su rostro,
al pensar que yo debiera estar contigo.
Pero es hora de encarar la verdad,
nunca estaré contigo.

The Rolling Stones: (I Can't Get No) Satisfaction – Satisfacción

The Rolling Stones: (I Can't Get No) Satisfaction – Satisfacción

Un año antes de que saliera su Aftermath (1966) con su desgarradora Paint it black (Pintalo de negro), The Rolling Stones se encargaban de crear su canción mas representativa, un estandarte llamado Satisfaction.

Con un par de años a las espaldas ya demostraban que la banda no era un antojo juvenil, en 1965 ya era una época prolífica para Keith Richards, Mick Jagger, Brian Jones, William Wyman y Charles Robert Watts, todos aportaban para crear el sonido Stone y crear a un verdadero monstruo del rock, una institución que ha concedido a la historia del rock momentos de gloria en forma de vinilo y sobre los escenarios.

(No puedo conseguir ninguna) Satisfacción, un tema inmortal. El plus necesario para forrar el nombre The Rolling Stones con letras de platino. Una letra de protesta que narra la insatisfacción juvenil ante la televisión basura y la radio amarillista, la mención sexual no queda fuera del marco, en si es una mini bitácora de un adolescente rockero.

(I Can’t Get No) Satisfaction fue para The Rolling Stones, lo que Hey Jude fue para The Beatles o lo que Light my fire significo para The Doors, un himno, un estandarte, una obra de arte.

En Audio: The Rolling Stones: (I Can’t Get No) Satisfaction.

The Rolling Stones: (I Can’t Get No) Satisfaction – (No puedo conseguir ninguna) Satisfacción

No puedo conseguir ninguna satisfacción,
no puedo conseguir ninguna satisfacción.
Y lo he intentado e intentado e intentado e intentado
No lo puedo conseguir, no lo puedo conseguir.

Cuando conduzco en mi coche
Y ese hombre de la radio llega
Y me suelta más y más
Información inútil
Que supuestamente dispara mi imaginación.
No lo puedo conseguir, oh no, no, no.
Hey, hey, hey, eso es lo que digo.

No puedo conseguir ninguna satisfacción,
no puedo conseguir ninguna satisfacción.
Y lo he intentado e intentado e intentado e intentado
No lo puedo conseguir, no lo puedo conseguir.

Cuando estoy viendo la tele
Y llega ese hombre contándome
Lo blancas que pueden quedar mis camisas.
Pues no puede ser un hombre, porque no fuma
Mis mismos cigarrillos.
No lo puedo conseguir, oh no, no, no.
Hey, hey, hey, eso es lo que digo.

No puedo conseguir ninguna satisfacción,
no puedo conseguir ninguna chica en acción.
Y lo he intentado e intentado e intentado e intentado
No lo puedo conseguir, no lo puedo conseguir.

Cuando viajo alrededor del mundo
Y hago esto y firmo aquello
E intento conseguir alguna chica
Que me dice, chico, mejor que vuelvas la próxima semana
Porque, como ves, atravieso una mala racha
No lo puedo conseguir, oh no, no, no.
Hey, hey, hey, eso es lo que digo.

No lo puedo conseguir, no lo puedo conseguir,
No puedo conseguir ninguna satisfacción.
Ninguna satisfacción, ninguna satisfacción, ninguna satisfacción.

(I Can’t Get No) Satisfaction, salido en el disco Out of our heads (1965) y en la mayoría, por no decir todos, de sus recopilatorios.

The Doors: The End – El Final

The Doors: The End – El Final

"Si se purificaran las puertas de la percepción, todas las cosas resultarían infinitas para el hombre..." (William Blake).

Jim Morrison, líder de la banda The Doors, era el gran poeta maldito del rock, que buscaba desde la premisa de Nietzche sobre el nacimiento de la tragedia a partir del espíritu de la música, entregarle al rock una categoría ritual que se enfrentara a la historia para competir con todas las estructuras morales ya establecidas, en la cual no importara asesinar al padre (...) como proclamaba en un poema de 11 minutos de duración titulado “The End” que incluyo en el primer larga duración del grupo y que también se puede oír en su Box Set de colección en 18 minutos de sonidos acústicos delirantes y esa voz sublevada limítrofe entre lo sensual y lo malévolo, lo extraño y lo alucinante.(Un poema de Jim Morrison)

El apocalíptico tema “The End”, en su álbum debut homónimo de 1967, causo polémica en sus primeras presentaciones, por ser idóneo para desarrollar la capacidad dramática y sensual que Morrison ponía en escena —la letra narra, en una atmósfera delirante, por qué un niño quiere asesinar a sus padres—, les catapulta a la fama y atrapa el malestar de miles de adolescentes que afrontan en un tono trágico y definitivo un clima de lucha generacional, en contraste con las tediosas reediciones de la vida desenfadada y “genuinamente americana” que numerosos y fugaces grupos estadounidenses pretenden relanzar a través de su música.

En audio: The Doors - The End (Box Set en vivo).

The Doors: The End - El final

Este es fin
Hermoso amigo
Este es el fin
Mi único amigo el fin

De nuestros elaborados planes, el fin
De todo lo que permanece, el fin
Sin seguridad o sorpresa, el fin
Nunca miraré en tus ojos……..otra vez

¿Puedes proyectar lo que será
tan ilimitado y libre
Necesitando desesperadamente de una
mano extraña
En una tierra desesperada?

Perdidos en un desierto romano de dolor
Y todos los niños son insanos
Esperando por la lluvia veraniega, si

Hay peligro en las afueras del pueblo
Recorre la autopista del rey, nena
Extrañas escenas dentro de la mina de oro
Recorre la autopista hacia el oeste, nena

Monta la serpiente
Hacia el lago, el lago anciano, nena
La serpiente es larga, siete millas
Monta la serpiente……..es vieja, y su piel es fría

El oeste es mejor
El oeste es mejor
Ven aquí y nosotros haremos el resto

El autobús azul esta llamándonos
El autobús azul esta llamándonos
Conductor, ¿a donde nos lleva?

El asesino despertó antes de que amaneciera
Se puso las botas

Tomó un rostro de la antigua galería
Y avanzo por el pasillo
Fue al cuarto
donde vivía su hermana
Y…….entonces él

Visitó a su hermano, y entonces él
Avanzó por el pasillo
Y llegó hasta una puerta…….y miró adentro
Padre, ¿si hijo?, quiero matarte
Madre…..quiero….cogerte

Vamos nena, date una oportunidad con nosotros
Y encuéntrame detrás del autobús
Haciendo una piedra azul

Matar, matar, matar, matar, matar, matar

Este es el fin.

Otras puertas:
Un poema de Jim Douglas Morrison.
The Doors: Light my fire – Enciende mi fuego.