rocko weblog

Si el año pasado las celebraciones de este blog eran poco mas de una queja sobre los pocos artículos escritos, los problemas con blogia y los más inconvenientes que no me dejaban escribir. Este año me he dado cuenta que soy muy humano y por consecuencia mis problemas son mas humanos y complicados de los imaginados.

Pero aun así escribimos, siquiera mensualmente para no dejar desierto este blog, que aunque es algo muy superficial no vaya desapareciendo como muchas cosas que se me van quedando atrás, además de haberme dado satisfacciones y gente con la que he podido compartir similares gustos y opiniones y la otra la que simplemente ha alentado, con sus criticas, mis ganas de plasmar poligrafías en el blog.

Han llegado los fabulosos cuatro años de este blog, con la alegría particular de que 1077015 seres, entre humanos, extra planetarios, animales inteligentes, robots experimentales y buscadores extraviados nos han visitado.

Con resaca de un diciembre en total abstinencia, una fiesta de miniaturas con grandes anhelos y unos carnavales donde lo menos que hice fue rendirle culto a la carne; volvemos después de unas semanas con pierna de yeso de escasas de firmas y una tortuosa medicación fruto de disputas futboleras que harían revolcarse de dolor al mismo Maradona.

El hombre para despertar lo mejor que lleva dentro necesita de otros hombres que le despierten lo que puede llegar a ser. ¿No necesitan acaso los leños de un fósforo? En el pasado se llamaba a estos parteros de individualidades recios modelos de vida. Yo prefiero llamarlos hombres luz: individuos que con su palabra y su ejemplo nos exigen sobrepasar nuestras inercias y mediocridades. Al ser más que nosotros nos empujan a ser mejores.

Así como toda cerilla requiere de una superficie adecuada para encenderse, el hombre requiere de hombres más grandes que él para echar lumbre. Lastimosamente, hoy vivimos el eclipse de los grandes hombres. Tal vez se deba a que hemos cambiado por cuarenta monedas de plata la literatura por la televisión y el (mal) cine. Desde ese momento gris, nuestras cabezas se han introducido en cavernas sombrías, porque nos ocultan entre mil sombras vanas aquél que podemos ser.

Por decirlo claro y rápido. Los modelos de hoy, Superman, Batman, Rambo, Spiderman… desplazaron a los de ayer, Jesucristo, Buda, San Francisco de Asís, Tolstoi, Goethe, Leonardo da Vinci, Sor Juana Inés de la Cruz, Franz Tamayo, Adela Zamudio... Por tanto, ¿qué hombres habremos de cosechar? La respuesta no se deja esperar: seres mediocres y sin verdadero calado interior. Hombres que son la sombra de quienes pudieron ser si se hubieran fijado detenidamente en algo más elevado.

Ideales medianos, hombres medios. Esta es la situación existencial que se presenta ya avanzado el siglo. Vemos mudar los hombres águila que nos llevaban por las alturas y vemos surgir los hombres escarabajo que nos precipitan a la mediocridad. Desoladora constatación: la sociedad se ha convertido en una gigantesca fábrica de enanos. Y si lo son, es porque no aspiran a ser más. No hay mayor desgracia que un hombre contento consigo mismo: se resignó ser algo más grande.

“Toda vida verdadera es encuentro”, dijo Martín Buber. El hombre es una caña y un anzuelo, depende de qué tan lejos tire la caña, para lo que vaya a pescar y con lo que habrá de alimentarse. Hoy, hemos dejado la caña en la cesta de basura y pusimos nuestros ojos, con indolencia y sin lucidez, en la televisión. No cabe duda de que no hemos llegado a ser ni mejor ni peor que la “quinta pared” de los hogares modernos: nuestro más íntimo espejo.

Los hombres luz, mientras tanto, descendieron a sus tumbas, encontrando en el silencio mejor compañía que la nuestra. Están a nuestra espera, nos ofrecen trocar el kitsch en que hemos convertido nuestras vidas en una renaciente epopeya. ¿Pueden oír aún nuestros oídos? ¿Queda todavía un resto de espíritu en nosotros para escalar nuevas cumbres? ¿Hay auroras que esperan dormidas a renacer?

Es imperativo traer desde los mausoleos de la historia y rescatar desde la plataforma del presente la figura de grandes mujeres y hombres, no por su estatura física ni por sus ambiciones de poder; sino porque siendo iguales a nosotros son mejores que nosotros. Aquellos que se cruzaron por nuestros caminos y que en nuestra ceguera no alcanzamos a ver.

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La Ciudad de los anillos - Santa Cruz, Bolivia (Google Maps).

La ciudad de Santa Cruz se expande como una onda lo hace cuando una piedra es tirada al agua, la onda es desigual y se expande en un manto verde que se va perdiendo según los círculos “amorfos” se dispersan y toman como color predominante el marrón y el plomo, del progreso y la modernidad.

La disposición de la ciudad me encanta, es quizás una de las pocas en el mundo o quizás la única que se base en círculos concéntricos que hasta poéticamente los denominamos anillos. Vista desde el cielo la mancha urbana de Santa Cruz se presta para grandes ficciones, desde cofradías secretas que se mueven en los subterráneos de un primer anillo; hasta moverse en el terreno del mito por sus características únicas que hacen imaginar que la ciudad le debe aquella posición a una estratégica posición en el universo, donde seres extraterrenales la tienen como punto referencial.

Desde el cielo la ciudad de Santa Cruz es tan irreal que me encanta y me alucina hasta tener que escribirle relatos inconclusos, tan disímil a la Santa Cruz del suelo que en su geografía monótona me aburre y me empalaga y solo encuentro en su primer anillo un soplo de historia e imaginaria que me llena de una linda envidia.

Abdón Porte defendió la camiseta del club uruguayo Nacional durante más de doscientos partidos, a lo largo de cuatro años, siempre aplaudido, a veces ovacionado, hasta que se le acabo la buena estrella.

Entonces lo sacaron del equipo titular. Esperó, pidió volver, volvió. Pero no había caso, la mala racha seguía, la gente lo silbaba: en la defensa, se le escapaban hasta las tortugas; en el ataque, no embocaba una.

Al fin del verano de 1918, en el estadio del club Nacional, Abdón Porte se mató. Se pegó un balazo a medianoche, en el centro de la cancha donde había sido querido. Estaban todas las luces apagadas. Nadie escucho el disparo.

Lo encontraron al amanecer. En una mano tenía el revólver y en la otra una carta.

La tragedia poética quedo plasmada en algún libro olvidado que recuerda anécdotas futbolísticas, el mismo que desde hace un tiempo se hace espacio entre sus párrafos para el Camerunés Marc Vivien Foe que cayo, como fulminado por un rayo, en Junio del 2003 en plena semifinal de la Copa Confederaciones en Lyon, todo eso mientras nuestros incrédulos ojos veían en vivo y en directo aquella tragedia. Tiempo después cayeron desplomados en plena cancha el húngaro Miklos Feher, a principios de 2004; y del brasileño Serginho a fines del mismo año.

Aquellas imágenes trágicas parecían habérsenos olvidado cuando volvimos a ver como el español Antonio Puerta se desvanecía en nuestras pantallas hace algunos días. Y desde la reciente de muerte de Puerta, otros 3 futbolistas han muerto en pleno campo de juego, quizás fruto de dolorosas coincidencias pero que no dejan de marcar el alma de un hincha del fútbol que ve con impotencia como aquellos genios simplemente humanos dejan de ser.

El poeta dirá que murieron en su ley, en un campo de juego. En el césped y entre las tribunas que tantas alegrías les dieron y donde tanta magia crearon, pero aun así no se puedo dejar de sentir una tristeza infinita…

Aun mojado, cuando la luz le azoto el rostro, el niño pensó:

-Hoy nació la melancolía al golpe hondo de los tambores de otoño. La piel de adentro descansa ya. Quizá lloro demasiado junto a mí. No es la primavera de mi vida y como no hay mar, las naves no surcan por mi sangre, No, ya no habrá el tranquilo cuarto oscuro donde descansar mi amor.

Hoy la muerte, brava y tierna, partera de la vida, me ha sellado las puertas. El tabaco era sano, ella fumaba. Hoy es ajeno el aire que respiro sin manguera. Hoy es el fin de las pulsaciones en mis tripitas. Como una rosa seca de regalo, me han entregado a la insoportable claridad. Se acabo.

Hoy ha ganado la vida, que es una gran casa deshabitada.

El niño cerró los ojos y murió sin miedo.

El medico dijo:

-Apenas lo sacamos del útero empezó a llorar, incluso antes de que le hubiera dado la palmada. Un llanto desgarrador, como si algo le doliera en el alma. Luego callo y nos miro a todos, incluyendo a su madre, fijamente y por mucho rato. Murió en silencio. Pobre madre, esta desconsolada.

Ir desde la cama al living, con un plato de tallarines bien servido sobre la diestra. Dejar, como al descuido, que uno de estos caiga lentamente, sin desprenderse del plato, adhiriéndose con elegancia a una de las patas de la cama. Dibujar una danza domestica con los fantasmas de Husserl y Brentano, mientras el filamento de pasta prosigue su carrera entre la cama y el plato, envolviendo el imán en forma de manzana que adorna la puerta de la heladera y poniéndole bigotes a la presentadora que anuncia las noticias desde el viejo televisor NEC. Suspender el juicio ante el despliegue fenoménico del tallarín, que ya comienza a momificar a la abuela en su mecedora, después de haber hecho lo propio con el perro salchicha y la jaula de los canarios. Tejer, en suma, una intrincada telaraña de pasta (No prevista por Marco Polo a la hora de su importación gastronómica) que todo lo envuelva y que opere una extraña mimesis con esa otra red epistémica que une a seres objetos, y en la que navegan o naufragan nuestros sentidos…

Pintarnos el rostro para la guerra con restos de salsa y queso rallado, antes de quedar inmóviles como marionetas entre la maraña de tallarines.

Esperar sosegadamente, en riguroso silencio, la manifestación de la-cosa-en-si agazapada tras la masa omnipresente. Aguardar dos, tres, cuatro horas, hasta comenzar a sospechar que esencia alguna se esconde tras la profusión de apariencias. Descubrir, en un rayo de intuición, que los bultos adivinados bajo los tallarines (la abuela, el perro, la jaula de los canarios) no son en realidad más que ondulaciones casuales, fantasmagorías creadas por su caótica acumulación.

Gritar de horror o desesperación, gritar por calculada crueldad, mientras despedazamos con uñas y dientes la telaraña, sin encontrar nada debajo.

Sentarnos entre los restos del zarpazo gnoseológico, en el vació recién elevado; exhalar la histeria al tiempo que otra certeza aun más atroz nos invade: la del mundo como un páramo desolado, igualmente emboscado en su sistema de apariencias. Buscar, en un último gesto y hasta el fin de nuestros días, el improbable principio del tallarín.

Un recuerdo al Maestro Ugarte; otro recuerdo al Negro Fontanarrosa y un cuento futbolero.

Recuerdo aquel día que conocí al maestro Ugarte, el mejor jugador boliviano de todos los tiempos. Yo andaba con mi padre de la mano (lo suficiente chico para entrar gratis al Stadium) a pocas horas de ver un clásico, bordeábamos al gigante Siles y Ugarte venia en dirección contraria con una camisa celeste y unas canas blancas que le daban cierto contraste a su rostro moreno y sus arrugas, mi viejo le grito ¡MAESTRO! como solo aquel fiel de sus jugadas cargadas de magia podía hacerlo, el grito no fue por menos débil, mas de un curioso dio vuelta para ver al que se merecía semejante grito cariñoso. El viejo Ugarte solo atino a levantar la mano, lanzar una sonrisa y devolver el saludo, con la humildad que solo puede hacerlo un genio. Fueron minutos después que mi padre empezó a contarme las historias de Víctor Agustín Ugarte y mediante el, sus propias historias que lo hacían escurrirse por los recovecos del viejo Siles para verlo jugar o buscar algún trabajo con las vendedoras del stadium, que solo era una excusa para ver en lugar de privilegio al mago hacer su espectáculo en el rectángulo verde. Decir que el maestro Ugarte fue piedra angular de aquella seleccion boliviana de 1963 en la Copa America con Bolivia Campeon en condición de invicto, ganándole a Brasil en la final por 4-3 (video, link Youtube) es decir demasiado.

Es por esa razón, en la que yo mismo intercalaba historias de mi padre y las del maestro Ugarte como una sola, que quizás cuando supe la muerte de Ugarte me invadió una tristeza infinita, el mago del balón que había conocido desde los ojos y las historias de mi padre se había ido, el héroe era muy humano y en medio de la pobreza había dejado de existir.

Similar tristeza me causa, ahora, la muerte de otro genio del fútbol, El negro Fontanarrosa, a quien jamás conocí personalmente, pero lo conocí desde siempre gracias a sus historias futboleras. Argentino, pero antes Rosarino como solo su casaca del Rosario Central podría corroborar. Jamás fue un genio con la pelota, era un don que la diosa del viento le había negado, y ante aquellos impedimentos decidió escribir: "Yo llego a escribir de fútbol porque me gusta el fútbol, no porque me guste la literatura. Me gusta la literatura, sí, pero me gusta más el fútbol" (Video entrevista, link). Y como bien dice Gustavo: Hay algo profundamente inteligente en esa frase: en ella hay una razón moral que entiende el arte como celebración de la vida.

Roberto nos ha dejado, el negro y su partida nos han pescado en offside a los que hemos vivido a través de sus historias el otro fútbol maravilloso, lleno de ironías, emoción, dramas y risas, quedamos huérfanos con el solo consuelo de sus letras y sus jugadas magnificas trasladadas al papel. Porque el Negro también ha sido un Ugarte, un Maradona o un Pele, con su incontenible magia y sus incontables golazos.

La Barrera

Un paso más atrás. Dos más atrás. Tres. Ahí está bien. Ya está la barrera formada. Una baldosa más acá. Un momento. Ante todo, sacar las cosas del arco. Hay botellas debajo de la pileta. Ya la otra vez cagó una. Y dos sifones. El blindado no es nada, pero el otro puede reventar, y los sifones revientan y los pedacitos de vidrio saltan y se meten en los ojos de uno. Bien juntas las macetas de la barrera. El arquero muy nervioso. Miguel Tornino frente al balón. Atención. El rubio Miguel Tornino frente al balón. Una mano en la cintura. La otra también. La mano sacándose el pelo de la frente. La transpiración de la frente. De los ojos. Hay silencio en el estadio. Es la siesta. Hasta el Negro se ha quedado quieto. Resignado a ser simple espectador de ese tiro libre de carácter directo que ya tiene como seguro ejecutor a Miguel Tornino, que estudia con los ojos entrecerrados el ángulo de tiro, el hueco que le deja la barrera, la luz que atisba entre la pierna derecha del recio mediovolante de la visita y la pata de portland de la maceta grandota del culantrillo. Un solo grito en el estadio: Miguel, Miguel. El público de pie ante ésta, la última oportunidad del Racing Club cuando sólo faltan dos minutos para que finalice el match. Habrá que apurarse antes de que vuelva a adelantarse la barrera o el Negro insista en morder la pelota y hacerla cagar como el otro día que la pinchó el muy boludo. Sonó el silbato. Habrá que pegarle de chanfle interno. La cara interna del pie diestro de Miguel Tornino, el pibe de las inferiores debutante hoy le dará al balón casi de costado, tal vez de abajo, con no mucha fuerza pero sí con satánica precisión para que ese fulbo describa una rara comba sobre la cabeza de los asombrados defensores, sobre el despeinado pirincho del helecho de la segunda maceta y se cuele entre el travesaño, el poste, el postrer manotazo de la lata de aceite Cocinero que se ha lucido hasta el momento. ¡Tiró Tornino...! y... se hizo mimbre en el aire el arquero ante el latigazo insólito de curva inesperada y con la punta de los dos dedos allá voló la lata a la mierda, carajo que ladra el Negro, sí mamá... sí la guardo... está bien... pero mirá vos cómo la viene a sacar este guacho.

("La Barrera" - Cuentos e historias, Negro Fontanarrosa).

Nos hemos quedado sin otro hincha del fútbol.

Lea También:
Con F de Fútbol y Fontanarrosa.
El imposible adiós a un verdadero grande (Pagina/12).
Que lo Pario / El fútbol según Fontanarrosa (Soles Digital).

El viernes 20 de Julio se ha dado una situación insólita en toda la historia de Bolivia, una congregación de personas que supera lo imaginado. Dicen que fueron poco mas de dos millones y soy reacio a creerlo, aunque claro el exitismo me pueda invocar a hacerlo prefiero apostar por la nada friolera suma de millón y medio. Siempre he dudado de la participación activa de los paceños y no es porque a nadie le interese, es porque siendo la ciudad de La Paz una gran metrópoli que fácilmente roza el millón de habitantes entre viandantes, profesionales, orates, aparaditas, bloggers, músicos y demás juntucha, las actividades se reparten por miles mas allá de la familia y el trabajo, decenas de exposiciones artísticas se ven en una noche, mas allá de los conciertos, presentaciones teatrales y demás actividad cinéfila, aun hay tiempo para el turismo interno y partidos de fútbol que ya sea por la liga profesional o las ligas amateur de los barrios, reparten a los vivientes de La Paz en diversas actividades, encontrando así pocas afinidades comunes que los congreguen en una sola.

Afinidad común que surgió para reunirse defendiendo el lugar de la sede de Gobierno y la Capital política de Bolivia, que hace poco mas de un siglo permanece acogida en la ciudad y que nadie había encontrado motivo suficiente para cuestionarlo, porque bien o mal, el termino de “crisol de la Bolivianidad” se reducía y tomaba forma y lugar en el espacio vital de La Paz y su plaza Murillo. Tomo partido y hago que me duela un poco mas y decir que aun no habían razones para cuestionar la capitalidad política de Bolivia y estaban (y están) lejos de haberlas. Pero resulto que la política nos ha dado un revés y ha encontrado argumentos que aun siendo insuficientes han logrado cuestionar el valor patriótico de La Paz y ahora la historia de mas de 100 años ha sido errónea. Han encontrado a La Paz indefensa ante mi miedo que creía que era solo paranoia, una daga fría clavada por la espalda se ha incrustado en la ciudad, una daga venida de los que aun me niego a creer.

Pero sus hijos le han dado el respaldo, porque paceños, pero ante todo Bolivianos han sabido acudir al llamado pacifico. El cabildo fue multitudinario, jamás imagine ni en mis sueños más patrióticos ver semejante espectáculo. El pecho se infla, al ver la tricolor al aire, porque al fin y al cabo a Bolivia nos debemos, a nuestra bendita tierra. Contengo la lágrima. Las banderas, el cielo, la gente y el Illimani son poéticos, e invitan a escribir los versos más hermosos que se niegan a salir de un no poeta.

Fotos: 20 Imágenes del Cabildo en El Alto, La Paz, Bolivia (20/07/2007) – Link (Álbum Picasa)

Días después vinieron las reacciones, tristemente veo que las palabras unidad de los bolivianos, poco o nada ya valen venida de boca de aquellos miles de bolivianos. Creer en la unidad del país desde La Paz se ha convertido en un pecado, porque desde otros ojos nos hemos convertido en soberbios, dictatoriales y blasfemos con nuestra propia patria, en menos de dos días he visto como La Paz se ha convertido en boca de analistas políticos y dueños de ciudades, en el mal de Bolivia de los últimos 110 años y el dolor de la daga fría lo he sentido en mi propio corazón. La confabulación ha funcionado, el miedo de los separatistas al ver el cabildo se ha cambiado por la sonrisa siniestra al ver como han transformado aquella reunión patriótica, en un acto soberbio visto desde otros ojos y gritado por otras bocas.

He creído en mi patria y por esa razón me he volcado a las calles, como lo haría en aquella desgarradora guerra del gas, he creído que la unidad de Bolivia proclamada desde La Paz podría repetirse en los demás suelos de Bolivia y he cargado mi bandera boliviana a las espaldas, he creído en La Paz y al no tener bandera paceña me he hecho de una polera bolivarista y creo que como yo, muchos aun tiene fe en una Bolivia como una sola y aun creo que La Paz puede ser un órgano vital como los otros 8 de este país a quien nos debemos. Triste será ver surgir viejos odios, viejas heridas del pasado en un tema que solo abrirá una caja de Pandora y cuyos resultados me niego a predecirlos. Mientras los buitres, dueños de ciudades, esperan acurrucados para luego darse un festín.

Traducción: Sobre gustos no hay nada escrito… Xanga / Facebook / Myspace.

En más de una ocasión hemos alabado cada trazo de Jim Borgman y los guiones de Jerry Scott en cada tira diaria Zits, no era para menos ambos nos habían regalado un comic lleno de cotidianidad en la cual nos sentíamos retratados y habíamos encontrado el humor fresco que aun nos podía llegar a sorprender sin caer en el comic cliché que va reciclando humor o en el otro comic donde los autores se escudaban en capas y mascaras heroicas que muy poco referenciaban a una vida normal.

Es gracias a esa muestra de cotidianidad (sin dejar de lado esa harta aproximación a Calvin y Hobbes) por la que Zits se ha convertido en una tira preferida, por el hecho de recorrer cada día los pasos con el que cualquiera puede sentirse identificado y que apropósito puede confundirse con la biografía de cualquiera cumpliendo además esa inexcusable obligación que tiene la literatura de dejar constancia de nuestro paso por la vida. El comic que evoluciona con el entorno real, por así decirlo.

En este mundo hay multi-taskers y mono-taskers / Tú papá, eres un mono-tasker.

Hay que decir que el comic ha perdido algo de la esencia de sus primeras tiras y ha preferido casarse con el Internet y la tecnología en sus guiones para refrescar mucho mas la tira y aunque no sea el único comic, de alto tiraje, que hace referencias a la tecnología y el Internet (ahí tenemos a Baby Blues, Foxtrot, etc) es el que lleva con mayor soltura su relación con las nuevas tecnologías, esto gracias a que su protagonista, Jeremy, es adolescente y va de la mano con la revolución de la tecnología y el Internet (llámese: blogs, spaces, flickr, youtube, ipods, podcast, laptops, PDA, celulares de ultima generación, etc).

Ahí tenemos entonces a Jeremy usando su myspace constantemente, hablando sobre el impacto de la tecnología en sus padres, tenemos al amigo subiendo videos a youtube desde el celular, o comprando accesorios para el ipod, rogando a sus padres una nueva laptop, etc. A contrapartida tenemos a los padres que aun no asimilan que su hijo crece y con el una tecnología que ellos no conocían y por ello la cuestionan a cada tanto (ver películas en minipantallas ¡que ridículo!, no comprenden los blogs, problemas con los celulares cada vez mas pequeños, etc).

La carga irónica no esta de lado y creo que es la base fundamental de la tira en la actualidad, Jeremy en sus primeras tiras tenia sueños de crear una banda de rock, de arreglar su vieja camioneta para dar la vuelta por el mundo, amaba ver las estrellas por las noches, amaba a la novia que no terminaba de comprender y aunque siempre las charlas con sus padres tenían diferentes nortees, ello servia para crear charlas bastante provechosas y hasta filosóficas de la manera de entender el entorno.

Con la llegada del Internet en todas sus formas y de la tecnología en todas sus formas, Jeremy parece hacerse olvidado de aquellos sueños: Cuando sus padres le preguntan como ha estado el prefiere darles la dirección de su blog; las charlas con su novia son mas difíciles y casi siempre los mensajes de texto vía celular son la manera mas simple de comunicación con ella y con sus amigos; el amigo soñador con el que planeaba la banda de rock y los viajes -que fácilmente podíamos confundir con Hobbes (de Calvin y Hobbes)- hace pocas apariciones, reemplazado por el otro amigo tecnológico neo-punk, el mismo que sube los videos a youtube (que generalmente son grabaciones no autorizadas de sus compañeros en situaciones incomodas y estupidas).

La larga distancia en la evolución de la comunicación.

Es por ello que Zits ha sido avasallado por el Internet y la tecnología y es un comic que refleja la cotidianidad, una cotidianidad que hasta hace mucho podíamos darnos el lujo de verla homenajeada por sus gratificantes principios. Pero el comic ha pasado a otra etapa, la etapa en la que muchos nos sentimos identificados. No es que el comic haya perdido la magia de sus primeras tiras, la tira ha evolucionado al lado de la sociedad actual y ahora tiene como base otros principios, consumido por la modernidad y aun así no deja de ser un comic real casi biográfico de toda una generación que evoluciona.

Lea También:
Calvin, Hobbes & Zits: Comic con mezclas de Cotidianidad.

Sucedió en 1993. Eran las eliminatorias previas al mundial de Estados Unidos a disputarse un año después, Bolivia iba empatando con Brasil sin goles en el marcador y faltaban escasos dos minutos y medio para terminar el partido. Rato antes Erwin Sánchez había pateado un penal con tan mala suerte que el balón había ido a parar en las piernas de Taffarel. Los espectadores, con lágrimas en los ojos no podían creer que la sombra de la derrota se cierna nuevamente sobre la patria y unos mas incrédulos en los milagros salían cabizbajos del templo futbolero.

Entonces en una mala salida de Brasil, el balón fue robado por Quinteros y este, como si la desesperación le apurara duro menos en tocársela a Etcheverry. Entonces Etcheverry partió en su odisea personal como un rayo por la punta izquierda, le decían el diablo y como una sombra diabólica se devoro media cancha y media defensa y en la línea final cruzo la pelota hacia la valla brasilera mientras caía, el último aliento para clavar la estocada artera. El balón comenzó su viaje memorable desde la mitad del área grande en la línea final, hasta las piernas de Taffarel que incrédulo veía como el balón le hacia un desplante, le quemaba las manos y se le escurría entre las piernas siguiendo el camino que Etcheverry le marcaba con la mirada. La pelota entro lentamente como si tuviera todo el tiempo del mundo y el segundo entre el túnel a Taffarel y la línea de gol duro una eternidad para todo un país, que veía gracias a ese gol que los inmortales también sangraban.

El gol se llevo cuarenta años de invicto de la selección de Brasil en eliminatorias sudamericanas, pero más aun el gol sirvió para confirmar el mito de David y Goliat. Etcheverry podía haberse caído y hubiera sido penal, pero Etcheverry prefirió crearse eternidad, otro zurdo endemoniado se creaba su propia página de historia en menos de 20 segundos.

El público volvía a creer en los milagros y la nación entera se ponía de pie. Y aunque nadie lo sabia, esa misma tarde la selección boliviana firmaba su clasificación al mundial de 1994.

En Audio: El Gol de Etcheverry narrado por Grover Echeverría (1993)*

Pero semejante poema futbolero hecho al tetracampeon a puro coraje por un hijo de barrio, un cara sucia irrespetuoso, debería ser escarmentada. Los nadies, estaban condenados a ser nadies y por alguna vez querer ser alguienes debían cargar con sus consecuencias y la falta de respeto se paga y se paga duro. Desde aquel gol ya nadie respetaba a la todopoderosa tetracampeona, los chicos, nacidos en cuna de paja y choza de lata, habían enseñado las malas mañas para ganarle a Brasil, los equipos sudamericanos habían entendido la moraleja de la tortuga y la liebre y nunca mas Brasil volvió a ser el Brasil antes de ese gol.

El dicho dice que los débiles tienen trucos y los fuertes excusas. Horas después de aquel gol los fuertes se hacían de excusas que jamás se habían utilizado y desde aquel gol, catorce años después, los nadies deberian pagar el pecado cometido por sentirse alguienes alguna vez.

*Grabación gracias a Javier Rodríguez.

En Video: El Gol de Marco Etcheverry (Youtube).
La Noticia: La FIFA confirma su veto a jugar en La Paz.
Lea También: Bolivia - Historias compartidas de un mundial de fútbol.

“En la literatura, en música, en artes plásticas, en la argumentación filosófica, un clásico es una forma significante que nos lee. Nos lee a nosotros más de lo que nosotros los leemos (escuchamos, percibimos) a él. Nada paradójico, y menos aun místico, se esconde en esta definición. Cada vez que nos involucramos con él, un clásico nos cuestiona”. (Georg Steiner)

Cuando Italo Calvino escribía “Porque leer Clásicos” lo hacia con el afán desafiante hacia todos nosotros para releer y redescubrir las obras literarias clásicas, siendo para Calvino sus relecturas un motivo de celebración continua "que nunca terminan de decir lo que tienen que decir", textos que "cuanto más crees conocerlos de oídas, más nuevos, inesperados e inéditos te parecen cuando los lees".

Bajo ese concepto y 14 definiciones que propone, Calvino se adentra a comentar sus clásicos elegidos, según su criterio de que el clásico de cada uno "es aquel que no puede serte indiferente y que te sirve para definirte a ti mismo, en relación y tal vez en contraste con él".

Con ello, vamos a tomar el concepto de Calvino y llevarlo hasta otro arte clásico no tan disímil, moldeando las definiciones a manera antojadiza, vamos a cuestionarnos el porque escuchar clásicos o más aun nos vamos a dar razones suficientes del porque escucharlos, abocándonos a un solo año: 1967.

Porque Escuchar clásicos (1967)

1. Los clásicos son esos discos de los cuales se suele oír decir:"Estoy reescuchando..." y nunca "Estoy escuchando..."
2. Se llama clásicos a los discos que constituyen una riqueza para quien los ha escuchado y amado, pero que constituyen una riqueza no menor para quien se reserva la suerte de escucharlos por primera vez en las mejores condiciones para saborearlos.
3. Los clásicos son discos que ejercen una influencia particular ya sea cuando se imponen por inolvidables, ya sea cuando se esconden en los pliegues de la memoria, mimetizándose con el inconsciente colectivo o individual.

Mezclados en el tiempo y en la historia de la música universal, han pasado cuarenta años desde 1967, año que marco un punto perfecto para la historia del rock universal, año perfecto que nos ha regalado grandes discos que se han hecho clásicos y han servido para darle un giro trascendental a la historia del rock. Ahí estaban Jimi Hendrix Experience, The Beatles, los Stones, Jefferson Airplane o Love, todos ellos en un pico elevado de su capacidad creativa, sacando dos discos cada uno. Discos todos eclécticos pero tan fundamentales uno como otro aumentando además el grado de importancia dentro de la historia de esas bandas y el nivel de influencia que esos discos han tenido en la historia del rock.

4. Todo reescuchar de un clásico es un escuchar de descubrimiento como la primera.
5. Todo escuchar de un clásico es, en realidad, reescucharla.
6. Un clásico es un disco que nunca termina de decir lo que tiene que decir.

Otra de las razones que nos hacen volver a 1967 y darnos razones para escuchar cláscios, son los primeros discos de los que se convertirían en bandas esenciales en la historia del rock, con sus discos debuts aparecían: The Doors, Velvet Underground, Pink Floyd, The Grateful Dead y David Bowie editando su primer disco en ese año. Y todos ellos -con la excepción del de Bowie y el de Grateful Dead- fueron discos definitivos dentro de la historia del rock. Como si no fuera suficiente, The Doors y la Velvet sacarían ese mismo año su segundo trabajo, que no tiene nada que envidiarle al anterior, Janis Joplin registraría por primera vez su voz ardiente en disco, junto a los Big Brother & The Holding Company, y Love editaría un clásico absoluto como "Forever changes".

7. Los clásicos son esos discos que nos llegan trayendo impresa la huella de los discos escuchados que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o las culturas que han atravesado (o más sencillamente, en el lenguaje o en las costumbres)
8. Un clásico es una obra que suscita un incesante polvillo de discursos críticos, pero que la obra se sacude continuamente de encima.
9. Los clásicos son discos que cuanto más uno cree conocerlos de oídas, tanto más nuevos, inesperados, inéditos resultan al escucharlos.

Por otra parte, otro factor que nos incita a oír clásicos y que contrapartida convierte al ’67 en el más glorioso año de la historia del rock tiene que ver con la sincronicidad. Como nunca - a excepción de la explosión punk casi diez años después- el estado de gracia se dio al mismo tiempo a ambos lados del Atlántico. El rock hervía de creatividad y de artistas de todos los colores, que realmente creían que podían cambiar el mundo, hacer una revolución a través de la música y que no pensaban en la música en términos de convertirse en estrellas de rock. El rock y todo lo que lo rodeaba y representaba era verdaderamente una contracultura. El mundo parecía estar a punto de estallar, como siempre ha sucedido, pero los jóvenes -como jamás había ocurrido antes, y mucho menos con la generación de sus padres- tomaban conciencia de ello y pretendían cambiarlo, querían derrotar al sistema, y querían hacerlo con armas culturales. ¿Utopía? ¿Ingenuidad? Puede ser, pero dame más de aquella ingenuidad y menos del cinismo de hoy.

10. Llámese clásico a un disco que se configura como equivalente del universo, a semejanza de los antiguos talismanes.
11. Tu clásico es aquel que no puede serte indiferente y que te sirve para definirte a ti mismo en relación y quizás en contraste con él.
12. Un clásico es un disco que está antes que otros clásicos; pero quien haya escuchado primero los otros y después escucha aquél, reconoce enseguida su lugar en la genealogía.

Pero no termina ahí la cosa, hay otro factor fundamental. El rock, en aquel momento, seguía estando casi en pañales, estaba lejos de ser un género gastado como lo es hoy. Todo estaba por hacerse. Y esta gente lo hizo. Cada uno se tiró a recorrer distintos caminos, repletos de riesgo. Y de LSD también, por eso el mundo se volvió psicodélico. Casi no había nada que reciclar, casi no había antecedentes fuera del blues y el rock clásico de los ’50. El caldero estaba en llamas, y solo era cuestión que unos cuantos brujos empezarán a tirar cosas adentro, para ver que salía. Y claro, cuando alguien tiene hechiceros del calibre de Jimi Hendrix, de Jim Morrison, de Lou Reed, solo cabe esperar lo más sagrado del rock como resultado. Un par de féminas, Janis y Grace Slick inventaban, de la nada, la figura de la mujer rocker, y sentaban las bases para que generaciones enteras supieran de qué se trataba.

13. Es clásico lo que tiende a relegar la actualidad a la categoría de ruido de fondo, pero al mismo tiempo no puede prescindir de ese ruido de fondo.
14. Es clásico lo que persiste como ruido de fondo incluso allí donde la actualidad más incompatible se impone.

Las referencias sonoras de un solo año ya deberían ser razón suficiente para escuchar clásicos, pero como apropósito nos adentramos también a rendirle culto a 1967 hay que mencionar también a The Monterey International Pop Music Festival. Si los discos de estudio no bastaran –y no bastaban- una constelación de rockers se presentaron en el Monterey Pop Festival (junio de ese año, más de 200 mil asistentes). Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, The Who, Grateful Dead, The Animals, Simon and Garfunkel, The Byrds, Ottis Redding, The Mamas & The Papas, Buffalo Springfield, Ravi Shankar, bandas imprescindibles en la historia del rock, todas juntas en un solo festival. Ocurrió en el mítico 1967.

En fin, cuando Italo Calvino escribía “porque leer los clásicos” bien podría estar escuchando alguna melodía que guiara sus escrituras, encaminándolo subliminalmente e inconcientemente a escribir también de la música. Porque cuando propone sus 14 definiciones de “clásico”, acierta cuando afirma que no hay que escucharlos –o leerlos- por deber o respeto, sino por amor. En último caso, concluye: “La única razón que se puede aducir es que leer a los clásicos es mejor que no leer a los clásicos”. Y si alguien objeta que no vale la pena tanto esfuerzo, citaré a Cioran: «Mientras le preparaban la cicuta, Sócrates aprendía un aria para flauta. “¿De qué te va a servir?”, le preguntaron. “Para saberla antes de morir”».

Un clásico, en este caso discos clásicos que contienen riqueza, influencia, inagotabilidad; el hecho de que dejan huella, de que crean un universo; su clara y misteriosa relación con lo actual... Simple moraleja: “Escuchar los clásicos es mejor que no escuchar los clásicos”.

Finales con libros y discos apilados:

Italo Calvino afirma que “no queda mas que inventarse una biblioteca ideal de sus clásicos” y más de un estudioso en medio de polémica literaria admitía la necesidad de establecer una lista de obras fundamentales de nuestra cultura. Y entre La Biblia, el Quijote, Guerra y Paz, Moby Dick, Cien años de soledad, Felipe Delgado, Pedro Páramo entre otras obras clásicas literarias, la biblioteca ideal que nos sugería Calvino estará frente al estante de los discos clásicos de 1967 como referencia más perfecta:

Enero: The Doors – The Doors / The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground / Da Capo – Love / Between the buttons – The Rolling Stones / Febrero: Surrealistic pillow – Jefferson Airplane / Younger than yesterday – The Byrds / A hard road – John Mayal and the Bluesbreakers / Marzo: The Grateful Dead – The Grateful Dead / Mayo: Are you experienced – Jimi Hendrix / Absolutely free – Frank Zappa and the Mothers of Invention / Junio: Moby Grape – Moby Grape / Sgt Pepper’s lonely hearts club band – The Beatles / David Bowie – David Bowie / Julio: Small Faces- Small Faces / Agosto: Joan- Joan Baez / The piper at the gates of dawn – Pink Floyd / Septiembre: Easter everywhere – The 13th floor elevators / Little games – The Yardbirds / Octubre: Strange Days – The Doors / Noviembre: White light/White heat – The Velvet Underground / Forever changes – Love / Buffalo Springfield Again – Buffalo Springfield / Disraeli gears – Cream / Magical Mystery Tour – The Beatles / Diciembre: After bathing at Baxter’s – Jefferson Airplane / Axis: Bold as love – Jimi Hendrix / John Wesley Harding – Bob Dylan / Wild honey – Beach Boys / Something else – The Kinks / Sell out – The Who / Their satanic majesties request – The Rolling Stones.

Oír clásicos:
El ritual de la banana: Podcast homenaje a The Velvet Underground & Nico".
The Monterey International Pop Festival is hot again 40 years later.

El tres (3) es el número natural que sigue al dos y precede al cuatro. (Wikipedia)

Por alguna extraña razón o alguna torpe conjunción de los astros, el numero 3 se ha puesto de moda en la primera parte del año. Que varias películas taquilleras vayan terminando en trilogía; que algunas consolas de juego vayan por sus terceras versiones y que muchas de nuestras series favoritas pasen la barrera de segunda temporada ya es mucha satisfacción.

Igual coincidencia recae sobre el buen mayo, mes preferido para revolucionarios, cantantes, pintores, budistas, frikis, cineastas y demás-es “astas”. Con el cumpleaños de Dylan, la primera proyección de Starwars “A New Hope” y un largo etcétera, nos hemos dado cuenta que no damos para tanta celebración “mayera”.

Por ello, solo quiero hacer la mención al tercer aniversario del blog -Rocko Weblog-, criatura nacida un 25 de mayo del 2004. Como parte de la celebración los agradecimientos a las personas, seres extraterrestres, computadoras inteligentes (o no tanto) y otro tipo de entes que han pasado por esta bitácora -que hasta hace poco han pasado la barrera de los 600.000- se hace necesaria.

Como andamos en época de vacas flacas (y errores vía blogia), los artículos han disminuido preocupantemente que mas que ser por la falta de ideas y la ociosidad de escribir es fruto de la vida social y trabajo paralelo que se come horas extras y no nos permite hilvanar un texto mas o menos entendible (y cuando uno logra terminarse, blogia no nos permite acceder al blog).

Pero con el aniversario de nuestro tercer mayo venimos con energías renovadas que nos hacen anhelar llegar al cuarto año, para mas de un cristiano el tres es un numero perfecto que simboliza el movimiento continuo y la perfección de lo acabado, habra que hacerlo honor al tres. A ustedes nuevamente gracias por leernos y espero nos acompañen en nuestra cruzada hacia nuestro cuarto mayo.

“Mientras descendíamos el sendero encontramos al Minotauro, el legendario monstruo de Creta” (Inferno, Canto XII, 11-12)

Que Benedicto XVI haya reabierto el infierno y el purgatorio mediante decreto solo avivaron las imágenes de pesadilla con las que soñaba de niño: El fuego eterno, los demonios y sus tridentes, sus pestilentes olores, sus calderos hirvientes y el jefe oscuro. Todo ello dejo de ser metáfora como tan tontamente nos había hecho creer Juan Pablo II. Volvieron también como referencia más cercana las imágenes que Dante nos había retratado: sus círculos, su minotauro, su puerta que tan hábilmente esculpió Rodin, el purgatorio y los demás rincones por los que, de la mano Virgilio, visitaríamos.

Y en ese afán de redescubrir a Dante, sus imágenes y la aproximación que nos hace del sitio maldito, me encuentro con un interesante articulo en 30 Días titulado Dante en Estados Unidos, que nos resume el impacto del Sumo Poeta en la cultura Norte Americana desde 1867 hasta la actualidad, impacto que se transformo en diversas traducciones especiales de la divina comedia, la creación de grupos literarios como “The Dante Society of America” abocados al estudio filosófico de la obra; Dante transformado en restaurantes de comida rápida; En poemas de eximios poetas Estado Unidenses; En grupos de Rock; En películas –Clerks (1994), Seven (1995), Dante’s Peak (1997)–, o transformada en pinturas, e ilustraciones que se anexan a ciudades norteamericanas como Hollywood, San Francisco y demás lugares reales para crear una nueva representación del infierno, el purgatorio y el paraíso. Es en esta última referencia que hace el artículo se centra mi atención, esas imágenes dantescas que nos trasladan a la Norteamérica actual de la mano de Sandow Birk.

Cualquiera puede retratar sus propios infiernos. Antes de descubrir esa metamorfosis, en ilustración, entre EEUU y los cantos de Dante, muchas veces traslade las imágenes de Dante a la hoyada Paceña, que sin mas esfuerzo pueden transformarse en círculos descendentes, dándonos para beneplácito nuestro pequeño infierno, un infierno que quizás nunca dejo de serlo para Víctor Hugo Viscarra, por ejemplo, que recorrió en carne propia los horrores que guarda nuestra ciudad –como cualquiera que se merezca llamar ciudad- vista desde la puerta de servicio, andando y desandando las laderas recónditas que guardan sus propios demonios, sus minotauros, sus poetas urbanos, sus pecadores malditos que se entremezclan entre asesinos, ladrones, prostitutas, alcohólicos y otros seres que se mueven en lo que Viscarra decía: “La noche en La Paz es un laberinto que al no tener principio, tampoco tiene fin” que aunque no tenia fin, tenia un infierno transformado en un bar de mala muerte bien llamado “El Averno” (que coincidencia o no, llevaba, según relata Viscarra, imágenes Dantescas pintadas en su interior).

Viscarra y su infierno local, la espiral descenderte que demarca La Paz… habrá alguna escalera de perfección y más aun, ¿habrá algún Paraíso donde encontrar a nuestra propia Beatriz?

Gracias Benedicto XVI, por reabrir los infiernos.

Imagen: Sandow Birk - El Minotauro (Inferno, Canto XII).

Vea También:
Dante’s Divine Comedy by Sandow Birk (Catharine Clark Gallery).
The Divine Comedy: Paradiso, Dante’s Third Canticle by Sandow Birk.

La imagen se hace impactante, para los que hayan recorrido los sólidos mares salados de Uyuni conocerán lo insignificante, como punto en un espacio, que se puede llegar a ser. Alguien afirmó que la Atlántida yacía enterrada en las mismas entrañas de donde la sal ha tomado lugar, parte del enigma que le da poder a la imaginaria común de una ciudad de sal de una civilización maravillosa enterrada bajo el manto blanco.

El espectáculo visual del salar de Uyuni (Flickr) es maravilloso, así lo entendieron los aventureros que recorrieron los mil y un puntos de la tierra: “El Salar de Uyuni, considerado el “desierto blanco”, ocupa el primer lugar de 25 nuevas maravillas y atracciones naturales históricas del mundo que fueron seleccionadas por la revista Rough Rides.” (Peru.com)

Lugar escapado de una pintura de Dalí, de paisaje andino surrealista, donde una fina capa de agua sobre la blanca sal brinda uno de los espectáculos naturales más hermosos del planeta, con el reflejo del cielo en su superficie. Así, sólo la gravedad puede servir para diferenciar el cielo de la tierra.

El salar de Uyuni no es una creación del hombre, es un capricho de algun dios con sus propios sueños y pesadillas.

LAS 25 MARAVILLAS DEL MUNDO

1.- Salar de Uyuni, Bolivia. 2.- Ayers Rock, Australia. 3.- Pirámides de Giza, Egipto. 4.- Navegar río abajo el Amazonas. 5.- “Chimeneas de las hadas” y cuevas de Capadocia, Turquía. 6.- El Gran Cañón, Arizona, EEUU. 7.- Petra, la ciudad hecha de piedra en el desierto de Jordania. 8.- Machu Picchu, Perú. 9.- Sagrada Familia, de Gaudí, en Barcelona, España. 10.- Glaciar Perito Moreno, Patagonia, Argentina. 11.- Capilla Sixtina, Roma, Italia. 12.- Escalar el Himalaya. 13.- Angkor Wat, Camboya. 14.- Canales y palacios de Venecia. 15.- Caravana de camellos en el Sahara. 16. Gran Muralla en China. 17.- Salto Victoria Falls, Zambia y Zimbabwe. 18.- Bucear en la Barrera de Corales, Belize. 19.- Taj Mahal, India. 20.- Ruinas mayas en México y Guatemala. 21.- Gigantes de piedra de Easter Island. 22.- Gran Mezquita, Djenné, Mali. 23.- Las tentaciones de Las Vegas. 24.- La Ciudad Prohibida, China. 25.- Itaipú, la represa más grande del mundo, Paraguay y Brasil.

- Que los otros se escondan, nosotros queremos verlo. / Los Dioses juegan. / Zeus apuñala el cielo con sus rayos./ Boreas aúlla acallado… y agita el mar con un viento huracanado. / Poseidón se levanta. Despertado. Furioso, con su tridente arañando las estrellas. / Glorioso. / Apiadaos de los marinos esta noche. (300 – Capitulo II: Duty, Frank Miller)

Imágenes: The Great Wave off Kanagawa (Katsushika Hokusai). / 300 (Frank Miller – Lynn Varley).

“El diablo fue mi padrino de bautizo. La cosa es que el cielo es frío, en el infierno hay calefacción, prefiero estar abajo”. Víctor Hugo Viscarra.

"Abandonad toda esperanza, vosotros que entráis". Inferno, Canto III (Divina Comedia).

Jean-Paul Sartre decía que no había necesidad de pensar en el fuego eterno, que mas bien el infierno estaba en los hombres, así pareció entenderlo el Papa Juan Pablo II quien el 28 de julio de 1999 en la catequesis que impartió ante 8.000 fieles en el Vaticano, dijo: «Las imágenes con las que la Sagrada Escritura nos presenta el infierno deben ser rectamente interpretadas. Ellas indican la completa frustración y vacuidad de una vida sin Dios. El infierno indica más que un lugar, la situación en la que llega a encontrarse quien libremente y definitivamente se aleja de Dios, fuente de vida y de alegría».

El infierno no resulto ser más que una metáfora al igual que el cielo, que por supuesto tampoco era un lugar físico que estaba entre las nubes. Pero nadie contaba con el ahora Papa Benedicto XVI que nos dice que el infierno reabre sus puertas: "Jesús vino a decirnos que nos quiere a todos en el paraíso, y que el infierno existe y es eterno".

Nuevamente las imágenes de aquellos pozos de fuego donde arden las almas por siempre o la espiral infernal dantesca vuelven a revolotear la imaginaria general, aunque para muchos es una imagen que difícilmente se puede separar de la idea trivial de encerrar a algunos seres indeseados actualmente en ellos. En afán de vindicta quizás, reabrir el infierno seria una buena opción para más de uno. Dante lo hizo condenando a enemigos y seres despreciables a los rincones oscuros de sus nueve círculos infernales.

Con un infierno reabierto, más de uno tendrá el boleto asegurado para descender por la espiral a encontrarse con héroes literarios, personajes de la mitología y figuras históricas para compartir los castigos que mueven a la piedad.

Señores, el infierno ha reabierto sus puertas, hay cupos y reservas… se aceptan nominaciones.

Vea también:
Heaven and Hell, According to Various Religions (El cielo y el infierno según varias religiones).

Las tragedias colectivas deben ser esos profundos dolores que se reproducen en centenares, momentos históricos decididos a poner el dedo en la llaga para recordarnos que los caminos suelen ser tortuosos de cuando en cuando…

Brasil en conjunto debe sentirla al recordar cuando Juan Alberto Schiaffino y Alcides Edgardo Ghiggia perforaron la valla brasileña en 1950 en la final del mundial disputada en el Maracana, el estadio mas grande del mundo creado para dicha ocasión. Brasil, que necesitaba un empate para alzarse con su primer título mundial de fútbol, se había adelantado con gol de Friaza, sin embargo, Uruguay le dio la vuelta al marcador y termino ganando el partido en el Maracana dejando por los suelos toda la celebración que los locales habían preparado semanas antes. Los brasileños definieron la derrota como la peor tragedia de la historia de Brasil.

Debe sentirla Argentina cuando recuerda junio de 1982 y su derrota a manos del Reino Unido, la potencia invasora, en la guerra de las Malvinas.

Para Bolivia la tragedia colectiva se repite cada 23 de marzo, al recordar la derrota ante Chile en la guerra del pacifico, cuya consecuencia fue la perdida del acceso al mar. Otra borrachera de patriotería que se recuerda cruelmente. Valga la duda y decir que recordamos, entre desfiles y ofrendas, al gran héroe del topater, o valga también la teoría de que el 23 de marzo es la fecha de reafirmar nuestro valores nacionales y mantener la esperanza de algún día recuperar el mar cautivo… Me parece que nuestra tragedia colectiva es mas una suerte de ejercicio de masoquismo, al cual estamos condenados a recordarlo cada año.

Los robots de Isaac Asimov, en Yo, robot, son máquinas capaces de llevar a cabo muy diversas tareas, y aunque carecen de libre albedrío, se plantean a menudo a sí mismos problemas de "conducta humana". No es, claro, la única muestra ficticia donde los robots se cuestionan sobre su relación con los humanos. Pero estas cuestiones se resuelven en "Yo, robot" en el ámbito de las tres leyes fundamentales de la robótica, concebidas por el mismo Asimov, y que no dejan de proponer extraordinarias paradojas, que a veces pueden explicarse por errores de funcionamiento y otras por la creciente complejidad de los "programas". Estas paradojas no son sólo ingeniosos ejercicios intelectuales sino y además una fascinante indagación sobre la situación del hombre actual en el universo tecnológico y en relación con la experiencia del tiempo y la historia. (Yo, robot)

La realidad no es muy lejana “nuestros” robots, no se alejan tampoco a los robots de Asimov, actualmente los robots efectúan cirugías, se reproducen y se reparan a si mismos (video), corren (video), se caen (video), los pequeños humanoides ganan espacios en el desarrollo de la robótica que está acelerando, no es raro entonces que un grupo de científicos, académicos, futuristas y escritores de ciencia ficción, redacte un código de ética para robots -antes de que computadoras y robots superinteligentes puedan escapar a nuestro control- (recuerdan al buen HAL 9000) tal y como lo haría Isaac Asimov en 1950.

Las tres leyes robóticas

1. Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño.
2. Un robot debe obedecer las órdenes que le son dadas por un ser humano, excepto cuando estas órdenes están en oposición con la primera Ley.
3. Un robot debe proteger su propia existencia, hasta donde esta protección no esté en conflicto con la primera o segunda Leyes.

Manual de Robótica (1 edición, año 2058)

Según Park Hye-Young, ministro del equipo de robots, las leyes dictadas por Asimov en su novela de ciencia ficción, serian los lineamientos a seguir para establecer las reglas del futuro.

A primera vista, estas reglas nos conducen al esclavo perfecto. Obediente y sumiso, un robot no sólo nos obedecerá ciegamente, sino que además será incapaz de hacernos daño e incluso se protegerá a sí mismo. La realidad será diferente, pues Asimov, a lo largo de toda su obra será capaz de demostrarnos la imperfección de estas 3 leyes doblándolas y redoblándolas, estirándolas hasta el punto de ruptura, para hacernos ver desde un punto de vista filosófico y lógico, que la realidad es bien distinta, ya que sin quebrantar estas leyes, en determinadas circunstancias, se llega a resultados "no esperados" a priori.

Será interesante ver, en un futuro, si las nuevas leyes de la robótica no son tan maleables como lo fueran para los robots de Asimov, en caso de que fueran perfectas habrá que ver la otra teoría del gobierno británico de unos robots civilizados que exigen también derechos, iguales al de los humanos; teoría que nos devuelve a Asimov que nos habla de la posibilidad de que un robot de apariencia humana ocupe un cargo político de relevancia - conflicto inevitable, donde abiertamente, se habla de un mundo regido y gobernado por Máquinas Pensantes que actúan en pro de la humanidad, anticipándose a cualquier intento por parte de los humanos de acabar con esta situación de dominio robótica- o que también nos recuerda a Harry Harrison y otro dilema que plantea su robot 13B-44-K cuando este se enamora de una humana “Soy un robot.. un robot... debo de haber olvidado que soy un robot... ¿qué puede estar haciendo aquí un robot?... un robot no puede amar a una mujer... una mujer no puede amar a un robot... sin embargo ella ha dicho que me amaba... pero yo soy un robot... un robot...” (el robot que quería aprender), otro conflicto inevitable desde un flanco “mas humano”. Al final el dilema asimoviano se repetiría en la realidad ¿qué es lo que nos hace realmente humanos? ¿qué es lo que nos separa en realidad de los robots?

Pero ese es el lado bueno, una convivencia inevitable donde las leyes son acatadas, junto con los derechos robóticos, en un constante roce de dilemas lógicos y filosóficos. En caso contrario, donde las leyes simplemente sean quebrantadas y los derechos pisoteados, habrá que preparase para una guerra entre robots y la resistencia humana.

Lea también:
Yo, Robot, de Isaac Asimos (fantasy Mundo).
Los robots podrían reclamar derechos (BBC Mundo).

“Desearía poder darla vuelta, para lamerle las entrañas” (Lolita, Vladimir Nabokov)

“Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas, mi pecado, mi alma", es la primera invocación del narrador Humbert Humbert, quien en su oscura infancia europea se enamoró impúdica y frenéticamente de una niña de su edad llamada Annabel, muerta de tifus cuatro meses después de su primera y última agonía estival: "nos queríamos con un amor prematuro, con la violencia que a menudo destruye vidas adultas". Desde entonces Humbert niño, Humbert adolescente y Humbert adulto sólo ha deseado “nínfulas”.

Para Bob Dylan, Scarlet Johansson es esa criatura ninfica cuasi demoníaca escogida que añora y la única capaz de robarle un poema, que hecha balada, le canta al oido: “In the still of the night, in the world’s ancient light / Where wisdom grows up in strife / My bewildered brain, toils in vain / Through the darkness on the pathways of life / Each invisible prayer is like a cloud in the air / Tomorrow keeps turning around / We live and we die, we know not why / But I’ll be with you when the deal goes down” (When the Deal Goes Down).

Claro que Scarlett no tiene 12 años y Dylan no es un cuarentón, las distancias son mayores pero el efecto Lolita le queda impecable y virósicamente de manifiesto a Scarlett en el videoclip absolutamente protagonizado por la actriz y que dirigió Bennett Miller –responsable de Capote– para la canción “When the Deal Goes Down” de Bob Dylan. Allí, el cantautor canta, pero no aparece sino en una obsesiva mirada subjetiva digna de Humbert Humbert. Allí, Dylan sólo tiene ojos –y no tiene cuerpo– para mirar a Scarlett sonriendo, leyendo, durmiendo. Sutiles y mínimas alusiones a Woody Guthrie, Buddy Holly y Hank Williams y texturas retro–Súper 8 nos recuerdan de tanto en tanto que lo que estamos viendo y oyendo es un video de Dylan y no un descarado ejercicio de adoración por la pequeña gran rubia, -(Odiamos tanto a Scarlett)- que en caso de que así fuera es perdonable a Dylan.

Video clip: Bob Dylan - When The Deal Goes Down (Scarlett Johansson).

Pero quizás “When the Deal Goes Down” es la continuación al "Spirit on the Water", también de Dylan en su "Modern Times" (2006), quizás el papel de Humbert le cae mas a la perfección. El hombre maduro cuenta cómo seduce a una mujer -de mas años que lolita, pero aun mucho menor que Dylan- con todo el bagaje y la experiencia de su vida, siempre con voz de corner y aire jazzero, si Humbert Humbert tendría una guitarra a su lado y un poco de habilidad compositiva, habría narrado algo similar: “Te veo allí/ estoy cegado por los colores/ tengo buen cuidado/de lo que me pertenece”, “Piensas que estoy más allá de mi plenitud/ déjame ver lo que tu tienes/ podemos pasar un rato estupendo” (Spirit On The Water). Si Scarlett haria un nuevo video con Dylan, no seria raro verlos haciendo un viaje por la carretera, esa parte que el video del When the deal Goes Down obvia para dejarnos llenar los huecos del paseo rumbo al campo con las imagenes de la madre de Lolita conduciendo, mientras Lolita posa para Humbert Humbert, ambos personificados por Bob y Scarlett.

Lea también:
Odiamos tanto a Scarlett (Rodrigo Fresan – Pagina/12).

Somos nosotros, pero poseídos por las mascaras que dejan salir nuestro lado desconocido. Los amantes incógnitos, traviesos enmascarados, seres individuales refugiados tras un pedazo de tela renacen siempre que puedan para hacer de quien las lleva al perfecto pecador ante los ojos del omnipotente, que al solo ver un pepino, un chuta, o un veneciano enmascarado dejara de poner “deficiente” en buen comportamiento esperando el preciso momento en que el pecador se deje ver.

Como en Venecia -donde la nobleza se disfrazaba usando también mascaras para salir a mezclarse con el pueblo-, dicen que en los viejos tiempos, en los carnavales paceños, la “gente bien” (aristocráticos locales) recurría a la mascara de pepino para entremezclarse entre el populacho y divertirse como los cholos sin ninguna inhibición. “Hecha la ley, hecha la trampa”, el objetivo carnavalero en adelante era descubrir al hombre detrás la mascara para que con una risotada darse cuenta que el senador racista corría de un lado a otro con un disfraz aurinegro y con mascara de pepino mojando, bailando, y bebiendo como sus ancestros le habían ordenado.

En el Mardi grass las mascaras individuales son invisibles, la ciudad toda lleva una mascara que cubre los pecados de todo el gentío que usan como excusa collares baratos para desinhibirse y dejar de lado aquel mandamiento que dice “no te desnudaras, no beberás en exceso y no desearas a la mujer de tu prójimo”.

Los diablos se han cansado de bailar y los mortales se han cansado de beber. Las cigüeñas trabajaran a doble turno por culpa de pepinos, kusillos, chutas o los enmascarados venecianos. Fin del carnaval, pero las mascaras seguirán rondando tentándonos.

Vea también:
Pepinos ch’utas y kusillos, el alma del Carnaval de La Paz.
Colección de máscaras en exposición (Museo de Etnografía y Folklore de Bolivia).

5,4,3,2,1…
Con ropa interior roja atrae amores y bebiendo vino -a falta de doce uvas- el librecambista camina zigzajeante rumbo a su casa. En la oscuridad del callejón vecino, dos sombras, una pistola y un cuchillo de carnicero, preparan el golpe de año nuevo. Mientras el cielo oscuro se ilumina de colores y kabones, el policía acompañado de su rottweiler sale con sus maletas a escasos pasos.

Una de fabula…
Aun recostada en la sabana albar teñida de rojo, la princesa despierta vociferando: - Maldita Rana!! Me engañaste!!.

Bitacorero
Con la pereza de escribir y después de sus vacaciones, el denominado escritor se sienta frente a la computadora sin saber como empezar a escribir sobre el denominado escritor que no sabe que escribir.

“Ambas direcciones, aunque tienen su significado, son igualmente inútiles. Dos individuos refractarios se niegan a participar. Se creen más listos que el resto, pero tarde o temprano admitirán que su inconformismo es una equivocación.” (Escher)

"Un pueblo ignorante es un instrumento ciego de su propia destrucción: la ambición, la intriga abusan de la credulidad y de la inexperiencia de hombres ajenos de todo conocimiento político, económico o civil; adoptan como realidades las que son puras ilusiones; toman la licencia por la Libertad, la traición por el patriotismo, la venganza por la justicia". (Simón Bolívar).

El arte de M.C. Escher era pintar lo imposible. En Bolivia, la política es imposible.

La imagen: Subiendo y bajando, 1960. Uno de los trabajos más conocidos de ESCHER cuyo fundamento es una figura imposible original de L. S. PENROSE y R. PENROSE titulada Objetos imposibles: un tipo especial de ilusión óptica que apareció en el British Journal of Psichology, febrero, 1958 (vol. 49). Los monjes de una enigmática orden repiten el ritual de marchar de forma perpetua por una escalera alrededor del claustro del monasterio.

"Los rostros más repulsivos no dejan de ser la imagen del hombre” Bazin

"Quiero fotografiar lo que es maligno" Diane Arbus.

“A través del arte cada cual busca liberar sus demonios particulares. Da rienda suelta a sus preferencias, sus odios. Desata la metáfora de su miseria interior; libera de algún modo sus extrañas pasiones, da cuerpo a sus fantasmas y terrores diurnos, recupera la vigilia con un sol extinto en el alma o con una aurora que a golpe de cuchillo se abre paso por el escenario de la piel.” Dice Carlos Yusti antes de empezar a hablar de la buscadora de la belleza convulsiva. Un concepto igual, pero deformado escribía yo mientras trataba de enlazar la vida de algunos malditos alucinados de las letras y la pintura. Brutalmente en el presente artículo todo va relacionado sin querer.

Diane Arbus libero sus demonios particulares, ella uso la fotografía para hacer un autorretrato de su tormento interior. Frente a ella y su cámara desfilaron los desgraciados y/u olvidados ante los ojos de los comunes, ella estaba conciente de aquello -"Creo realmente que hay cosas que nadie puede ver si yo no las fotografío"- viendo su obra uno no es conciente si ella termino consumida por sus personajes de sus ultimas fotografías o fueron ellos, sus personajes, los que terminaron siendo consumidos por ella.

“Arranca un rictus de desprecio aquel que es más alto (King Kong o el gigante judío), más pequeño (el increíble hombre menguante o los enanos rusos), el deforme (el adolescente motero de Máscara o el enano mexicano), el que nace por partida doble (las siamesas de El resplandor son una cita a las de Arbus) o incluso tener alguna facultad poco común (el hombre que tenía rayos X en los ojos o la tragasables). La singularidad y la malformación física son una constante en el Universo Arbus. Pero aquí los enanos, jorobados u hombres sin cabeza son reales.”

Por su cámara pasaron deformes, siamesas, lunáticos enmascarados, travestís, enanos, gigantes y enfermos mentales, aquellos seres que pueblan Freaks de Browning, monstruosos, pero también pasaron los “otros” como el viejo literato ciego como Jorge Luís Borges, un inocente bebe ausente y una pareja de enamorados pero Diane Arbus saco incluso de ellos aquella monstruosidad -“Fotografiado por Diane Arbus, cualquiera es monstruoso" (Susan Sontag)- en un sentido algo extraño, con capacidad de forense desnudaba el psiquis oculto de los retratados, la suya y la nuestra, produciendo intencionadamente “temor y vergüenza” a primera impresión.

Arbus quiso, talvez como David Lynch en su retrato cinefilo del hombre elefante, hacer saber que también nosotros somos monstruos, que los momentos más inhumanos y repulsivos no son precisamente al ver un desfile de fenómenos. Buscar a esos olvidados de la vida que para Arbus fueron gente sobresaliente de una sociedad que los hace ver marginales: “Simplemente, solía adorarlos. Aún adoro a algunos de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, ellos me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los/as freaks. Como esa persona que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo pasar por una experiencia traumática. Los Freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba. Son aristócratas.”

Diane Arbus se suicida en 1971, el mismo año en que Kurosawa lo intenta y Pier Angeli lo consigue. Perseguida por quien sabe que pensamientos y que demonios, –permitiéndonos recordar a aquel otro fotógrafo suicida contemporáneo, Kevin Carter y su fotografía inhumana- puede que sea por soledad, por una soledad tan fría y atenazada en lo más profundo de su ser que no pudo sobrellevarla. Se hundía, ne