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Nadie jamás ha muerto de la manera en que Steve Jobs está muriendo. Otros han muerto de cáncer. Otros han muerto bajo la mirada pública. Puede que otros hayan muerto incluso a lo largo de sucesivas entregas públicas, y que cada una convertida en declaraciones a partes interesadas como empleados y accionistas. Pero nadie ha muerto jamás con la inexorable lógica de su muerte alimentando una lógica de expectativa que él mismo ha vuelto inexorable; que él mismo ha creado y erigido.

Otros hombres han tenido que decirle al mundo que se están muriendo. Steve Jobs debe decirle que está muriendo a un mundo que se está muriendo por saber cuándo saldrá finalmente el iPhone 5.

Esto no quiere decir que no lo amemos. Esto quiere decir que lo amamos por haber reescrito el lenguaje del progreso tecnológico. Antes de Steve Jobs, se entendía que el progreso de la máquina era principalmente mecánico –que era de la máquina misma antes que de la gente que lo soñaba para que lo fuera–. Eramos arrastrados hacia el futuro por la Ley de Moore, la duplicación de la capacidad del chip de computadora que se repetía cada dos años. Era milagroso pero inhumano, una ley del hombre que tenía la fuerza inmutable de una ley de la naturaleza, y el hombre que fue su principal beneficiario, Bill Gates, la honró haciendo productos milagrosamente inhumanos.

Eso terminó cuando Steve Jobs regresó a Apple en 1997 y comenzó a hacer computadoras en colores cancheros como preludio para la fabricación de computadoras que eran realmente cancheras. De ahí en más, ya no íbamos a ser arrastrados hacia el futuro por incansables y despiadados circuitos y una compañía que dependía de violaciones de las leyes antimonopólicas; íbamos a ser guiados por un hombre que sabía cómo proveernos un interés arraigado en nuestro propio progreso, que sabía cómo hacer que el progreso pareciera una cuestión de elecciones, que sabía cómo describir el progreso en el lenguaje coloquial que queríamos usar, que era el lenguaje de la niñez. Por supuesto, llevó un tiempo. Pero Steve Jobs usurpó la autoridad cultural de la Ley de Moore, y con ella la idea de que el progreso tecnológico era algo que ocurría tanto inevitablemente como por fuera de nosotros. El progreso era inevitable, OK, pero porque nosotros lo quisimos así; porque nosotros, como él, queríamos cosas que fueran impecables y asombrosas y cancheras. Podemos decir que Steve Jobs humanizó el progreso tecnológico, que hizo que pareciera un producto de nuestros deseos al asimilarlo a nuestro deseo de productos. Pero es más decir que fue y siempre será el hombre que nos devolvió nuestros juguetes.

Ahora que ha renunciado a su cargo de jefe ejecutivo de Apple, con un anuncio que remite tenebrosamente a los anuncios de los que hemos llegado a depender, esos anuncios que hacía Steve Jobs de esa cosa nueva que va a ser la próxima gran cosa: “Siempre he dicho que si alguna vez llegaba el día en que no pueda cumplir con mis obligaciones y expectativas como director de Apple, sería el primero en hacérselo saber. Desafortunadamente, ese día ha llegado”.

“Desafortunadamente” es la clave en esta frase, por su fatalidad. Steve Jobs ha construido una carrera consistente elevando las expectativas y luego satisfaciéndolas, diciendo “y una cosa más” y luego develando la cosa que él consideraba esencial. Bueno, acá es igual, excepto que su uso de la palabra “desafortunadamente” es el “y una cosa más” de un hombre que se está muriendo.

Más que ningún otro proveedor de productos tecnológicos, Steve Jobs ha traducido con fluidez su alma a las máquinas destinadas a ser inmortales incluso cuando son más eternas que un capricho consumista. Ahora, al mismo tiempo que el lenguaje de la inmortalidad tecnológica se está volviendo más explícito que nunca –cuando se encuentra listo para subirse a sí mismo y a su compañía a “la nube” con su promesa de archivos digitales respaldados para siempre por tecnología que no tiene fecha de vencimiento– queda varado, como Moisés, en la tierra del cuerpo, y en su tránsito inevitablemente fugaz. “Y una cosa más”, dice, sólo que esta vez no hay iPod o iPhone o iPad o iCloud a continuación. Sólo queda esta súplica no pronunciada, mientras su cuerpo cambia dentro de su aún invariable uniforme de camisas negras y jeans: Estoy muriendo.

Siempre hay alguna gran cosa nueva en la tecnología. Steve Jobs nos ha enseñado eso, nos ha entrenado para esperarlo y exigirlo. También hay siempre una próxima gran cosa en la enfermedad y la muerte. También nos está enseñando eso. Se trata, por supuesto, de una lección que ha sido enseñada igual de bien por cada ser humano que ha caminado sobre este planeta. Pero puede que Steve Jobs, que ha hecho más que nadie por volver posible la idea de una “vida digital”, tenga una última lección para nosotros, al participarnos de su muerte digital. La lógica de la tecnología ha sido siempre ofrecida en respuesta a la lógica de la mortalidad; y resulta que es la misma lógica, la lógica del avance inexorable. Resulta que la lógica de la Ley de Moore tiene su análogo biológico en la lógica del cáncer, y por lo tanto todavía reina. Steve Jobs, en su carrera en Apple, nos recordó que el progreso tecnológico no es otra cosa que una invención humana, sujeta a esperanzas y sueños y elecciones humanas. En su renuncia, terrible y conmovedora tanto por lo que admite como por lo que omite, nos recuerda que la tecnología no responde a la muerte tanto como comparte su preferencia por el movimiento hacia adelante.

Tenemos esperanzas y sueños; quizás incluso cambiamos el mundo logrando que la gente espere y sueñe que el iPhone 5 salga en septiembre. Pero al final, lo que hacemos en realidad no es elegir demasiado acerca de nada. Lo que hacemos es sucumbir.

El cuerpo eléctrico (Tom Junod)

Lea también: Murió el genio de la manzana - BBC.

"La verdad os hará libres" (Juan 8,32) citado en la pagina web dedicada, por la vicepresidencia del estado plurinacional de bolivia, a revelar los cables secretos del departamento de Estado de los Estados Unidos referidos a Bolivia.

La ciencia y la tecnología configuran una de las religiones profesadas por el hombre moderno, la máquina materializa al ídolo de ese culto y el relato de ciencia ficción es, o fue, una de sus escrituras sagradas. Desde fines del siglo XIX y hasta la actualidad, el rumbo de la ciencia ficción corrió en paralelo al de la ciencia y la tecnología modernas, en un vínculo que tuvo y tiene menos de determinación y predicción que de mutuas influencias. Han sido varios imaginarios de la ciencia y la tecnología que han sido representados por la ciencia ficción según la época, desde la segunda mitad del siglo XX, los desarrollos asociados a la informática, crearon nuevos terrenos para la ciencia ficción.

Y llego el siglo ficcional por excelencia, los finales del siglo XX e inicios del XXI, y los mayores sueños que la ciencia ficción nos ofrecía quedaron dentro del terreno de lo onírico, nada de máquinas interestelares que extienden el alcance humano, ni máquinas que imitan a la perfección al hombre, ni programas informáticos capaces de crear un Apocalipsis, y mucho menos la interiorización de la máquina en el cuerpo humano y su consecuente reconfiguración de la realidad, el siglo XXI y su herencia ficcional venia cercenada.

Pero tenemos el Internet, “la red” omnipresente/omnipotente, y tenemos a Julian Assange, la irreverente Wikileaks, el viejo orden establecido y los Anonymous, para crear casi en ficción, casi en serio, la primera guerra cibernética de la que solo el futuro inmediato podrá decirnos como termina. Hubo escaramuzas antes - El mundo, se nos dice, siempre está en medio de una revolución, el Internet siempre se movía (la relación tradicional entre la autoridad política y la voluntad popular está patas arriba), el activismo social/político (Estonia 2007: hacktivismo), las revoluciones (Revolución Twitter de Moldavia 2010), las micro batallas (Iran 2009: La ciberguerra contra el gobierno reelecto), etc.-pero esto es en serio.

La filtración que la semana pasada que dejó al descubierto unos 250 mil cables secretos del Departamento de Estado de Estados Unidos, fueron el inicio, fuera de ello que de porsi se presta para un conflicto internacional entre la potencia Norteamericana contra sus detractores, se lleva un conflicto paralelo, WikiLeaks comenzó a sufrir ataques DDoS cuando anunció que publicaría cables diplomáticos de EE.UU. Posteriormente su proveedor de dominio suspendió su cuenta alegando que recibía demasiados ataques lo que ponía en riesgo su servicio a otros clientes. Amazon dio de baja el dominio wikileaks.org por motivos contractuales. En el mundo financiero MasterCard y Visa se sumaron al bloqueo, después le desconectaron PayPal por violación de contrato. El banco le cerró la cuenta a Julian Assange por no declarar correctamente su domicilio y lo detuvieron por presunto abuso sexual. Pero más allá de los ataques, la información que el sitio está filtrando parece ser imposible de detener al haber llegado a sitios de intercambio de archivos P2P.

Mientras tanto los Anonymus ponen en línea la ’operación Payback’ "La primera guerra informática ya ha empezado. El campo de batalla es Wikileaks" (…) "Los sitios web que se han agachado ante la presión del gobierno se han convertido en objetivos". El grupo de piratas ha lanzado ataques de denegación de servicio (DDOS) para sobrecargar la web de Mastercard y VISA y dejarlas inservibles. Antes, habían atacado la web del banco suizo Postfinanc, en represalia por el cierre de los medios de pago a Wikileaks, según varias fuentes citadas por France Presse. Ya han anunciado que el siguiente objetivo puede ser la web de servicios de pago por Internet Paypal (En su defensa, la dirección de Pay Pal aduce que ha recibido presiones del Departamento de Estado para impedir que los pagos lleguen a la organización de Assange) y la red social Twitter, por censurar los términos #wikileaks, #assange y #cablegate (la culpa de que Wikileaks no aparezca entre los temas más mencionados de Twitter del día es del algoritmo, dicen). La intolerancia del viejo orden. La respuesta fue despiadada, coordinada y potencialmente vasta, y contiene duras lecciones para todos aquellos a los que les importa la democracia y sobre el futuro de la red.

Como ven, tenemos nuestra propia guerra cibernética atemporal, recuperando un futuro prometido en la ciencia ficción (cyberpunk, cibernético, apocalíptico y sumamos), lo mas cercano a lo imaginado por Harlan Ellison, que puede terminar al pie de este articulo o según se presenten los acontecimientos desembocar, además, en un conflicto bélico mundial (se me ocurren muchas ideas) seguramente va a aumentar la seguridad electrónica y los hackers incrementarán la intensidad tecnológica del hackeo. Como sea de acá en adelante es, por lo pronto, terreno abierto para una perfecta historia de ciencia ficción.

Un detalle, el día de su captura, apareció un artículo de Julian Assange publicado en el diario The Australian donde Assange negó en su columna que sostuviera una postura antibélica: “A veces, las naciones necesitan ir a la guerra y hay guerras justas. Pero no hay nada peor que un gobierno le mienta a su población acerca de esas guerras y después les pida a los ciudadanos que pongan sus vidas y sus impuestos al servicio de esas mentiras. Si la guerra está justificada, entonces díganle la verdad a la gente y que ésta decida si la apoya”. Dirigido, claro, pero también otra vertiente para ficcionar.

“Yo jugaba muy bien, era una maravilla, pero sólo de noche, mientras dormía” Eduardo Galeano.

“No conozco muchos jugadores que puedan hacer un gol así. Fue de PlayStation”, dijo, resignado, Arsène Wenger. Era la primera vez que un director técnico al no encontrar una razón coherente en el mundo real, usaba el playstation como explicación a lo visto esa tarde: Messi acababa de hacerle cuatro y su Arsenal se despedía de la Champions League 2010 bailado por el Barcelona. En Konami habían invertido una millonada para que Lio aceptara ser la cara del Pro Evolution Soccer (2009, 2010, 2011… las portadas se repiten con Messi vestido de blaugrana). El 10 de Diego o Pele nunca había tenido un sponsor tan genuino hasta ése entre el mejor futbolista del mundo y el mejor juego de fútbol.

Los tiempos cambian y el playstation ha venido a reemplazar al futbolín como el juego que resume las pasiones futboleras y las pone en la palma de nuestras manos, las formas son otras: los jugadores de plomo se han cambiado por figuras digitalizadas que tienen idénticas características, en píxeles, a los jugadores reales; la disposición táctica ha dejado ser igual para todos (1-3-4-3) para pasar a un amplio menú de opciones que te pone en la piel de un director técnico capaz de mover la formación según gusto propio, planificar jugadas a balón parado, estrategias defensivas o de ataque, entrenamientos, fichajes, etc; el rectángulo de juego permanece, pero los estadios son replicas exactas de los reales; el clima juega, también la densidad y la presión atmosférica, la altura (¿La pelota no dobla?) y si porsiacaso antes la no presencia de nuestros equipos nacionales, salvo en versiones apócrifas, nos obligaba a la identificación con otros clubes, el PES 2011 ha incluido la posibilidad de jugar la Copa Libertadores con equipos latinoamericanos: Blooming, Bolívar y Real Potosí, entre los de estas tierras. Y entendiendo al fútbol como un fenómeno social, ya un año atrás aparecía la selección Boliviana en el PES 2010 por primera vez en las ediciones de Konami después de aquel triunfo frente a Argentina por 6 – 1, porque si bien el escritor boliviano Ramón Rocha Monroy decía, que una de las cosas más importantes que hizo Evo Morales y su gobierno fue poner al país entero en un diván, aquella goleada histórica le sirvió al fútbol boliviano ser parte de la coyuntura mundial en el terreno futbolero.

Queda claro que al apostar por la hiperrealidad, y aun en una versión digital, a los equipos bolivianos se les hace difícil la victoria con la selección o copa Libertadores y el robar un punto de visitante se hace una hazaña, pero incluso con esas dificultades (lo bueno de la virtualidad: si nuestro equipo pierde, siempre se puede “jugar de nuevo”) el ver a un equipo Boliviano haciendo un fútbol de ensueño, se hace mas cercano y mas aun saliendo campeón de la libertadores que aunque sea virtual se la disfruta.

Porque este juego es sólo una representación de la vida, de ese deporte que no podemos olvidar porque está allí omnipresente. Porque este virtualismo de una pasión basada en un balón, pasa por un filtro que desecha la politiquería enraizada en el fútbol, los manejos sucios, los jugadores pechos fríos y los otros alcohólicos, de partidos aburridos o de desclasificaciones injustas, este fútbol virtual está allí para reafirmarnos sobre el césped o para ser Maradonas, Peles, Etcheverrys o Ugartes, no en sueños, sino en una versión paralela, casi real.

El Pro Evolution Soccer 2011 (o Winning Eleven 14) salio a la venta el 30 de septiembre disponible para PC, PS2, PS 3 o Xbox 360. En Bolivia, PES es uno de los títulos más vendidos y existen campeonatos anuales. PES 2011 viene con la licencia oficial de la UEFA Champions League, UEFA Europa League y la Copa Libertadores con equipos latinoamericanos que cuentan entre sus filas a los equipos bolivianos de Blooming, Bolívar y Real Potosí.

Agradecido por la informacion e imagenes: Pcgames Bolivia.

En Bolivia, hoy 23 de marzo, se recuerda una tragedia colectiva, me parece que nuestra tragedia colectiva es mas una suerte de ejercicio de masoquismo, el cual estamos condenados de recordarlo cada año en medio de una borrachera de patriotería. Hoy me remito a Mario Benedetti para hacer de una tragedia un cuento y de un cuento, una mentira deliciosa que invita a sueños mitologicos.

Nunca he podido confirmarlo, pero dicen que en plena guerra de Las Malvinas le preguntaron a Borges qué solución se le ocurría para el conflicto, y él, con su sorna metafísica de siempre, respondió: “Creo que Argentina y Gran Bretaña tendrían que ponerse de acuerdo y adjudicar las Malvinas a Bolivia, para que este país logre por fin su salida al mar”.

En realidad la ironía de Borges (siempre que la cita sea verdadera) se basaba en una obsesión que está presente en todo boliviano, ese alguien que siempre parece estar acechando el horizonte en busca del esquivo mar que le fue negado. Tiene el Titicaca, por supuesto, pero el enorme lago sólo les sirve para que crezca su frustración, ya que en vez de conducirlos a otros mundos, sólo lo conduce a sí mismo.

De todas maneras, cuando algún boliviano llega al mar, aunque éste sea ajeno, siempre se trata de un blanco, nunca de un indio. Hubo un indio, sin embargo, nacido junto a las minas de Oruro, que por un extraño azar pudo alcanzar el mar prohibido.

Debió ser un niño simpático y bien dispuesto, ya que una dama paceña, que estaba de paso en Oruro y pertenecía a una familia acaudalada, lo vio casualmente y se lo trajo a la capital, allá por los cincuenta.

Rebautizado como Gualberto Aniceto Morales, aprendió a leer y aprendió a servir. Y tan bien lo hizo, que cuando sus patrones viajaron a Europa, lo llevaron consigo, no precisamente para ampliar su horizonte sino para que los auxiliara en menesteres domésticos..

Así fue que el muchacho (que para entonces ya había cumplido quince años) pudo ir coleccionando en su memoria imágenes de mar: desde la tibieza verde del Mediterráneo hasta los golfos helados del Báltico. Cuando al cabo de un año sus protectores regresaron, Gualberto Aniceto pidió que lo dejaran viajar a su pueblo para ver a su familia.

Allí, en su pobreza de origen, en la humilde y despojada querencia, ante la mirada atónita y el silencio compacto de los suyos, el viajero fue informando larga y pormenorizadamente sobre farallones, olas, delfines, astilleros, mareas, peces voladores, buques cisternas, muelles de pescadores, faros que parpadean, tiburones, gaviotas, enormes trasatlánticos.

No obstante, llegó una noche en que se quedó sin recuerdos y calló. Pero los suyos no suspendieron su expectativa y siguieron mirándolo, esperando, arracimados sobre el piso de tierra y con las mejillas hinchadas por la coca. Desde el fondo del recinto llegó la voz del abuelo, todavía inexorable, a pesar de sus pulmones carcomidos: “¿Y qué más?”.

Gualberto Aniceto sintió que no podía defraudarlos. Sabía por experiencia que la nostalgia de mar no tiene fin. Y fue entonces, sólo entonces que empezó a hablar de las sirenas.

(La sirena viuda y otros cuentos, Buenos Aires, Alfaguara, 1999)

Lea tambien: Eduardo Avaroa: Un héroe revisitado.

“Songs and music have always inspired me” (Bob Dylan).

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Las personas por mucho tiempo se han preguntado que ronda por la cabeza de Bob Dylan y en esta curiosa infografia realizada por Andrew Nimmo y Beth Bartholomew, podemos aproximarnos a la mente del enigmático músico.

Para realizar la infografia se han basado en el programa de XM satellite-radio, Theme Time Radio Hour, dedicado a Bob Dylan donde catalogan, en cada episodio, una serie temas que van desde los artistas favoritos que tiene Dylan, sus sueños, las referencias de películas, poetas, canciones, escritores, series televisivas y otras rarezas. Vanity Fair ha construido, en base a ello, un retrato revelador de todas aquellas ideas que rondan la cabeza de Bob, el músico más enigmático de la escena musical. Ademas en su pagina, hay una lista exhaustiva de las ideas plasmadas en la infografia, un deleite para el buscador de enigmas y seguidor de Dylan mil caras.

Y claro, una sugerencia, impriman la imagen y si alguien consigue una copia del programa pues acá hay alguien que agradecerá en demasía una copia.

Lea también:
Mas Bob Dylan’s.

“Un pueblo ignorante es un instrumento ciego de su propia destrucción.”
Simón Bolívar.

Decía Aristóteles que el hombre, por naturaleza, es un animal Político. Por ello siempre se me dio sobre el opinar y escribir sobre político, lastimosamente a pocos meses de abrir el blog, me di cuenta que además de recorrer en un tema muy espinoso, el hablar de política de aquellos años (2004) hasta ahora hubiera sido prácticamente un arte banal. No creo haberme equivocado al borrar a los meses de iniciado el blog el tema de política, era estúpidamente predecible que aquella ciencia iba a ser la comidilla de muchos blogs en el futuro y no me equivoque. Por eso me jure escribir lo absolutamente necesario y creo que ahora vale, por el momento que pasa mi país.

Hace poco mas de una semana, varios desaparecidos y 15 muertos fue el saldo de un enfrentamiento entre partidarios autonomistas y campesinos que apoyan a Evo Morales, la información ha dado vuelta al mundo y en Bolivia particularmente los medios de comunicación, que han pasado a ser una extensión del Gobierno y/o de la oposición, nos han vendido información de todo tipo tratando siempre de inclinarse a un bando y tomar partido, fruto de ello la imparcialidad ha pasado a ser una utopía por estos lares y por salud mental, vale la pena abstraerse de medios de comunicación polarizados que alientan a la ignorancia.

En base a eso, les dejo el informe de “Caiga Quien Caiga” (CQC), el programa Argentino que de la mano de su periodista Diego Iglesias, hizo 6000 kilómetros hasta el Departamento de Pando en Bolivia para hacer una crónica de lo sucedido. El video dura menos de diez minutos y en base a información critica e irónica el reportaje se nutre de opiniones de personas indígenas y partidarios de Evo Morales y también de cívicos, autonomistas y partidarios de los gobiernos regionales, todos habitantes del lugar. Irán notando en las entrevistas los discursos repetidos, de ambos lados, que parecen ser salidos del mismo manual, unos con mas incongruencias que los otros, les invito a darse cuenta cuales. Los minutos finales del reportaje me parecen esenciales. En todo caso, si buscamos imparcialidad esto debe parecerse mucho a ella.

En Video: Crisis Boliviana – Caiga Quien Caiga Argentina (CQC – 22/09/2008)

“Bolivia a caído en los últimos años en una crisis galopante que ha sacado a relucir lo peor de los habitantes del país. En una especie de caja de Pandora los males han brotado por donde quiera que uno pueda posar los ojos, saturando en los últimos años las paginas mas negras de la historia de Bolivia en donde fácilmente podrían hacer una postal el racismo, el odio, la masacre, el desgobierno, la ausencia de poder y la perdida de los mas básicos principios de derecho. De la mano de ello palabras como Paz y dialogo han perdido su valor junto con la palabra imparcialidad que ahora ya parece ser una utopía. Es quizás por ello que la mas descarnisada guerra se desate en los medios de comunicación en donde el servicio a la comunidad ha desaparecido y ambos bandos han tomado partido creando así una desinformación que en este punto se hace caótica y tomando aquel concepto de que los medios influyen en la audiencia, la polarización se va expandiendo en un país que parece estar lejos de encontrar la solución a problemas que datan de siglos y hasta ahora parecen emerger. Mafalda, la de los comics, decía: "Todos creemos en el país, lo que no se sabe es si a esta altura el país cree en nosotros" ¿Creerá nuestro país, Bolivia, en nosotros?”

He decidido desempolvar objetos olvidados…

Perder un disco duro y con el, la información acumulada por largo tiempo, entre artículos, libros digitales, joyas músicales, fotografías e ideas generosas esperando ser terminadas, me ha causado un bajón más, en una etapa que pareciera dantesca en lo personal. Y como para plasmar aquellas bizarras ideas en el blog, tenían en la información digital uno de sus pilares fundamentales, esto ayudara a la bitácora a caer en una etapa de receso obligado por las circunstancias. Aun así, estaremos escribiendo con más frecuencia que los últimos meses, valiéndonos de herramientas olvidadas en rincones desconocidos, esperando que la fortuna nos empiece a sonreír y que alguna ex-novia psicótica deje de ponerle alfileres a una representación mía.

Colaborando con la fortuna, me dedicare a aceitar la maquina de escribir, a limpiar la vieja cámara fotográfica, a llevar la libreta de notas y un lápiz en todo momento y a no dejar las cintas sonoras al sol. Todo esto mientras mis conexiones a la “hipermegared” no pasen de lo absolutamente necesario entre tanto le pierdo la fobia a la tecnología y las computadoras.

Si el año pasado las celebraciones de este blog eran poco mas de una queja sobre los pocos artículos escritos, los problemas con blogia y los más inconvenientes que no me dejaban escribir. Este año me he dado cuenta que soy muy humano y por consecuencia mis problemas son mas humanos y complicados de los imaginados.

Pero aun así escribimos, siquiera mensualmente para no dejar desierto este blog, que aunque es algo muy superficial no vaya desapareciendo como muchas cosas que se me van quedando atrás, además de haberme dado satisfacciones y gente con la que he podido compartir similares gustos y opiniones y la otra la que simplemente ha alentado, con sus criticas, mis ganas de plasmar poligrafías en el blog.

Han llegado los fabulosos cuatro años de este blog, con la alegría particular de que 1077015 seres, entre humanos, extra planetarios, animales inteligentes, robots experimentales y buscadores extraviados nos han visitado.

Con resaca de un diciembre en total abstinencia, una fiesta de miniaturas con grandes anhelos y unos carnavales donde lo menos que hice fue rendirle culto a la carne; volvemos después de unas semanas con pierna de yeso de escasas de firmas y una tortuosa medicación fruto de disputas futboleras que harían revolcarse de dolor al mismo Maradona.

El hombre para despertar lo mejor que lleva dentro necesita de otros hombres que le despierten lo que puede llegar a ser. ¿No necesitan acaso los leños de un fósforo? En el pasado se llamaba a estos parteros de individualidades recios modelos de vida. Yo prefiero llamarlos hombres luz: individuos que con su palabra y su ejemplo nos exigen sobrepasar nuestras inercias y mediocridades. Al ser más que nosotros nos empujan a ser mejores.

Así como toda cerilla requiere de una superficie adecuada para encenderse, el hombre requiere de hombres más grandes que él para echar lumbre. Lastimosamente, hoy vivimos el eclipse de los grandes hombres. Tal vez se deba a que hemos cambiado por cuarenta monedas de plata la literatura por la televisión y el (mal) cine. Desde ese momento gris, nuestras cabezas se han introducido en cavernas sombrías, porque nos ocultan entre mil sombras vanas aquél que podemos ser.

Por decirlo claro y rápido. Los modelos de hoy, Superman, Batman, Rambo, Spiderman… desplazaron a los de ayer, Jesucristo, Buda, San Francisco de Asís, Tolstoi, Goethe, Leonardo da Vinci, Sor Juana Inés de la Cruz, Franz Tamayo, Adela Zamudio... Por tanto, ¿qué hombres habremos de cosechar? La respuesta no se deja esperar: seres mediocres y sin verdadero calado interior. Hombres que son la sombra de quienes pudieron ser si se hubieran fijado detenidamente en algo más elevado.

Ideales medianos, hombres medios. Esta es la situación existencial que se presenta ya avanzado el siglo. Vemos mudar los hombres águila que nos llevaban por las alturas y vemos surgir los hombres escarabajo que nos precipitan a la mediocridad. Desoladora constatación: la sociedad se ha convertido en una gigantesca fábrica de enanos. Y si lo son, es porque no aspiran a ser más. No hay mayor desgracia que un hombre contento consigo mismo: se resignó ser algo más grande.

“Toda vida verdadera es encuentro”, dijo Martín Buber. El hombre es una caña y un anzuelo, depende de qué tan lejos tire la caña, para lo que vaya a pescar y con lo que habrá de alimentarse. Hoy, hemos dejado la caña en la cesta de basura y pusimos nuestros ojos, con indolencia y sin lucidez, en la televisión. No cabe duda de que no hemos llegado a ser ni mejor ni peor que la “quinta pared” de los hogares modernos: nuestro más íntimo espejo.

Los hombres luz, mientras tanto, descendieron a sus tumbas, encontrando en el silencio mejor compañía que la nuestra. Están a nuestra espera, nos ofrecen trocar el kitsch en que hemos convertido nuestras vidas en una renaciente epopeya. ¿Pueden oír aún nuestros oídos? ¿Queda todavía un resto de espíritu en nosotros para escalar nuevas cumbres? ¿Hay auroras que esperan dormidas a renacer?

Es imperativo traer desde los mausoleos de la historia y rescatar desde la plataforma del presente la figura de grandes mujeres y hombres, no por su estatura física ni por sus ambiciones de poder; sino porque siendo iguales a nosotros son mejores que nosotros. Aquellos que se cruzaron por nuestros caminos y que en nuestra ceguera no alcanzamos a ver.

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La Ciudad de los anillos - Santa Cruz, Bolivia (Google Maps).

La ciudad de Santa Cruz se expande como una onda lo hace cuando una piedra es tirada al agua, la onda es desigual y se expande en un manto verde que se va perdiendo según los círculos “amorfos” se dispersan y toman como color predominante el marrón y el plomo, del progreso y la modernidad.

La disposición de la ciudad me encanta, es quizás una de las pocas en el mundo o quizás la única que se base en círculos concéntricos que hasta poéticamente los denominamos anillos. Vista desde el cielo la mancha urbana de Santa Cruz se presta para grandes ficciones, desde cofradías secretas que se mueven en los subterráneos de un primer anillo; hasta moverse en el terreno del mito por sus características únicas que hacen imaginar que la ciudad le debe aquella posición a una estratégica posición en el universo, donde seres extraterrenales la tienen como punto referencial.

Desde el cielo la ciudad de Santa Cruz es tan irreal que me encanta y me alucina hasta tener que escribirle relatos inconclusos, tan disímil a la Santa Cruz del suelo que en su geografía monótona me aburre y me empalaga y solo encuentro en su primer anillo un soplo de historia e imaginaria que me llena de una linda envidia.

Abdón Porte defendió la camiseta del club uruguayo Nacional durante más de doscientos partidos, a lo largo de cuatro años, siempre aplaudido, a veces ovacionado, hasta que se le acabo la buena estrella.

Entonces lo sacaron del equipo titular. Esperó, pidió volver, volvió. Pero no había caso, la mala racha seguía, la gente lo silbaba: en la defensa, se le escapaban hasta las tortugas; en el ataque, no embocaba una.

Al fin del verano de 1918, en el estadio del club Nacional, Abdón Porte se mató. Se pegó un balazo a medianoche, en el centro de la cancha donde había sido querido. Estaban todas las luces apagadas. Nadie escucho el disparo.

Lo encontraron al amanecer. En una mano tenía el revólver y en la otra una carta.

La tragedia poética quedo plasmada en algún libro olvidado que recuerda anécdotas futbolísticas, el mismo que desde hace un tiempo se hace espacio entre sus párrafos para el Camerunés Marc Vivien Foe que cayo, como fulminado por un rayo, en Junio del 2003 en plena semifinal de la Copa Confederaciones en Lyon, todo eso mientras nuestros incrédulos ojos veían en vivo y en directo aquella tragedia. Tiempo después cayeron desplomados en plena cancha el húngaro Miklos Feher, a principios de 2004; y del brasileño Serginho a fines del mismo año.

Aquellas imágenes trágicas parecían habérsenos olvidado cuando volvimos a ver como el español Antonio Puerta se desvanecía en nuestras pantallas hace algunos días. Y desde la reciente de muerte de Puerta, otros 3 futbolistas han muerto en pleno campo de juego, quizás fruto de dolorosas coincidencias pero que no dejan de marcar el alma de un hincha del fútbol que ve con impotencia como aquellos genios simplemente humanos dejan de ser.

El poeta dirá que murieron en su ley, en un campo de juego. En el césped y entre las tribunas que tantas alegrías les dieron y donde tanta magia crearon, pero aun así no se puedo dejar de sentir una tristeza infinita…

Aun mojado, cuando la luz le azoto el rostro, el niño pensó:

-Hoy nació la melancolía al golpe hondo de los tambores de otoño. La piel de adentro descansa ya. Quizá lloro demasiado junto a mí. No es la primavera de mi vida y como no hay mar, las naves no surcan por mi sangre, No, ya no habrá el tranquilo cuarto oscuro donde descansar mi amor.

Hoy la muerte, brava y tierna, partera de la vida, me ha sellado las puertas. El tabaco era sano, ella fumaba. Hoy es ajeno el aire que respiro sin manguera. Hoy es el fin de las pulsaciones en mis tripitas. Como una rosa seca de regalo, me han entregado a la insoportable claridad. Se acabo.

Hoy ha ganado la vida, que es una gran casa deshabitada.

El niño cerró los ojos y murió sin miedo.

El medico dijo:

-Apenas lo sacamos del útero empezó a llorar, incluso antes de que le hubiera dado la palmada. Un llanto desgarrador, como si algo le doliera en el alma. Luego callo y nos miro a todos, incluyendo a su madre, fijamente y por mucho rato. Murió en silencio. Pobre madre, esta desconsolada.

Ir desde la cama al living, con un plato de tallarines bien servido sobre la diestra. Dejar, como al descuido, que uno de estos caiga lentamente, sin desprenderse del plato, adhiriéndose con elegancia a una de las patas de la cama. Dibujar una danza domestica con los fantasmas de Husserl y Brentano, mientras el filamento de pasta prosigue su carrera entre la cama y el plato, envolviendo el imán en forma de manzana que adorna la puerta de la heladera y poniéndole bigotes a la presentadora que anuncia las noticias desde el viejo televisor NEC. Suspender el juicio ante el despliegue fenoménico del tallarín, que ya comienza a momificar a la abuela en su mecedora, después de haber hecho lo propio con el perro salchicha y la jaula de los canarios. Tejer, en suma, una intrincada telaraña de pasta (No prevista por Marco Polo a la hora de su importación gastronómica) que todo lo envuelva y que opere una extraña mimesis con esa otra red epistémica que une a seres objetos, y en la que navegan o naufragan nuestros sentidos…

Pintarnos el rostro para la guerra con restos de salsa y queso rallado, antes de quedar inmóviles como marionetas entre la maraña de tallarines.

Esperar sosegadamente, en riguroso silencio, la manifestación de la-cosa-en-si agazapada tras la masa omnipresente. Aguardar dos, tres, cuatro horas, hasta comenzar a sospechar que esencia alguna se esconde tras la profusión de apariencias. Descubrir, en un rayo de intuición, que los bultos adivinados bajo los tallarines (la abuela, el perro, la jaula de los canarios) no son en realidad más que ondulaciones casuales, fantasmagorías creadas por su caótica acumulación.

Gritar de horror o desesperación, gritar por calculada crueldad, mientras despedazamos con uñas y dientes la telaraña, sin encontrar nada debajo.

Sentarnos entre los restos del zarpazo gnoseológico, en el vació recién elevado; exhalar la histeria al tiempo que otra certeza aun más atroz nos invade: la del mundo como un páramo desolado, igualmente emboscado en su sistema de apariencias. Buscar, en un último gesto y hasta el fin de nuestros días, el improbable principio del tallarín.

Un recuerdo al Maestro Ugarte; otro recuerdo al Negro Fontanarrosa y un cuento futbolero.

Recuerdo aquel día que conocí al maestro Ugarte, el mejor jugador boliviano de todos los tiempos. Yo andaba con mi padre de la mano (lo suficiente chico para entrar gratis al Stadium) a pocas horas de ver un clásico, bordeábamos al gigante Siles y Ugarte venia en dirección contraria con una camisa celeste y unas canas blancas que le daban cierto contraste a su rostro moreno y sus arrugas, mi viejo le grito ¡MAESTRO! como solo aquel fiel de sus jugadas cargadas de magia podía hacerlo, el grito no fue por menos débil, mas de un curioso dio vuelta para ver al que se merecía semejante grito cariñoso. El viejo Ugarte solo atino a levantar la mano, lanzar una sonrisa y devolver el saludo, con la humildad que solo puede hacerlo un genio. Fueron minutos después que mi padre empezó a contarme las historias de Víctor Agustín Ugarte y mediante el, sus propias historias que lo hacían escurrirse por los recovecos del viejo Siles para verlo jugar o buscar algún trabajo con las vendedoras del stadium, que solo era una excusa para ver en lugar de privilegio al mago hacer su espectáculo en el rectángulo verde. Decir que el maestro Ugarte fue piedra angular de aquella seleccion boliviana de 1963 en la Copa America con Bolivia Campeon en condición de invicto, ganándole a Brasil en la final por 4-3 (video, link Youtube) es decir demasiado.

Es por esa razón, en la que yo mismo intercalaba historias de mi padre y las del maestro Ugarte como una sola, que quizás cuando supe la muerte de Ugarte me invadió una tristeza infinita, el mago del balón que había conocido desde los ojos y las historias de mi padre se había ido, el héroe era muy humano y en medio de la pobreza había dejado de existir.

Similar tristeza me causa, ahora, la muerte de otro genio del fútbol, El negro Fontanarrosa, a quien jamás conocí personalmente, pero lo conocí desde siempre gracias a sus historias futboleras. Argentino, pero antes Rosarino como solo su casaca del Rosario Central podría corroborar. Jamás fue un genio con la pelota, era un don que la diosa del viento le había negado, y ante aquellos impedimentos decidió escribir: "Yo llego a escribir de fútbol porque me gusta el fútbol, no porque me guste la literatura. Me gusta la literatura, sí, pero me gusta más el fútbol" (Video entrevista, link). Y como bien dice Gustavo: Hay algo profundamente inteligente en esa frase: en ella hay una razón moral que entiende el arte como celebración de la vida.

Roberto nos ha dejado, el negro y su partida nos han pescado en offside a los que hemos vivido a través de sus historias el otro fútbol maravilloso, lleno de ironías, emoción, dramas y risas, quedamos huérfanos con el solo consuelo de sus letras y sus jugadas magnificas trasladadas al papel. Porque el Negro también ha sido un Ugarte, un Maradona o un Pele, con su incontenible magia y sus incontables golazos.

La Barrera

Un paso más atrás. Dos más atrás. Tres. Ahí está bien. Ya está la barrera formada. Una baldosa más acá. Un momento. Ante todo, sacar las cosas del arco. Hay botellas debajo de la pileta. Ya la otra vez cagó una. Y dos sifones. El blindado no es nada, pero el otro puede reventar, y los sifones revientan y los pedacitos de vidrio saltan y se meten en los ojos de uno. Bien juntas las macetas de la barrera. El arquero muy nervioso. Miguel Tornino frente al balón. Atención. El rubio Miguel Tornino frente al balón. Una mano en la cintura. La otra también. La mano sacándose el pelo de la frente. La transpiración de la frente. De los ojos. Hay silencio en el estadio. Es la siesta. Hasta el Negro se ha quedado quieto. Resignado a ser simple espectador de ese tiro libre de carácter directo que ya tiene como seguro ejecutor a Miguel Tornino, que estudia con los ojos entrecerrados el ángulo de tiro, el hueco que le deja la barrera, la luz que atisba entre la pierna derecha del recio mediovolante de la visita y la pata de portland de la maceta grandota del culantrillo. Un solo grito en el estadio: Miguel, Miguel. El público de pie ante ésta, la última oportunidad del Racing Club cuando sólo faltan dos minutos para que finalice el match. Habrá que apurarse antes de que vuelva a adelantarse la barrera o el Negro insista en morder la pelota y hacerla cagar como el otro día que la pinchó el muy boludo. Sonó el silbato. Habrá que pegarle de chanfle interno. La cara interna del pie diestro de Miguel Tornino, el pibe de las inferiores debutante hoy le dará al balón casi de costado, tal vez de abajo, con no mucha fuerza pero sí con satánica precisión para que ese fulbo describa una rara comba sobre la cabeza de los asombrados defensores, sobre el despeinado pirincho del helecho de la segunda maceta y se cuele entre el travesaño, el poste, el postrer manotazo de la lata de aceite Cocinero que se ha lucido hasta el momento. ¡Tiró Tornino...! y... se hizo mimbre en el aire el arquero ante el latigazo insólito de curva inesperada y con la punta de los dos dedos allá voló la lata a la mierda, carajo que ladra el Negro, sí mamá... sí la guardo... está bien... pero mirá vos cómo la viene a sacar este guacho.

("La Barrera" - Cuentos e historias, Negro Fontanarrosa).

Nos hemos quedado sin otro hincha del fútbol.

Lea También:
Con F de Fútbol y Fontanarrosa.
El imposible adiós a un verdadero grande (Pagina/12).
Que lo Pario / El fútbol según Fontanarrosa (Soles Digital).

El viernes 20 de Julio se ha dado una situación insólita en toda la historia de Bolivia, una congregación de personas que supera lo imaginado. Dicen que fueron poco mas de dos millones y soy reacio a creerlo, aunque claro el exitismo me pueda invocar a hacerlo prefiero apostar por la nada friolera suma de millón y medio. Siempre he dudado de la participación activa de los paceños y no es porque a nadie le interese, es porque siendo la ciudad de La Paz una gran metrópoli que fácilmente roza el millón de habitantes entre viandantes, profesionales, orates, aparaditas, bloggers, músicos y demás juntucha, las actividades se reparten por miles mas allá de la familia y el trabajo, decenas de exposiciones artísticas se ven en una noche, mas allá de los conciertos, presentaciones teatrales y demás actividad cinéfila, aun hay tiempo para el turismo interno y partidos de fútbol que ya sea por la liga profesional o las ligas amateur de los barrios, reparten a los vivientes de La Paz en diversas actividades, encontrando así pocas afinidades comunes que los congreguen en una sola.

Afinidad común que surgió para reunirse defendiendo el lugar de la sede de Gobierno y la Capital política de Bolivia, que hace poco mas de un siglo permanece acogida en la ciudad y que nadie había encontrado motivo suficiente para cuestionarlo, porque bien o mal, el termino de “crisol de la Bolivianidad” se reducía y tomaba forma y lugar en el espacio vital de La Paz y su plaza Murillo. Tomo partido y hago que me duela un poco mas y decir que aun no habían razones para cuestionar la capitalidad política de Bolivia y estaban (y están) lejos de haberlas. Pero resulto que la política nos ha dado un revés y ha encontrado argumentos que aun siendo insuficientes han logrado cuestionar el valor patriótico de La Paz y ahora la historia de mas de 100 años ha sido errónea. Han encontrado a La Paz indefensa ante mi miedo que creía que era solo paranoia, una daga fría clavada por la espalda se ha incrustado en la ciudad, una daga venida de los que aun me niego a creer.

Pero sus hijos le han dado el respaldo, porque paceños, pero ante todo Bolivianos han sabido acudir al llamado pacifico. El cabildo fue multitudinario, jamás imagine ni en mis sueños más patrióticos ver semejante espectáculo. El pecho se infla, al ver la tricolor al aire, porque al fin y al cabo a Bolivia nos debemos, a nuestra bendita tierra. Contengo la lágrima. Las banderas, el cielo, la gente y el Illimani son poéticos, e invitan a escribir los versos más hermosos que se niegan a salir de un no poeta.

Fotos: 20 Imágenes del Cabildo en El Alto, La Paz, Bolivia (20/07/2007) – Link (Álbum Picasa)

Días después vinieron las reacciones, tristemente veo que las palabras unidad de los bolivianos, poco o nada ya valen venida de boca de aquellos miles de bolivianos. Creer en la unidad del país desde La Paz se ha convertido en un pecado, porque desde otros ojos nos hemos convertido en soberbios, dictatoriales y blasfemos con nuestra propia patria, en menos de dos días he visto como La Paz se ha convertido en boca de analistas políticos y dueños de ciudades, en el mal de Bolivia de los últimos 110 años y el dolor de la daga fría lo he sentido en mi propio corazón. La confabulación ha funcionado, el miedo de los separatistas al ver el cabildo se ha cambiado por la sonrisa siniestra al ver como han transformado aquella reunión patriótica, en un acto soberbio visto desde otros ojos y gritado por otras bocas.

He creído en mi patria y por esa razón me he volcado a las calles, como lo haría en aquella desgarradora guerra del gas, he creído que la unidad de Bolivia proclamada desde La Paz podría repetirse en los demás suelos de Bolivia y he cargado mi bandera boliviana a las espaldas, he creído en La Paz y al no tener bandera paceña me he hecho de una polera bolivarista y creo que como yo, muchos aun tiene fe en una Bolivia como una sola y aun creo que La Paz puede ser un órgano vital como los otros 8 de este país a quien nos debemos. Triste será ver surgir viejos odios, viejas heridas del pasado en un tema que solo abrirá una caja de Pandora y cuyos resultados me niego a predecirlos. Mientras los buitres, dueños de ciudades, esperan acurrucados para luego darse un festín.

Traducción: Sobre gustos no hay nada escrito… Xanga / Facebook / Myspace.

En más de una ocasión hemos alabado cada trazo de Jim Borgman y los guiones de Jerry Scott en cada tira diaria Zits, no era para menos ambos nos habían regalado un comic lleno de cotidianidad en la cual nos sentíamos retratados y habíamos encontrado el humor fresco que aun nos podía llegar a sorprender sin caer en el comic cliché que va reciclando humor o en el otro comic donde los autores se escudaban en capas y mascaras heroicas que muy poco referenciaban a una vida normal.

Es gracias a esa muestra de cotidianidad (sin dejar de lado esa harta aproximación a Calvin y Hobbes) por la que Zits se ha convertido en una tira preferida, por el hecho de recorrer cada día los pasos con el que cualquiera puede sentirse identificado y que apropósito puede confundirse con la biografía de cualquiera cumpliendo además esa inexcusable obligación que tiene la literatura de dejar constancia de nuestro paso por la vida. El comic que evoluciona con el entorno real, por así decirlo.

En este mundo hay multi-taskers y mono-taskers / Tú papá, eres un mono-tasker.

Hay que decir que el comic ha perdido algo de la esencia de sus primeras tiras y ha preferido casarse con el Internet y la tecnología en sus guiones para refrescar mucho mas la tira y aunque no sea el único comic, de alto tiraje, que hace referencias a la tecnología y el Internet (ahí tenemos a Baby Blues, Foxtrot, etc) es el que lleva con mayor soltura su relación con las nuevas tecnologías, esto gracias a que su protagonista, Jeremy, es adolescente y va de la mano con la revolución de la tecnología y el Internet (llámese: blogs, spaces, flickr, youtube, ipods, podcast, laptops, PDA, celulares de ultima generación, etc).

Ahí tenemos entonces a Jeremy usando su myspace constantemente, hablando sobre el impacto de la tecnología en sus padres, tenemos al amigo subiendo videos a youtube desde el celular, o comprando accesorios para el ipod, rogando a sus padres una nueva laptop, etc. A contrapartida tenemos a los padres que aun no asimilan que su hijo crece y con el una tecnología que ellos no conocían y por ello la cuestionan a cada tanto (ver películas en minipantallas ¡que ridículo!, no comprenden los blogs, problemas con los celulares cada vez mas pequeños, etc).

La carga irónica no esta de lado y creo que es la base fundamental de la tira en la actualidad, Jeremy en sus primeras tiras tenia sueños de crear una banda de rock, de arreglar su vieja camioneta para dar la vuelta por el mundo, amaba ver las estrellas por las noches, amaba a la novia que no terminaba de comprender y aunque siempre las charlas con sus padres tenían diferentes nortees, ello servia para crear charlas bastante provechosas y hasta filosóficas de la manera de entender el entorno.

Con la llegada del Internet en todas sus formas y de la tecnología en todas sus formas, Jeremy parece hacerse olvidado de aquellos sueños: Cuando sus padres le preguntan como ha estado el prefiere darles la dirección de su blog; las charlas con su novia son mas difíciles y casi siempre los mensajes de texto vía celular son la manera mas simple de comunicación con ella y con sus amigos; el amigo soñador con el que planeaba la banda de rock y los viajes -que fácilmente podíamos confundir con Hobbes (de Calvin y Hobbes)- hace pocas apariciones, reemplazado por el otro amigo tecnológico neo-punk, el mismo que sube los videos a youtube (que generalmente son grabaciones no autorizadas de sus compañeros en situaciones incomodas y estupidas).

La larga distancia en la evolución de la comunicación.

Es por ello que Zits ha sido avasallado por el Internet y la tecnología y es un comic que refleja la cotidianidad, una cotidianidad que hasta hace mucho podíamos darnos el lujo de verla homenajeada por sus gratificantes principios. Pero el comic ha pasado a otra etapa, la etapa en la que muchos nos sentimos identificados. No es que el comic haya perdido la magia de sus primeras tiras, la tira ha evolucionado al lado de la sociedad actual y ahora tiene como base otros principios, consumido por la modernidad y aun así no deja de ser un comic real casi biográfico de toda una generación que evoluciona.

Lea También:
Calvin, Hobbes & Zits: Comic con mezclas de Cotidianidad.

Sucedió en 1993. Eran las eliminatorias previas al mundial de Estados Unidos a disputarse un año después, Bolivia iba empatando con Brasil sin goles en el marcador y faltaban escasos dos minutos y medio para terminar el partido. Rato antes Erwin Sánchez había pateado un penal con tan mala suerte que el balón había ido a parar en las piernas de Taffarel. Los espectadores, con lágrimas en los ojos no podían creer que la sombra de la derrota se cierna nuevamente sobre la patria y unos mas incrédulos en los milagros salían cabizbajos del templo futbolero.

Entonces en una mala salida de Brasil, el balón fue robado por Quinteros y este, como si la desesperación le apurara duro menos en tocársela a Etcheverry. Entonces Etcheverry partió en su odisea personal como un rayo por la punta izquierda, le decían el diablo y como una sombra diabólica se devoro media cancha y media defensa y en la línea final cruzo la pelota hacia la valla brasilera mientras caía, el último aliento para clavar la estocada artera. El balón comenzó su viaje memorable desde la mitad del área grande en la línea final, hasta las piernas de Taffarel que incrédulo veía como el balón le hacia un desplante, le quemaba las manos y se le escurría entre las piernas siguiendo el camino que Etcheverry le marcaba con la mirada. La pelota entro lentamente como si tuviera todo el tiempo del mundo y el segundo entre el túnel a Taffarel y la línea de gol duro una eternidad para todo un país, que veía gracias a ese gol que los inmortales también sangraban.

El gol se llevo cuarenta años de invicto de la selección de Brasil en eliminatorias sudamericanas, pero más aun el gol sirvió para confirmar el mito de David y Goliat. Etcheverry podía haberse caído y hubiera sido penal, pero Etcheverry prefirió crearse eternidad, otro zurdo endemoniado se creaba su propia página de historia en menos de 20 segundos.

El público volvía a creer en los milagros y la nación entera se ponía de pie. Y aunque nadie lo sabia, esa misma tarde la selección boliviana firmaba su clasificación al mundial de 1994.

En Audio: El Gol de Etcheverry narrado por Grover Echeverría (1993)*

Pero semejante poema futbolero hecho al tetracampeon a puro coraje por un hijo de barrio, un cara sucia irrespetuoso, debería ser escarmentada. Los nadies, estaban condenados a ser nadies y por alguna vez querer ser alguienes debían cargar con sus consecuencias y la falta de respeto se paga y se paga duro. Desde aquel gol ya nadie respetaba a la todopoderosa tetracampeona, los chicos, nacidos en cuna de paja y choza de lata, habían enseñado las malas mañas para ganarle a Brasil, los equipos sudamericanos habían entendido la moraleja de la tortuga y la liebre y nunca mas Brasil volvió a ser el Brasil antes de ese gol.

El dicho dice que los débiles tienen trucos y los fuertes excusas. Horas después de aquel gol los fuertes se hacían de excusas que jamás se habían utilizado y desde aquel gol, catorce años después, los nadies deberian pagar el pecado cometido por sentirse alguienes alguna vez.

*Grabación gracias a Javier Rodríguez.

En Video: El Gol de Marco Etcheverry (Youtube).
La Noticia: La FIFA confirma su veto a jugar en La Paz.
Lea También: Bolivia - Historias compartidas de un mundial de fútbol.

“En la literatura, en música, en artes plásticas, en la argumentación filosófica, un clásico es una forma significante que nos lee. Nos lee a nosotros más de lo que nosotros los leemos (escuchamos, percibimos) a él. Nada paradójico, y menos aun místico, se esconde en esta definición. Cada vez que nos involucramos con él, un clásico nos cuestiona”. (Georg Steiner)

Cuando Italo Calvino escribía “Porque leer Clásicos” lo hacia con el afán desafiante hacia todos nosotros para releer y redescubrir las obras literarias clásicas, siendo para Calvino sus relecturas un motivo de celebración continua "que nunca terminan de decir lo que tienen que decir", textos que "cuanto más crees conocerlos de oídas, más nuevos, inesperados e inéditos te parecen cuando los lees".

Bajo ese concepto y 14 definiciones que propone, Calvino se adentra a comentar sus clásicos elegidos, según su criterio de que el clásico de cada uno "es aquel que no puede serte indiferente y que te sirve para definirte a ti mismo, en relación y tal vez en contraste con él".

Con ello, vamos a tomar el concepto de Calvino y llevarlo hasta otro arte clásico no tan disímil, moldeando las definiciones a manera antojadiza, vamos a cuestionarnos el porque escuchar clásicos o más aun nos vamos a dar razones suficientes del porque escucharlos, abocándonos a un solo año: 1967.

Porque Escuchar clásicos (1967)

1. Los clásicos son esos discos de los cuales se suele oír decir:"Estoy reescuchando..." y nunca "Estoy escuchando..."
2. Se llama clásicos a los discos que constituyen una riqueza para quien los ha escuchado y amado, pero que constituyen una riqueza no menor para quien se reserva la suerte de escucharlos por primera vez en las mejores condiciones para saborearlos.
3. Los clásicos son discos que ejercen una influencia particular ya sea cuando se imponen por inolvidables, ya sea cuando se esconden en los pliegues de la memoria, mimetizándose con el inconsciente colectivo o individual.

Mezclados en el tiempo y en la historia de la música universal, han pasado cuarenta años desde 1967, año que marco un punto perfecto para la historia del rock universal, año perfecto que nos ha regalado grandes discos que se han hecho clásicos y han servido para darle un giro trascendental a la historia del rock. Ahí estaban Jimi Hendrix Experience, The Beatles, los Stones, Jefferson Airplane o Love, todos ellos en un pico elevado de su capacidad creativa, sacando dos discos cada uno. Discos todos eclécticos pero tan fundamentales uno como otro aumentando además el grado de importancia dentro de la historia de esas bandas y el nivel de influencia que esos discos han tenido en la historia del rock.

4. Todo reescuchar de un clásico es un escuchar de descubrimiento como la primera.
5. Todo escuchar de un clásico es, en realidad, reescucharla.
6. Un clásico es un disco que nunca termina de decir lo que tiene que decir.

Otra de las razones que nos hacen volver a 1967 y darnos razones para escuchar cláscios, son los primeros discos de los que se convertirían en bandas esenciales en la historia del rock, con sus discos debuts aparecían: The Doors, Velvet Underground, Pink Floyd, The Grateful Dead y David Bowie editando su primer disco en ese año. Y todos ellos -con la excepción del de Bowie y el de Grateful Dead- fueron discos definitivos dentro de la historia del rock. Como si no fuera suficiente, The Doors y la Velvet sacarían ese mismo año su segundo trabajo, que no tiene nada que envidiarle al anterior, Janis Joplin registraría por primera vez su voz ardiente en disco, junto a los Big Brother & The Holding Company, y Love editaría un clásico absoluto como "Forever changes".

7. Los clásicos son esos discos que nos llegan trayendo impresa la huella de los discos escuchados que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o las culturas que han atravesado (o más sencillamente, en el lenguaje o en las costumbres)
8. Un clásico es una obra que suscita un incesante polvillo de discursos críticos, pero que la obra se sacude continuamente de encima.
9. Los clásicos son discos que cuanto más uno cree conocerlos de oídas, tanto más nuevos, inesperados, inéditos resultan al escucharlos.

Por otra parte, otro factor que nos incita a oír clásicos y que contrapartida convierte al ’67 en el más glorioso año de la historia del rock tiene que ver con la sincronicidad. Como nunca - a excepción de la explosión punk casi diez años después- el estado de gracia se dio al mismo tiempo a ambos lados del Atlántico. El rock hervía de creatividad y de artistas de todos los colores, que realmente creían que podían cambiar el mundo, hacer una revolución a través de la música y que no pensaban en la música en términos de convertirse en estrellas de rock. El rock y todo lo que lo rodeaba y representaba era verdaderamente una contracultura. El mundo parecía estar a punto de estallar, como siempre ha sucedido, pero los jóvenes -como jamás había ocurrido antes, y mucho menos con la generación de sus padres- tomaban conciencia de ello y pretendían cambiarlo, querían derrotar al sistema, y querían hacerlo con armas culturales. ¿Utopía? ¿Ingenuidad? Puede ser, pero dame más de aquella ingenuidad y menos del cinismo de hoy.

10. Llámese clásico a un disco que se configura como equivalente del universo, a semejanza de los antiguos talismanes.
11. Tu clásico es aquel que no puede serte indiferente y que te sirve para definirte a ti mismo en relación y quizás en contraste con él.
12. Un clásico es un disco que está antes que otros clásicos; pero quien haya escuchado primero los otros y después escucha aquél, reconoce enseguida su lugar en la genealogía.

Pero no termina ahí la cosa, hay otro factor fundamental. El rock, en aquel momento, seguía estando casi en pañales, estaba lejos de ser un género gastado como lo es hoy. Todo estaba por hacerse. Y esta gente lo hizo. Cada uno se tiró a recorrer distintos caminos, repletos de riesgo. Y de LSD también, por eso el mundo se volvió psicodélico. Casi no había nada que reciclar, casi no había antecedentes fuera del blues y el rock clásico de los ’50. El caldero estaba en llamas, y solo era cuestión que unos cuantos brujos empezarán a tirar cosas adentro, para ver que salía. Y claro, cuando alguien tiene hechiceros del calibre de Jimi Hendrix, de Jim Morrison, de Lou Reed, solo cabe esperar lo más sagrado del rock como resultado. Un par de féminas, Janis y Grace Slick inventaban, de la nada, la figura de la mujer rocker, y sentaban las bases para que generaciones enteras supieran de qué se trataba.

13. Es clásico lo que tiende a relegar la actualidad a la categoría de ruido de fondo, pero al mismo tiempo no puede prescindir de ese ruido de fondo.
14. Es clásico lo que persiste como ruido de fondo incluso allí donde la actualidad más incompatible se impone.

Las referencias sonoras de un solo año ya deberían ser razón suficiente para escuchar clásicos, pero como apropósito nos adentramos también a rendirle culto a 1967 hay que mencionar también a The Monterey International Pop Music Festival. Si los discos de estudio no bastaran –y no bastaban- una constelación de rockers se presentaron en el Monterey Pop Festival (junio de ese año, más de 200 mil asistentes). Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, The Who, Grateful Dead, The Animals, Simon and Garfunkel, The Byrds, Ottis Redding, The Mamas & The Papas, Buffalo Springfield, Ravi Shankar, bandas imprescindibles en la historia del rock, todas juntas en un solo festival. Ocurrió en el mítico 1967.

En fin, cuando Italo Calvino escribía “porque leer los clásicos” bien podría estar escuchando alguna melodía que guiara sus escrituras, encaminándolo subliminalmente e inconcientemente a escribir también de la música. Porque cuando propone sus 14 definiciones de “clásico”, acierta cuando afirma que no hay que escucharlos –o leerlos- por deber o respeto, sino por amor. En último caso, concluye: “La única razón que se puede aducir es que leer a los clásicos es mejor que no leer a los clásicos”. Y si alguien objeta que no vale la pena tanto esfuerzo, citaré a Cioran: «Mientras le preparaban la cicuta, Sócrates aprendía un aria para flauta. “¿De qué te va a servir?”, le preguntaron. “Para saberla antes de morir”».

Un clásico, en este caso discos clásicos que contienen riqueza, influencia, inagotabilidad; el hecho de que dejan huella, de que crean un universo; su clara y misteriosa relación con lo actual... Simple moraleja: “Escuchar los clásicos es mejor que no escuchar los clásicos”.

Finales con libros y discos apilados:

Italo Calvino afirma que “no queda mas que inventarse una biblioteca ideal de sus clásicos” y más de un estudioso en medio de polémica literaria admitía la necesidad de establecer una lista de obras fundamentales de nuestra cultura. Y entre La Biblia, el Quijote, Guerra y Paz, Moby Dick, Cien años de soledad, Felipe Delgado, Pedro Páramo entre otras obras clásicas literarias, la biblioteca ideal que nos sugería Calvino estará frente al estante de los discos clásicos de 1967 como referencia más perfecta:

Enero: The Doors – The Doors / The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground / Da Capo – Love / Between the buttons – The Rolling Stones / Febrero: Surrealistic pillow – Jefferson Airplane / Younger than yesterday – The Byrds / A hard road – John Mayal and the Bluesbreakers / Marzo: The Grateful Dead – The Grateful Dead / Mayo: Are you experienced – Jimi Hendrix / Absolutely free – Frank Zappa and the Mothers of Invention / Junio: Moby Grape – Moby Grape / Sgt Pepper’s lonely hearts club band – The Beatles / David Bowie – David Bowie / Julio: Small Faces- Small Faces / Agosto: Joan- Joan Baez / The piper at the gates of dawn – Pink Floyd / Septiembre: Easter everywhere – The 13th floor elevators / Little games – The Yardbirds / Octubre: Strange Days – The Doors / Noviembre: White light/White heat – The Velvet Underground / Forever changes – Love / Buffalo Springfield Again – Buffalo Springfield / Disraeli gears – Cream / Magical Mystery Tour – The Beatles / Diciembre: After bathing at Baxter’s – Jefferson Airplane / Axis: Bold as love – Jimi Hendrix / John Wesley Harding – Bob Dylan / Wild honey – Beach Boys / Something else – The Kinks / Sell out – The Who / Their satanic majesties request – The Rolling Stones.

Oír clásicos:
El ritual de la banana: Podcast homenaje a The Velvet Underground & Nico".
The Monterey International Pop Festival is hot again 40 years later.

El tres (3) es el número natural que sigue al dos y precede al cuatro. (Wikipedia)

Por alguna extraña razón o alguna torpe conjunción de los astros, el numero 3 se ha puesto de moda en la primera parte del año. Que varias películas taquilleras vayan terminando en trilogía; que algunas consolas de juego vayan por sus terceras versiones y que muchas de nuestras series favoritas pasen la barrera de segunda temporada ya es mucha satisfacción.

Igual coincidencia recae sobre el buen mayo, mes preferido para revolucionarios, cantantes, pintores, budistas, frikis, cineastas y demás-es “astas”. Con el cumpleaños de Dylan, la primera proyección de Starwars “A New Hope” y un largo etcétera, nos hemos dado cuenta que no damos para tanta celebración “mayera”.

Por ello, solo quiero hacer la mención al tercer aniversario del blog -Rocko Weblog-, criatura nacida un 25 de mayo del 2004. Como parte de la celebración los agradecimientos a las personas, seres extraterrestres, computadoras inteligentes (o no tanto) y otro tipo de entes que han pasado por esta bitácora -que hasta hace poco han pasado la barrera de los 600.000- se hace necesaria.

Como andamos en época de vacas flacas (y errores vía blogia), los artículos han disminuido preocupantemente que mas que ser por la falta de ideas y la ociosidad de escribir es fruto de la vida social y trabajo paralelo que se come horas extras y no nos permite hilvanar un texto mas o menos entendible (y cuando uno logra terminarse, blogia no nos permite acceder al blog).

Pero con el aniversario de nuestro tercer mayo venimos con energías renovadas que nos hacen anhelar llegar al cuarto año, para mas de un cristiano el tres es un numero perfecto que simboliza el movimiento continuo y la perfección de lo acabado, habra que hacerlo honor al tres. A ustedes nuevamente gracias por leernos y espero nos acompañen en nuestra cruzada hacia nuestro cuarto mayo.

“Mientras descendíamos el sendero encontramos al Minotauro, el legendario monstruo de Creta” (Inferno, Canto XII, 11-12)

Que Benedicto XVI haya reabierto el infierno y el purgatorio mediante decreto solo avivaron las imágenes de pesadilla con las que soñaba de niño: El fuego eterno, los demonios y sus tridentes, sus pestilentes olores, sus calderos hirvientes y el jefe oscuro. Todo ello dejo de ser metáfora como tan tontamente nos había hecho creer Juan Pablo II. Volvieron también como referencia más cercana las imágenes que Dante nos había retratado: sus círculos, su minotauro, su puerta que tan hábilmente esculpió Rodin, el purgatorio y los demás rincones por los que, de la mano Virgilio, visitaríamos.

Y en ese afán de redescubrir a Dante, sus imágenes y la aproximación que nos hace del sitio maldito, me encuentro con un interesante articulo en 30 Días titulado Dante en Estados Unidos, que nos resume el impacto del Sumo Poeta en la cultura Norte Americana desde 1867 hasta la actualidad, impacto que se transformo en diversas traducciones especiales de la divina comedia, la creación de grupos literarios como “The Dante Society of America” abocados al estudio filosófico de la obra; Dante transformado en restaurantes de comida rápida; En poemas de eximios poetas Estado Unidenses; En grupos de Rock; En películas –Clerks (1994), Seven (1995), Dante’s Peak (1997)–, o transformada en pinturas, e ilustraciones que se anexan a ciudades norteamericanas como Hollywood, San Francisco y demás lugares reales para crear una nueva representación del infierno, el purgatorio y el paraíso. Es en esta última referencia que hace el artículo se centra mi atención, esas imágenes dantescas que nos trasladan a la Norteamérica actual de la mano de Sandow Birk.

Cualquiera puede retratar sus propios infiernos. Antes de descubrir esa metamorfosis, en ilustración, entre EEUU y los cantos de Dante, muchas veces traslade las imágenes de Dante a la hoyada Paceña, que sin mas esfuerzo pueden transformarse en círculos descendentes, dándonos para beneplácito nuestro pequeño infierno, un infierno que quizás nunca dejo de serlo para Víctor Hugo Viscarra, por ejemplo, que recorrió en carne propia los horrores que guarda nuestra ciudad –como cualquiera que se merezca llamar ciudad- vista desde la puerta de servicio, andando y desandando las laderas recónditas que guardan sus propios demonios, sus minotauros, sus poetas urbanos, sus pecadores malditos que se entremezclan entre asesinos, ladrones, prostitutas, alcohólicos y otros seres que se mueven en lo que Viscarra decía: “La noche en La Paz es un laberinto que al no tener principio, tampoco tiene fin” que aunque no tenia fin, tenia un infierno transformado en un bar de mala muerte bien llamado “El Averno” (que coincidencia o no, llevaba, según relata Viscarra, imágenes Dantescas pintadas en su interior).

Viscarra y su infierno local, la espiral descenderte que demarca La Paz… habrá alguna escalera de perfección y más aun, ¿habrá algún Paraíso donde encontrar a nuestra propia Beatriz?

Gracias Benedicto XVI, por reabrir los infiernos.

Imagen: Sandow Birk - El Minotauro (Inferno, Canto XII).

Vea También:
Dante’s Divine Comedy by Sandow Birk (Catharine Clark Gallery).
The Divine Comedy: Paradiso, Dante’s Third Canticle by Sandow Birk.

La imagen se hace impactante, para los que hayan recorrido los sólidos mares salados de Uyuni conocerán lo insignificante, como punto en un espacio, que se puede llegar a ser. Alguien afirmó que la Atlántida yacía enterrada en las mismas entrañas de donde la sal ha tomado lugar, parte del enigma que le da poder a la imaginaria común de una ciudad de sal de una civilización maravillosa enterrada bajo el manto blanco.

El espectáculo visual del salar de Uyuni (Flickr) es maravilloso, así lo entendieron los aventureros que recorrieron los mil y un puntos de la tierra: “El Salar de Uyuni, considerado el “desierto blanco”, ocupa el primer lugar de 25 nuevas maravillas y atracciones naturales históricas del mundo que fueron seleccionadas por la revista Rough Rides.” (Peru.com)

Lugar escapado de una pintura de Dalí, de paisaje andino surrealista, donde una fina capa de agua sobre la blanca sal brinda uno de los espectáculos naturales más hermosos del planeta, con el reflejo del cielo en su superficie. Así, sólo la gravedad puede servir para diferenciar el cielo de la tierra.

El salar de Uyuni no es una creación del hombre, es un capricho de algun dios con sus propios sueños y pesadillas.

LAS 25 MARAVILLAS DEL MUNDO

1.- Salar de Uyuni, Bolivia. 2.- Ayers Rock, Australia. 3.- Pirámides de Giza, Egipto. 4.- Navegar río abajo el Amazonas. 5.- “Chimeneas de las hadas” y cuevas de Capadocia, Turquía. 6.- El Gran Cañón, Arizona, EEUU. 7.- Petra, la ciudad hecha de piedra en el desierto de Jordania. 8.- Machu Picchu, Perú. 9.- Sagrada Familia, de Gaudí, en Barcelona, España. 10.- Glaciar Perito Moreno, Patagonia, Argentina. 11.- Capilla Sixtina, Roma, Italia. 12.- Escalar el Himalaya. 13.- Angkor Wat, Camboya. 14.- Canales y palacios de Venecia. 15.- Caravana de camellos en el Sahara. 16. Gran Muralla en China. 17.- Salto Victoria Falls, Zambia y Zimbabwe. 18.- Bucear en la Barrera de Corales, Belize. 19.- Taj Mahal, India. 20.- Ruinas mayas en México y Guatemala. 21.- Gigantes de piedra de Easter Island. 22.- Gran Mezquita, Djenné, Mali. 23.- Las tentaciones de Las Vegas. 24.- La Ciudad Prohibida, China. 25.- Itaipú, la represa más grande del mundo, Paraguay y Brasil.

- Que los otros se escondan, nosotros queremos verlo. / Los Dioses juegan. / Zeus apuñala el cielo con sus rayos./ Boreas aúlla acallado… y agita el mar con un viento huracanado. / Poseidón se levanta. Despertado. Furioso, con su tridente arañando las estrellas. / Glorioso. / Apiadaos de los marinos esta noche. (300 – Capitulo II: Duty, Frank Miller)

Imágenes: The Great Wave off Kanagawa (Katsushika Hokusai). / 300 (Frank Miller – Lynn Varley).

“El diablo fue mi padrino de bautizo. La cosa es que el cielo es frío, en el infierno hay calefacción, prefiero estar abajo”. Víctor Hugo Viscarra.

"Abandonad toda esperanza, vosotros que entráis". Inferno, Canto III (Divina Comedia).

Jean-Paul Sartre decía que no había necesidad de pensar en el fuego eterno, que mas bien el infierno estaba en los hombres, así pareció entenderlo el Papa Juan Pablo II quien el 28 de julio de 1999 en la catequesis que impartió ante 8.000 fieles en el Vaticano, dijo: «Las imágenes con las que la Sagrada Escritura nos presenta el infierno deben ser rectamente interpretadas. Ellas indican la completa frustración y vacuidad de una vida sin Dios. El infierno indica más que un lugar, la situación en la que llega a encontrarse quien libremente y definitivamente se aleja de Dios, fuente de vida y de alegría».

El infierno no resulto ser más que una metáfora al igual que el cielo, que por supuesto tampoco era un lugar físico que estaba entre las nubes. Pero nadie contaba con el ahora Papa Benedicto XVI que nos dice que el infierno reabre sus puertas: "Jesús vino a decirnos que nos quiere a todos en el paraíso, y que el infierno existe y es eterno".

Nuevamente las imágenes de aquellos pozos de fuego donde arden las almas por siempre o la espiral infernal dantesca vuelven a revolotear la imaginaria general, aunque para muchos es una imagen que difícilmente se puede separar de la idea trivial de encerrar a algunos seres indeseados actualmente en ellos. En afán de vindicta quizás, reabrir el infierno seria una buena opción para más de uno. Dante lo hizo condenando a enemigos y seres despreciables a los rincones oscuros de sus nueve círculos infernales.

Con un infierno reabierto, más de uno tendrá el boleto asegurado para descender por la espiral a encontrarse con héroes literarios, personajes de la mitología y figuras históricas para compartir los castigos que mueven a la piedad.

Señores, el infierno ha reabierto sus puertas, hay cupos y reservas… se aceptan nominaciones.

Vea también:
Heaven and Hell, According to Various Religions (El cielo y el infierno según varias religiones).

Las tragedias colectivas deben ser esos profundos dolores que se reproducen en centenares, momentos históricos decididos a poner el dedo en la llaga para recordarnos que los caminos suelen ser tortuosos de cuando en cuando…

Brasil en conjunto debe sentirla al recordar cuando Juan Alberto Schiaffino y Alcides Edgardo Ghiggia perforaron la valla brasileña en 1950 en la final del mundial disputada en el Maracana, el estadio mas grande del mundo creado para dicha ocasión. Brasil, que necesitaba un empate para alzarse con su primer título mundial de fútbol, se había adelantado con gol de Friaza, sin embargo, Uruguay le dio la vuelta al marcador y termino ganando el partido en el Maracana dejando por los suelos toda la celebración que los locales habían preparado semanas antes. Los brasileños definieron la derrota como la peor tragedia de la historia de Brasil.

Debe sentirla Argentina cuando recuerda junio de 1982 y su derrota a manos del Reino Unido, la potencia invasora, en la guerra de las Malvinas.

Para Bolivia la tragedia colectiva se repite cada 23 de marzo, al recordar la derrota ante Chile en la guerra del pacifico, cuya consecuencia fue la perdida del acceso al mar. Otra borrachera de patriotería que se recuerda cruelmente. Valga la duda y decir que recordamos, entre desfiles y ofrendas, al gran héroe del topater, o valga también la teoría de que el 23 de marzo es la fecha de reafirmar nuestro valores nacionales y mantener la esperanza de algún día recuperar el mar cautivo… Me parece que nuestra tragedia colectiva es mas una suerte de ejercicio de masoquismo, al cual estamos condenados a recordarlo cada año.

Los robots de Isaac Asimov, en Yo, robot, son máquinas capaces de llevar a cabo muy diversas tareas, y aunque carecen de libre albedrío, se plantean a menudo a sí mismos problemas de "conducta humana". No es, claro, la única muestra ficticia donde los robots se cuestionan sobre su relación con los humanos. Pero estas cuestiones se resuelven en "Yo, robot" en el ámbito de las tres leyes fundamentales de la robótica, concebidas por el mismo Asimov, y que no dejan de proponer extraordinarias paradojas, que a veces pueden explicarse por errores de funcionamiento y otras por la creciente complejidad de los "programas". Estas paradojas no son sólo ingeniosos ejercicios intelectuales sino y además una fascinante indagación sobre la situación del hombre actual en el universo tecnológico y en relación con la experiencia del tiempo y la historia. (Yo, robot)

La realidad no es muy lejana “nuestros” robots, no se alejan tampoco a los robots de Asimov, actualmente los robots efectúan cirugías, se reproducen y se reparan a si mismos (video), corren (video), se caen (video), los pequeños humanoides ganan espacios en el desarrollo de la robótica que está acelerando, no es raro entonces que un grupo de científicos, académicos, futuristas y escritores de ciencia ficción, redacte un código de ética para robots -antes de que computadoras y robots superinteligentes puedan escapar a nuestro control- (recuerdan al buen HAL 9000) tal y como lo haría Isaac Asimov en 1950.

Las tres leyes robóticas

1. Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño.
2. Un robot debe obedecer las órdenes que le son dadas por un ser humano, excepto cuando estas órdenes están en oposición con la primera Ley.
3. Un robot debe proteger su propia existencia, hasta donde esta protección no esté en conflicto con la primera o segunda Leyes.

Manual de Robótica (1 edición, año 2058)

Según Park Hye-Young, ministro del equipo de robots, las leyes dictadas por Asimov en su novela de ciencia ficción, serian los lineamientos a seguir para establecer las reglas del futuro.

A primera vista, estas reglas nos conducen al esclavo perfecto. Obediente y sumiso, un robot no sólo nos obedecerá ciegamente, sino que además será incapaz de hacernos daño e incluso se protegerá a sí mismo. La realidad será diferente, pues Asimov, a lo largo de toda su obra será capaz de demostrarnos la imperfección de estas 3 leyes doblándolas y redoblándolas, estirándolas hasta el punto de ruptura, para hacernos ver desde un punto de vista filosófico y lógico, que la realidad es bien distinta, ya que sin quebrantar estas leyes, en determinadas circunstancias, se llega a resultados "no esperados" a priori.

Será interesante ver, en un futuro, si las nuevas leyes de la robótica no son tan maleables como lo fueran para los robots de Asimov, en caso de que fueran perfectas habrá que ver la otra teoría del gobierno británico de unos robots civilizados que exigen también derechos, iguales al de los humanos; teoría que nos devuelve a Asimov que nos habla de la posibilidad de que un robot de apariencia humana ocupe un cargo político de relevancia - conflicto inevitable, donde abiertamente, se habla de un mundo regido y gobernado por Máquinas Pensantes que actúan en pro de la humanidad, anticipándose a cualquier intento por parte de los humanos de acabar con esta situación de dominio robótica- o que también nos recuerda a Harry Harrison y otro dilema que plantea su robot 13B-44-K cuando este se enamora de una humana “Soy un robot.. un robot... debo de haber olvidado que soy un robot... ¿qué puede estar haciendo aquí un robot?... un robot no puede amar a una mujer... una mujer no puede amar a un robot... sin embargo ella ha dicho que me amaba... pero yo soy un robot... un robot...” (el robot que quería aprender), otro conflicto inevitable desde un flanco “mas humano”. Al final el dilema asimoviano se repetiría en la realidad ¿qué es lo que nos hace realmente humanos? ¿qué es lo que nos separa en realidad de los robots?

Pero ese es el lado bueno, una convivencia inevitable donde las leyes son acatadas, junto con los derechos robóticos, en un constante roce de dilemas lógicos y filosóficos. En caso contrario, donde las leyes simplemente sean quebrantadas y los derechos pisoteados, habrá que preparase para una guerra entre robots y la resistencia humana.

Lea también:
Yo, Robot, de Isaac Asimos (fantasy Mundo).
Los robots podrían reclamar derechos (BBC Mundo).

“Desearía poder darla vuelta, para lamerle las entrañas” (Lolita, Vladimir Nabokov)

“Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas, mi pecado, mi alma", es la primera invocación del narrador Humbert Humbert, quien en su oscura infancia europea se enamoró impúdica y frenéticamente de una niña de su edad llamada Annabel, muerta de tifus cuatro meses después de su primera y última agonía estival: "nos queríamos con un amor prematuro, con la violencia que a menudo destruye vidas adultas". Desde entonces Humbert niño, Humbert adolescente y Humbert adulto sólo ha deseado “nínfulas”.

Para Bob Dylan, Scarlet Johansson es esa criatura ninfica cuasi demoníaca escogida que añora y la única capaz de robarle un poema, que hecha balada, le canta al oido: “In the still of the night, in the world’s ancient light / Where wisdom grows up in strife / My bewildered brain, toils in vain / Through the darkness on the pathways of life / Each invisible prayer is like a cloud in the air / Tomorrow keeps turning around / We live and we die, we know not why / But I’ll be with you when the deal goes down” (When the Deal Goes Down).

Claro que Scarlett no tiene 12 años y Dylan no es un cuarentón, las distancias son mayores pero el efecto Lolita le queda impecable y virósicamente de manifiesto a Scarlett en el videoclip absolutamente protagonizado por la actriz y que dirigió Bennett Miller –responsable de Capote– para la canción “When the Deal Goes Down” de Bob Dylan. Allí, el cantautor canta, pero no aparece sino en una obsesiva mirada subjetiva digna de Humbert Humbert. Allí, Dylan sólo tiene ojos –y no tiene cuerpo– para mirar a Scarlett sonriendo, leyendo, durmiendo. Sutiles y mínimas alusiones a Woody Guthrie, Buddy Holly y Hank Williams y texturas retro–Súper 8 nos recuerdan de tanto en tanto que lo que estamos viendo y oyendo es un video de Dylan y no un descarado ejercicio de adoración por la pequeña gran rubia, -(Odiamos tanto a Scarlett)- que en caso de que así fuera es perdonable a Dylan.

Video clip: Bob Dylan - When The Deal Goes Down (Scarlett Johansson).

Pero quizás “When the Deal Goes Down” es la continuación al "Spirit on the Water", también de Dylan en su "Modern Times" (2006), quizás el papel de Humbert le cae mas a la perfección. El hombre maduro cuenta cómo seduce a una mujer -de mas años que lolita, pero aun mucho menor que Dylan- con todo el bagaje y la experiencia de su vida, siempre con voz de corner y aire jazzero, si Humbert Humbert tendría una guitarra a su lado y un poco de habilidad compositiva, habría narrado algo similar: “Te veo allí/ estoy cegado por los colores/ tengo buen cuidado/de lo que me pertenece”, “Piensas que estoy más allá de mi plenitud/ déjame ver lo que tu tienes/ podemos pasar un rato estupendo” (Spirit On The Water). Si Scarlett haria un nuevo video con Dylan, no seria raro verlos haciendo un viaje por la carretera, esa parte que el video del When the deal Goes Down obvia para dejarnos llenar los huecos del paseo rumbo al campo con las imagenes de la madre de Lolita conduciendo, mientras Lolita posa para Humbert Humbert, ambos personificados por Bob y Scarlett.

Lea también:
Odiamos tanto a Scarlett (Rodrigo Fresan – Pagina/12).

Somos nosotros, pero poseídos por las mascaras que dejan salir nuestro lado desconocido. Los amantes incógnitos, traviesos enmascarados, seres individuales refugiados tras un pedazo de tela renacen siempre que puedan para hacer de quien las lleva al perfecto pecador ante los ojos del omnipotente, que al solo ver un pepino, un chuta, o un veneciano enmascarado dejara de poner “deficiente” en buen comportamiento esperando el preciso momento en que el pecador se deje ver.

Como en Venecia -donde la nobleza se disfrazaba usando también mascaras para salir a mezclarse con el pueblo-, dicen que en los viejos tiempos, en los carnavales paceños, la “gente bien” (aristocráticos locales) recurría a la mascara de pepino para entremezclarse entre el populacho y divertirse como los cholos sin ninguna inhibición. “Hecha la ley, hecha la trampa”, el objetivo carnavalero en adelante era descubrir al hombre detrás la mascara para que con una risotada darse cuenta que el senador racista corría de un lado a otro con un disfraz aurinegro y con mascara de pepino mojando, bailando, y bebiendo como sus ancestros le habían ordenado.

En el Mardi grass las mascaras individuales son invisibles, la ciudad toda lleva una mascara que cubre los pecados de todo el gentío que usan como excusa collares baratos para desinhibirse y dejar de lado aquel mandamiento que dice “no te desnudaras, no beberás en exceso y no desearas a la mujer de tu prójimo”.

Los diablos se han cansado de bailar y los mortales se han cansado de beber. Las cigüeñas trabajaran a doble turno por culpa de pepinos, kusillos, chutas o los enmascarados venecianos. Fin del carnaval, pero las mascaras seguirán rondando tentándonos.

Vea también:
Pepinos ch’utas y kusillos, el alma del Carnaval de La Paz.
Colección de máscaras en exposición (Museo de Etnografía y Folklore de Bolivia).

5,4,3,2,1…
Con ropa interior roja atrae amores y bebiendo vino -a falta de doce uvas- el librecambista camina zigzajeante rumbo a su casa. En la oscuridad del callejón vecino, dos sombras, una pistola y un cuchillo de carnicero, preparan el golpe de año nuevo. Mientras el cielo oscuro se ilumina de colores y kabones, el policía acompañado de su rottweiler sale con sus maletas a escasos pasos.

Una de fabula…
Aun recostada en la sabana albar teñida de rojo, la princesa despierta vociferando: - Maldita Rana!! Me engañaste!!.

Bitacorero
Con la pereza de escribir y después de sus vacaciones, el denominado escritor se sienta frente a la computadora sin saber como empezar a escribir sobre el denominado escritor que no sabe que escribir.

“Ambas direcciones, aunque tienen su significado, son igualmente inútiles. Dos individuos refractarios se niegan a participar. Se creen más listos que el resto, pero tarde o temprano admitirán que su inconformismo es una equivocación.” (Escher)

"Un pueblo ignorante es un instrumento ciego de su propia destrucción: la ambición, la intriga abusan de la credulidad y de la inexperiencia de hombres ajenos de todo conocimiento político, económico o civil; adoptan como realidades las que son puras ilusiones; toman la licencia por la Libertad, la traición por el patriotismo, la venganza por la justicia". (Simón Bolívar).

El arte de M.C. Escher era pintar lo imposible. En Bolivia, la política es imposible.

La imagen: Subiendo y bajando, 1960. Uno de los trabajos más conocidos de ESCHER cuyo fundamento es una figura imposible original de L. S. PENROSE y R. PENROSE titulada Objetos imposibles: un tipo especial de ilusión óptica que apareció en el British Journal of Psichology, febrero, 1958 (vol. 49). Los monjes de una enigmática orden repiten el ritual de marchar de forma perpetua por una escalera alrededor del claustro del monasterio.

"Los rostros más repulsivos no dejan de ser la imagen del hombre” Bazin

"Quiero fotografiar lo que es maligno" Diane Arbus.

“A través del arte cada cual busca liberar sus demonios particulares. Da rienda suelta a sus preferencias, sus odios. Desata la metáfora de su miseria interior; libera de algún modo sus extrañas pasiones, da cuerpo a sus fantasmas y terrores diurnos, recupera la vigilia con un sol extinto en el alma o con una aurora que a golpe de cuchillo se abre paso por el escenario de la piel.” Dice Carlos Yusti antes de empezar a hablar de la buscadora de la belleza convulsiva. Un concepto igual, pero deformado escribía yo mientras trataba de enlazar la vida de algunos malditos alucinados de las letras y la pintura. Brutalmente en el presente artículo todo va relacionado sin querer.

Diane Arbus libero sus demonios particulares, ella uso la fotografía para hacer un autorretrato de su tormento interior. Frente a ella y su cámara desfilaron los desgraciados y/u olvidados ante los ojos de los comunes, ella estaba conciente de aquello -"Creo realmente que hay cosas que nadie puede ver si yo no las fotografío"- viendo su obra uno no es conciente si ella termino consumida por sus personajes de sus ultimas fotografías o fueron ellos, sus personajes, los que terminaron siendo consumidos por ella.

“Arranca un rictus de desprecio aquel que es más alto (King Kong o el gigante judío), más pequeño (el increíble hombre menguante o los enanos rusos), el deforme (el adolescente motero de Máscara o el enano mexicano), el que nace por partida doble (las siamesas de El resplandor son una cita a las de Arbus) o incluso tener alguna facultad poco común (el hombre que tenía rayos X en los ojos o la tragasables). La singularidad y la malformación física son una constante en el Universo Arbus. Pero aquí los enanos, jorobados u hombres sin cabeza son reales.”

Por su cámara pasaron deformes, siamesas, lunáticos enmascarados, travestís, enanos, gigantes y enfermos mentales, aquellos seres que pueblan Freaks de Browning, monstruosos, pero también pasaron los “otros” como el viejo literato ciego como Jorge Luís Borges, un inocente bebe ausente y una pareja de enamorados pero Diane Arbus saco incluso de ellos aquella monstruosidad -“Fotografiado por Diane Arbus, cualquiera es monstruoso" (Susan Sontag)- en un sentido algo extraño, con capacidad de forense desnudaba el psiquis oculto de los retratados, la suya y la nuestra, produciendo intencionadamente “temor y vergüenza” a primera impresión.

Arbus quiso, talvez como David Lynch en su retrato cinefilo del hombre elefante, hacer saber que también nosotros somos monstruos, que los momentos más inhumanos y repulsivos no son precisamente al ver un desfile de fenómenos. Buscar a esos olvidados de la vida que para Arbus fueron gente sobresaliente de una sociedad que los hace ver marginales: “Simplemente, solía adorarlos. Aún adoro a algunos de ellos. Con esto no quiero decir que sean mis mejores amigos, ellos me han hecho sentir una mezcla de vergüenza, temor y asombro. Existe una especie de leyenda acerca de los/as freaks. Como esa persona que en un cuento de hadas te detiene y te exige que resuelvas un acertijo. La mayoría de la gente se pasa su vida temiendo pasar por una experiencia traumática. Los Freaks nacieron con sus traumas. Ellos ya han pasado su prueba. Son aristócratas.”

Diane Arbus se suicida en 1971, el mismo año en que Kurosawa lo intenta y Pier Angeli lo consigue. Perseguida por quien sabe que pensamientos y que demonios, –permitiéndonos recordar a aquel otro fotógrafo suicida contemporáneo, Kevin Carter y su fotografía inhumana- puede que sea por soledad, por una soledad tan fría y atenazada en lo más profundo de su ser que no pudo sobrellevarla. Se hundía, necesitaba agarrarse a la vida. Pero quería mirarla de frente, sin miedo, hasta la última rendija. Su suicidio avivó la gestación de un mito en torno a su figura que aún perdura.

¿Como analizar a Diane Arbus?, saltamos por conjeturas, por suposiciones que nos llevan a hipótesis inconclusas: Mascaras que emulan a Goya o que no solo esconden monstruos; personajes de ficción vueltos reales; Superhéroes en jaulas y hombres reversibles. Lo único claro es que Lewis Carrol y Alicia; Rimbaud y Browning es una configuración maldita.

Fur: an Imaginary Portrait of Diane Arbus

El cine recoge ahora la figura de Arbus de la mano del director Steven Shainberg y en la figura de Nicole Kidman. El trailer (Youtube) no deja mucho que desear salvo ver a la versátil Kidman en un papel extraño, debo suponer que la vida de Diane Arbus será reducida a la mínima expresión para volverla una película Hollywoodesca, con romance de por medio y con mínimas referencias a su vida. No debe extrañar por tanto el titulo (FUR: Un retrato imaginario de Diane Arbus) y el trailer que, sin mentir, nos decepciona antes de tiempo (diciendo entre dientes: Se los dijimos). Espero equivocarme. Difícil tarea la de espejar la singularidad del talento de Diane Arbus en una sola película imaginada.

Epílogo alterno

Puede que todas las “ciudades reales” tengan a sus fenómenos recorriendo calles como los olvidados, para Diane Arbus su espacio fue New York. Alguien buscara retratar a aquellos seres olvidados en las calles (de su ciudad) de La Paz reflejados en Kepiris, locos, ciegos a medio tiempo, en travestís pasados de peso de la América mostrando su dignidad aparentada, alcohólicos con el rostro deformado por el alcohol, prostitutas de moral distraída, p’ajpacos, fenómenos prófugos de circos (Italianos o mexicanos preferentemente) y toda aquella otra realidad deforme, vergonzante; el lado oscuro vista desde la puerta de servicio de las ciudades de verdad.

Lea También:
Aristócratas y Secretos por Rodrigo Fresán (Página/12).
Diane Arbus: Latidos Compartidos por Mery Cuesta (La Vanguardia Digital).
Diane Arbus, cazadora de la belleza convulsa por Carlos Yusti (Escáner Cultural).

Por las calles olvidadas de La Paz caminaba el ser que los que no debían no quererlo no lo querían y los que no tenían porque quererlo, lo aceptaban. Con la nariz y la espalda quebrada por la vida, caminaba con el dolor en el alma, muchas veces sin centavos en los bolsillos pero si con hojas en blanco maltrechas, un lápiz al que debería darle vergüenza llamarse lápiz y una botellita de alcohol. Ese ser era en vida, para muchos, un personaje. Hace pocos meses fallecido, antes de cumplir los 50 años como él mismo profetizó en su libro “Borracho estaba pero me acuerdo”, Víctor Hugo Viscarra esta a punto de convertirse en una leyenda.

Entre revistas literarias y otros papeles acumulados me encuentro con un par de cuentos inéditos de Viscarra proporcionados por su editor Manuel Vargas, no puedo evitar escribir un par de líneas sobre Víctor Hugo, para traerlo a la memoria. Par de líneas decepcionantes y mínimas para resumir su vida o su “no vida”. Tendré mas tiempo en otra oportunidad para hacerte mayor justicia. Pero ahora, los inéditos encontrados.

Si estás cansado, descansá un poco

Sí, ya sé, estás cansado que hasta te da flojera abrir los ojos para saber si aún el sol ilumina tus días. Pero, no te preocupes, porque como tu cansancio es tan fuerte, te recomiendo que te pongas a descansar lo más que puedas, porque talvez sea el último descanso que te tomes en mucho tiempo.

No, no son gotas de lluvia las que caen sobre tu rostro y te ponen tan intranquilo. Son… ¿Cómo podría decirte? Algo tan importante que hasta palabras me faltan para describirte su real significado. Pero, como estás cansado no me vas a poner entender. Aun así, seguí descansando porque es tal la magnitud de tu cansancio que no te puedes dar cuenta que estás muerto, y una cosa tan simple como esa va a ser difícil que en estas circunstancias puedas comprenderlo.

Escribiendo en paredes inexistentes

La noche se ha posado sobre la ciudad y nadie se ha dado cuenta. Los parroquianos están como embrujados ante las copas que aferran sus manos, y no parecen sentir cómo el tiempo transcurre lentamente al lado de ellos, porque la única preocupación que tienen es que el contenido de dichos vasos no se acabe, mientras se espera pacientemente que algún “amigo” haga su aparición en el portal del local, y que tras reconocerlos, les invite unas cuantas botellas de trago, a manera de matar el tiempo y sus existencias.

Un ajetreo alocado invade las calles aledañas apresurando a que los vendedores guarden sus cosas, porque en el horizonte gruesas nubes anuncian que una lluvia febril caerá en cualquier momento, y mojara todo cuento encuentre a su paso, y acaso tenga la amabilidad de visitar el interior de sus puestos de ventas, porque como la calle que viene de arriba tiene una pendiente nada agradable, siempre que llueve anega las habitaciones donde no han tomado sus correspondientes recaudos.

Aunque muchas personas han encendido las luces de sus casas, no es suficiente para detener el avance de las sombras. La bulla reinante dentro del local aturde a los clientes que siguen bebiendo como si afuera no pasara nada, y mientras los brindis vienen y van, algunos allí presentes se anima a salir en dirección al baño, y más de uno puede oír que ya ha llegado la noche, y que hay que seguir consumiendo bebidas y alcoholes, porque el cielo presagia un frió de aquellos que va a hacer temblar a más de uno.

Nadie se puede dar cuenta que las estrellas no saldrán a iluminar sus espíritus tambaleantes, ni musas celestiales oirán sus lamentos y canciones alcoholizadas con las que al momento de marcharse querrán dejar un simple recuerdo a las paredes circundantes. No, esta noche no está como para hacerse el bohemio o el poeta, o el cantor, puesto que la naturaleza hará escuchar a herejes y profanos las notas discordantes de sus chaparrones estrellándose contra pisos y tejados.

El bullicio aumenta que llega de afuera a momentos aumenta, y ni aun así puede atenuar la bulla que se ha enseñoreado del local. En la única pieza que sirve para la atención de los bebedores, todo parece ser alegría y desparpajo. Es tanta la amenidad que reina en el ambiente, que uno puede pensar (ayudado por el alcohol que ha consumido) que hasta las muchachas que engalanan las paredes con sus cuerpos semi vestidos están felices porque se les ha permitido compartir la algaraza que reina en dicha pieza.

Lea también (enlaces externos):

Testamento – Víctor Hugo Viscarra: Extraído de "Alcoholatum y otros drinks".

Flores en la basura (Fondo Negro - La Prensa): Noche paceña, no te quiero volver a ver Víctor Hugo vagabundea por las calles paceñas de noche. Ha vuelto al trago, pero su nuevo libro supone un avance en su literatura, más prolija, más tierna.

El infierno es un buen lugar (LaNacion.cl): Los “Bukowskis” altiplánicos cuentan las cosas sin adornos. El peruano Sergio Galarza no defiende a un país que le ha negado un pedazo de tierra al hablar de conflictos limítrofes y el boliviano Víctor Hugo Viscarra, con más de 33 años viviendo en la calle, elige la calefacción del averno porque el cielo es muy frío. Sabe que morirá en la calle. Solo como un perro, alcoholizado. Estas son sus historias.

"Hay quien nace hombre y quien nace perro. Yo he tenido la suerte de nacer perro"
Charles Schulz

Charles Schulz, creador de Peanuts, es quizás la referencia obligada y mas conocida cuando hay que mencionar los comics strips representativos de la ultima mitad del siglo XX, dador de “vida” in intencionado de Mafalda y Calvin & Hobbes, creó en poco menos de 50 años una tira cómica que relataba en muchos aspectos nuestras vidas vista de distintas perspectivas (de niños y adultos) donde los niños podían comportarse como adultos o los animales como niños.

Escribir sobre su historia y su legado de seguro seria caer en la cantidad de artículos relacionados y que aparecen al tecleo en google, pero sin en cambio hemos querido recuperar su ultima tira hecha a modo de despedida a sus lectores que guarda en ella una linda metáfora de vida. No es exageración. El 3 de enero de 2000, Charles Schulz, afectado por un cáncer de colon, decidió retirar la tira diaria de Peanuts y se despidió con una emotiva carta a sus lectores (en una tira cuyo original en inglés se puede ver haciendo click aquí), carta disfrazada en una tira dominical donde Carlitos (Charlie Brown) recibe una llamada de un alguien que pregunta por Snoopy, alter ego de Charles Schulz como solía afirmar. Snoopy esta ahí sentado y pensativo sobre el techo de su casa, frente a su maquina de escribir…

La tira fue dibujada el 3 de enero del 2000, días después Schulz falleció la noche del sábado 12 de febrero de 2000, a los 77 años, sólo unas horas antes que los diarios del domingo publicaran la última tira semanal de Peanuts.

Charles Schulz quiso despedirse de sus lectores, pero en un juego disimulado se despedía de sus amigos de siempre, de Charlie Brown, Snoopy, Linus, Lucy… quizás sabiendo que seria la única oportunidad antes del final. Schulz vivió por sus 4 cuadritos diarios, sin mas que dibujar se dejo morir.

Charlie Brown no volverá a sufrir la angustia de ganar el próximo juego de béisbol; ni Linus sufrirá más apuros para que no se le ensope el cereal mientras encuentra algo para leer; ni Snoopy tendrá que emproblemarse más tratando de explicarle el mundo a Woodstock; ni volveremos a hacer nuestras las dificultades de Lucy por conquistar a Schroeder, ni las de Schroeder por ejecutar bien una sinfonía sin que Lucy lo esté importunando.

¿Y nosotros?, ¿a dónde dirigir ahora la posibilidad de compartir las angustias, los apuros, los problemas, las dificultades propias con los de los personajes de Peanuts?, ¿qué hacer con la expectativa que diariamente encontraba cauce en las ocurrencias de Schulz?

Mafalda

La historia de Mafalda de la mano de Quino ya la conocen todos, menudo contraste con Charles Schulz y sus Peanuts. Mafalda es la niña políticamente correcta, reflexiva, comprometida luchadora a favor de la naturaleza, irreverente, contestataria, ferviente antisopa y amante de la música de los Beatles.

El 25 de junio de 1973 apareció Mafalda por última vez en una tira. Desde ese tiempo Mafalda ha hecho circunstanciales apariciones en campañas de bien público en su mayoría. Su autor, Quino, fiel a la línea de su tira, estaba comprometido con lo que hacia, quizás no de forma tan pasional como lo hacia Schulz, y a poco de su tira final decía: "Me costaba mucho esfuerzo no repetirme, sufría con cada entrega. Cuando uno tapa el último cuadrito de una historieta y ya sabe cuál va a ser el final es porque la cosa no va. Y por respeto los lectores y a mis personajes y por mi manera de sentir el trabajo decidí no hacerla más y seguir con el humor que nunca dejé de hacer."

En sus cuadros finales, Quino fue preparando el terreno de la despedida. Así, en el número del 18 de junio 1973, la chismosa Susanita contaba al lector: "Ustedes no digan nada que yo les dije, pero parece que por el preciso y exacto lapso de un tiempito los lectores que estén hartos de nosotros van a poder gozar de nuestra grata ausencia dentro de muy poco".

El remate llegaría una semana después; esa tira final no tenía cuadros, todo el espacio lo ocupaban Mafalda y su pandilla, a excepción de Susanita.

Tomaba la palabra Mafalda: Dice el director que bueno, que a partir de hoy podemos darle un descanso a los lectores, pero que si alguno de nosotros se mudare, trasladare y/o apareciere en otra revista y/o diario, él a patadas nos agarrare.

Cruel como ella sola podía serlo, Mafalda en la tira de despedida no se aleja del contexto habitual, siempre correcta lanza el derecho de propiedad de los personajes creados por Quino. Si Snoopy escribía a nombre Schulz, en esta tira Mafalda “hablaba” a nombre de Quino.

Tira de despedida de Calvin & Hobbes

Un 18 de noviembre de 1985 aparecían en un diario estadounidense un niño de 6 años hiperactivo, imaginativo, hijo único. Unos padres poco cariñosos y excesivamente sarcásticos (El padre de Calvin ha señalado que lo que realmente quería era un perro) y un tigre. Era el debut de Calvin y Hobbes, 10 años después en la plenitud de su éxito, Bill Watterson en un gesto que le honra (tampoco autorizó la comercialización de sus personajes en otros medios), decidió clausurar la strip cuando ya no tuvo nada que contar, cerrando la serie con una hermosa página dominical donde Calvin y Hobbes, tras la nevada de año nuevo que hace tabula rasa del futuro…

Ver tira dominical despedida Calvin & Hobbes completa (Click)
Traducción: Es un mundo mágico... ¡Explorémoslo!

31 de diciembre de 1995, el agridulce adiós golpea emocionalmente a sus fans. De repente, todos nosotros (algo similar a lo sucedido con Peanuts) teníamos que crecer y enfrentar el mundo sin el compañero peludo y sin Calvin que bien podríamos haber sido nosotros… aunque Watterson haya creído que podíamos explorar el mundo por propia cuenta.

Lea también (enlaces externos):

Quinografia (RADAR - Pagina/12): Su encuentro con Borges. Las propuestas más indecentes que le han hecho a Mafalda. La prueba irrefutable de la falta de humor de los argentinos. El día en que alguien usó a Manolito para justificar la dictadura. Las mañas que le trajeron los años. Los motivos que le impiden dejar de dibujar. Su última conversación con Oesterheld. Las tiras por las que Fidel Castro lo chicanea cada vez que va a La Habana. Su socialismo impenitente. Quino accedió a hablar de todo esto para la edición con que la Playboy mexicana festejó su 50º aniversario. Radar reproduce esa deliciosa entrevista.

Charles Schulz - El lado desconocido de "Peanuts" (MenteAbierta): Su obra ha sido objeto de estudios de toda índole. Umberto Eco fue de los primeros en explorar los muchísimo significados que se escondían bajo la aparente simplicidad de los "Peanuts". También mereció los elogios de "l’Osservatore Romano" e influyó mucho en el trabajo de otros artistas. Éste es el caso de Quino, quien se basó en los personajes de Schulz para crear en 1964 su famosa serie Mafalda.

25 Great Calvin & Hobbes Strips (Progressive Boink): Hundreds of comic strips have been published in newspapers. The majority are terrible, and almost all the rest are mediocre. There have been maybe four or five good comic strips in the history of the world. So saying that Calvin & Hobbes is the best comic strip ever doesn’t really hold a lot of weight.

Ir desde la cama al living, con un plato de tallarines bien servido sobre la diestra. Dejar, como al descuido, que uno de estos caiga lentamente, sin desprenderse del plato, adhiriéndose con elegancia a una de las patas de la cama. Dibujar una danza domestica con los fantasmas de Husserl y Brentano, mientras el filamento de pasta prosigue su carrera entre la cama y el plato, envolviendo el imán en forma de manzana que adorna la puerta de la heladera y poniéndole bigotes a la presentadora que anuncia las noticias desde el viejo televisor NEC. Suspender el juicio ante el despliegue fenoménico del tallarín, que ya comienza a momificar a la abuela en su mecedora, después de haber hecho lo propio con el perro salchicha y la jaula de los canarios. Tejer, en suma, una intrincada telaraña de pasta (No prevista por Marco Polo a la hora de su importación gastronómica) que todo lo envuelva y que opere una extraña mimesis con esa otra red epistémica que une a seres objetos, y en la que navegan o naufragan nuestros sentidos…

Pintarnos el rostro para la guerra con restos de salsa y queso rallado, antes de quedar inmóviles como marionetas entre la maraña de tallarines.

Esperar sosegadamente, en riguroso silencio, la manifestación de la-cosa-en-si agazapada tras la masa omnipresente. Aguardar dos, tres, cuatro horas, hasta comenzar a sospechar que esencia alguna se esconde tras la profusión de apariencias. Descubrir, en un rayo de intuición, que los bultos adivinados bajo los tallarines (la abuela, el perro, la jaula de los canarios) no son en realidad más que ondulaciones casuales, fantasmagorías creadas por su caótica acumulación.

Gritar de horror o desesperación, gritar por calculada crueldad, mientras despedazamos con uñas y dientes la telaraña, sin encontrar nada debajo.

Sentarnos entre los restos del zarpazo gnoseológico, en el vació recién elevado; exhalar la histeria al tiempo que otra certeza aun más atroz nos invade: la del mundo como un páramo desolado, igualmente emboscado en su sistema de apariencias. Buscar, en un último gesto y hasta el fin de nuestros días, el improbable principio del tallarín.

“…todos somos quimeras, híbridos teorizados y fabricados de máquina y organismo; en unas palabras, somos cyborgs (…) Un cyborg es un organismo cibernético, un híbrido de máquina y organismo, una criatura de realidad social y también de ficción.”
Donna Haraway

Claudia Mitchell se ha convertido en la primera mujer en formar parte de un nuevo proyecto para implementación de un nuevo brazo biónico que ejecuta órdenes desde el cerebro. RIC neuro-controlled Bionic Arm es su nombre y, actualmente, la prótesis más avanzada que existe.

Este "brazo" tiene electródos que están en contacto con la piel del pecho, cuando Claudia piensa en mover el brazo las señales que llegan hasta el pecho en forma de pulsos eléctricos son detectados por los electródos. Cada electródo recibe la señal del nervio de cada miembro ya sea de la mano, brazo o antebrazo y luego la transmite a una computadora que controla los seis motores que le dan movimiento a la prótesis. "El cerebro no sabe que estos nervios están conectados a un músculo u a otro dispositivo", ha dicho el doctor Kuiken, director del programa para amputados del instituto de Chicago.

La noticia es impactante, pero cobra mas valor aun leyendo el «Manifiesto Cyborg» de Donna Haraway, cobra valor por la condición femenina de Mitchell, donde remueve el termino Cyborg llevándolos a inimaginables conceptos, lo feminiza, lo humaniza y lo deshumaniza:

“Un cyborg es un organismo cibernético, un híbrido de máquina y organismo, una criatura de realidad social y también de ficción

La realidad social son nuestras relaciones sociales vividas, nuestra construcción política más importante, un mundo cambiante de ficción. Los movimientos internacionales feministas han construido la ‘experiencia de las mujeres’ y, asimismo, han destapado o descubierto este objeto colectivo crucial. Tal experiencia es una ficción y un hecho político de gran importancia. La liberación se basa en la construcción de la conciencia, de la comprensión imaginativa de la opresión y, también, de lo posible. El cyborg es materia de ficción y experiencia viva que cambia lo que importa como experiencia de las mujeres a finales de este siglo.

Se trata de una lucha a muerte, pero las fronteras entre ciencia ficción y realidad social son una ilusión óptica. (…)

La medicina moderna está asimismo llena de cyborgs, de acoplamientos entre organismo y máquina, cada uno de ellos concebido como un objeto codificado, en una intimidad y con un poder que no existían en la historia de la sexualidad. (…)

El cyborg es una criatura en un mundo post genérico. No tiene relaciones con la bisexualidad, ni con la simbiosis preedípica, ni con el trabajo no alienado u otras seducciones propias de la totalidad orgánica, mediante una apropiación final de todos los poderes de las partes en favor de una unidad mayor. En un sentido, no existe una historia del origen del cyborg según la concepción occidental, lo cual resulta ser una ironía ‘final‘, puesto que es también el terrible telos apocalíptico de las cada vez mayores dominaciones, por parte de occidente, del individuo abstracto. Es, para terminar, un ser no atado a ninguna dependencia, un hombre en el espacio. Según el sentido humanístico occidental, una historia que trate del origen depende del mito de la unidad original, de la plenitud, bienaventuranza y terror, representados por la madre fálica de la que todos los humanos deben separarse. (…)

A la inversa de Frankenstein, el cyborg no espera que su padre lo salve con un arreglo del jardín (del Edén), es decir, mediante la fabricación de una pareja heterosexual, mediante su acabado en una totalidad, en una ciudad y en un cosmos. El cyborg no sueña con una comunidad que siga el modelo de la familia orgánica aunque sin proyecto edípico. El cyborg no reconocería el Jardín del Edén, no está hecho de barro y no puede soñar con volver a convertirse en polvo. Quizás sea por eso por lo que yo quisiera ver si el cyborg es capaz de subvertir el Apocalipsis de volver al polvo nuclear impulsado por la compulsión maniaca de nombrar al Enemigo. Los cyborgs no son irreverentes, no recuerdan el cosmos, desconfían del holismo, pero necesitan conectar: parecen tener un sentido natural de la asociación en frentes para la acción política, aunque sin partidos de vanguardia. Su problema principal, por supuesto, es que son los hijos ilegítimos del militarismo y del capitalismo patriarcal, por no mencionar el socialismo de estado. Pero los bastardos son a menudo infieles a sus orígenes. Sus padres, después de todo, no son esenciales. (…)

Lea el manifiesto cyborg completo (click).

Claudia Mitchell es quizás el principio del Cyborg (físico, social, político, religioso) de Donna Haraway, totalmente independiente del mundo, un robocop sin sentimientos porque fue concebido cyborg, sin sexualidad, sin religión (el cyborg no reconocería el Jardín del Edén). Ese cyborg que trata de fronteras transgredidas, de fusiones poderosas y de posibilidades peligrosas que gentes progresistas pueden explorar cómo parte de un necesario trabajo político.

Lea También:
-ELPais.es: Los brazos ’biónicos’ esperanzas para las personas amputadas.
-BBC News: Woman is fitted with ’bionic’ arm.
-Todas: «Manifiesto Cyborg» Donna Haraway.

«Sin la música la vida sería un error»
El ocaso de los ídolos - Friedrich Nietzsche

«Cuando la música acabe (…) Cancelen mi suscripción a la resurrección»
When the music’s over – The Doors - Jim Morrison

El verdadero mundo es la música. Así lo entendió Nietzsche, para quien la música lo era todo. "Todo lo que no se deja aprender a través de las relaciones musicales engendra en mí hastío y nausea". –Carta a Rhode del 21 de diciembre de 1871-. Nietzsche quiso hacer música con el lenguaje, con los conceptos. Durante algún tiempo su ídolo fue Wagner, Los maestros cantores, le hicieron entrar en un "sentimiento de arrobamiento". Las largas horas al piano, el piano que lo "salvo" en un prostíbulo, todo lo anterior dan muestras que entre los "grados de placer" la música para Nietzsche es el más alto.

La declaración de amor a la música, que Nietzsche ha repetido en sus cartas a Peter Gast y a Georg Brandes, no se limita a una pasión personal. Nietzsche no es dado a los elogios. Él ha comparado a menudo la música con Circe por su poder equívoco: La música es un hechizo, (Carmen), ella embruja, pero también pervierte y absorbe completamente a sus auditores. «Cave musicam!» -¡Cuidado con la música!- (Humano, demasiado humano. Prefacio, § 3). De una forma bastante ambigua, Nietzsche ha escrito también que "es un prejuicio corriente en los filósofos creer que toda música viene de las Sirenas". (La Gaya scienza, § 372). Lo que es seguro, es que a la declaración citada en el epígrafe, Nietzsche le confiere innegablemente un alcance metafísico. El apotegma vuelve a colocarse a nivel de las intenciones del Creador: la vida deseada por Dios para los hombres no tendría sentido si faltara la música, la Creación estaría perdida si el mundo no incluyera la música. He aquí pues una suerte de Gloria in excelsis bajo la pluma del ateo Nietzsche, dirigido no a Dios, sino al mundo y a la vida. Sin música, la vida sería un error, así como, sin el Amor, la gracia y el Poder absoluto, Dios no sería Dios, sería un concepto fallido, una especie de diablo cojo.

Dios ha muerto. La vida es pues la única realidad. Y Nietzsche llama amor fati, afirmación, esta aprobación de la vida y de la realidad en todos sus aspectos, trágicos, fisiológicos, sensibles, afectivos, este «Fasagen» (dire-oui) «decir-sí» al mundo y a la vida, que las problemáticas metafísicas clásicas llamaban «Teodicea» (justificación de Dios). En este sentido, se podría atrever a decir que, para Nietzsche, la música es la justificación del mundo y de la vida, el «principio de razón suficiente», mejor aún, para hablar como Leibnitz, el «principio de lo mejor».

Así lo entendió también Jim Morrison, seguidor de Nietzsche y su filosofía, quien en su When the music’s over (Cuando la música se acabe) del álbum Strange Days (1967) hace un poema declarando su amor a la música, amor que prefiere la muerte antes de dejar de interactuar con ella «Cuando la música acabe (…) Cancelen mi suscripción a la resurrección». Si Nietzsche quiso hacer música con el lenguaje, Morrison lo quiso hacer con el teatro y el poema. Para Morrison también la música es un hechizo que embruja pero él incita a seguirla hasta el final “bailando sobre el fuego” si es que ella no los pide (curiosa metáfora) y en su imaginaria no concibe el mundo sin música “¿Qué le han hecho a la tierra? / ¿Qué le han hecho a nuestra hermosa hermana? / Devastada, saqueada, violada y golpeada / Le perforaron con cuchillos en el costado del amanecer”, al no encontrar justificación de un mundo y una vida sin música.

Pero si para Nietzsche “Dios ha muerto” (*), para Morrison el hijo de Dios –Jesús- cobra gran importancia en su grito-oración rogando devolverle la música al mundo “¡Sálvanos! / ¡Jesús! / ¡Sálvanos!”. Dios es necesario, para Jim Morrison, como lo fue para Marx en su lecho de muerte.

"Y me planteo la pregunta: ¿Qué quiere pues, de la música mi cuerpo entero? Pues no es del alma... creó que su aligeramiento; como si todas las funciones animales debieran ser aceleradas mediante ritmos ligeros, audaces, turbulentos; como si el bronce y el plomo de la vida debieran olvidar su pesantez gracias al oro, la ternura y la untuosidad de las melodías. Mi melancolía quiere descansar en los escondites y los abismos de la perfección: he aquí por qué necesito de la música". Friedrich Nietzsche, Gaya scienza (§368).

"Mientras existan hombres, recordaran palabras y combinaciones de palabras. Solamente poesía y música permanecerán". Jim Morrison.

La música es necesaria, sin la música la vida seria un error y si ella no existiera será mejor cancelar la suscripción a la resurrección.

(*) Para Nietzsche Jesucristo también toma gran valor, no como divinidad, es quizás un ejemplo de su superhombre imaginado, un filósofo comparable con Sócrates.

Lea También, los inspirados:
Nietzsche, Wagner y la Música. / Nietzsche y la música. / Música Nietzsche (audio).
Un poema de Jim Douglas Morrison. / The Doors: When the music’s over.

Recuerdo un viejo artículo del forastero que emulaba ser Jaime Saenz, lo recordaba en su juego de trotamundos en su sub-mundo, La Paz (Bolivia), su ciudad por antonomasia donde nacería, viviría y moriría. Poeta, escritor, bohemio, amante de la noche sus placeres y sus pecados, Jaime Saenz tenía un juego: "Viviendo en una de las casas que se descuelga de la montaña, don Jaime instalaba un telescopio que apuntaba hacia la ciudad tentando el azar. Después de ubicado un punto, un punto cualquiera de la ciudad, partía en su búsqueda.” (El Forastero)

No es tan fácil imaginar a Saenz recorrer, como cual medico a su paciente en una sala de emergencias, a una ciudad que vive y se mueve en sus calles escarpadas que se descuelgan de los cerros. Buscando con tan solo un mapa mal dibujado en un cuaderno de apuntes con mínimas referencias -la botella de alcohol (como, no), un ll'uchu quizás, sus lentes gruesos y el mítico abrigo de aparapita para combatir con el frío y otros demonios- aquel punto que había elegido el azar.

“Recorría plazas desconocidas, empinadas calles, casas abandonadas, esquinas llenas de crimen o sexo, y finalmente encontraba aquel punto. (…) apuntaba en su cuaderno, sucio y manoseado, con una letra menuda, sus impresiones de aquel punto. El aire que se respira, el color del sol golpeando contra las paredes de ladrillo o adobe o cemento. Una vez tomados todos los datos de la experiencia regresaba a casa, movía al azar el telescopio (como quien hace girar una bola del mundo) y volvía a comenzar.” (El Forastero)

Jugar a ser Saenz por un momento, o hacer una búsqueda turística por la La Paz de Saenz, con sus calles y personajes, -“Con un andar inseguro y precipitado, Felipe Delgado llegó a la calle Inquisivi, y se detuvo en la avenida Pando. Después de un momento de vacilación prosiguió caminando, en dirección a la calle Tumusla, cuando de repente, en su desatinada marcha, se tropezó con un cuerpo que yacía tendido de espaldas al cielo, en plena acera, y cayó, profiriendo un quejido de dolor.” (Fragmento de la novela Felipe Delgado de Saenz)- y buscar desde los cielos puntos al azar o curiosos, llegar ahí in-mortalizarlo en una fotografía y describirlo en un libreta. Lo intentaremos… buscando con nuestro ojo de vidrio.

Ver Captura Ampliada – Ver En Panoramio.

Buscaremos desde los cielos gracias a Google Earth, los inmortalizaremos con una Olympus y los describiremos en Word, juntaremos todo en Panoramio.

Visite También:
Google Earth:Lleva a tu escritorio un mundo repleto de imágenes de la Tierra y otros datos geográficos.
Ojo de Vidrio: No pretendemos robar almas, solo queremos dibujar en la Luz.
Panoramio: Imaginen un mapa enorme del mundo donde puedes anexar las imágenes de las ciudades o paisajes que hayas fotografiado.

“Una vez que pases las paredes gruesas y las puertas de la seguridad, cualquier semejanza a una cárcel normal desaparece…”

Es 1997, en 1988 el crimen en Estados Unidos aumento en un 400%. La ciudad de Nueva York se ha convertido en la única prisión de máxima seguridad del país. Todos sus accesos han sido minados. Dentro no hay guardias, sólo los presos y las sociedades que ellos mismos han establecido.

Es la aproximación que nos hace John Carpenter a una ciudad futurista, en su película Escape from New York, claro que la película fue filmada en 1981 y para como iban las cosas (y aun como van aun) la visión de Carpenter no era muy alejada de la realidad, un poco exagerada pero realidad al fin.

Pero saltemos al siglo XXI, aun la New York de Carpenter no es un total caos, la ciudad prisión aun permanece en la ficción, con su antihéroe de parche escondido en algún rincón. Pero al otro costado de América, en Bolivia, una pequeña prisión mal llamada San Pedro muestra detrás de sus muros el sueño de Carpenter hecha realidad.

Imagen: Rafael Estefanía, BBC Mundo.

“Una vez que pases las paredes gruesas y las puertas de la seguridad, cualquier semejanza a una cárcel normal desaparece: hay niños que juegan, un mercado, restaurantes, peluqueros e incluso un hotel. Viendo bien quizás se asemeje a las calles del Alto, la ciudad más pobre de Bolivia ubicada en las cercanías del La Paz.

No hay guardias dentro, tampoco barras del metal en las ventanas de las celdas. Esta libertad relativa viene en un precio: los internos tienen que pagar sus celdas, por ello la mayor parte de los presos tienen que trabajar dentro de la cárcel.

“Si tienes dinero que puedes vivir como un rey,” un interno me dijo: El dinero puede comprarte comodidad en las secciones “elegantes” de la prisión - uno del mejor es Los Pinos. Aquí, las celdas son espaciosas y tienen televisión, cuartos de baño privados, cocina y TV cable. Afuera, tienen mesas de billar, quioscos que venden el jugo fresco, y paradas del alimento. El coste de las celdas es entre .000 y .500 y se la compra mientras dure la condena del interno.

Pero también hay áreas pobres de la prisión, donde los internos tienen que compartir las celdas.”

Una ciudad dentro de la ciudad, como la imagino Carpenter, es la cárcel de San Pedro en La Paz (Bolivia) donde 1,500 internos (con sus niños y mujeres) tienen casas, trabajos, sus clases sociales, sus crímenes, sus escritores…

Otra ficción que se vuelve realidad en un rincón del mundo que la BBC en su Diario de Fotos nos lleva a recorrer y nos interna a las entrañas de una prisión convertida en ciudad.

Lea También:
BBC (EN): Photo journal - Inside a Bolivian jail.
Neatorama (EN): San Pedro City-Prison in Bolivia.
Wikipedia (EN): Escape from New York - John Carpenter.

"Si un hombre se imagina una cosa, otro la tornará en realidad." (Julio Verne)

Natascha Kampusch es la joven que a sus 10 años fue secuestrada por Wolfgang Priklopil. Con 8 años secuestrada hace algunas semanas Natascha logro escapar de su captor y hace un par de días dio una entrevista a los medios para contar lo que vivió durante 8 sus años de secuestro. La noticia recorrió todo el mundo junto con la noticia del suicidio de su captor, horas después de la fuga de Natascha.

Pero si todo esto no fuera por demás extraño, la policía austriaca busca indicios sobre el secuestro en una novela, “The Collector”, que pudo haber servido como inspiración a Wolfgang Priklopil para secuestrar a la niña Natascha. Quizás no sea coincidencia ya que muchas novelas, películas y juegos de video han servido para crear los crímenes mas inverosímiles, basta recordar la masacre en la escuela de Columbine en 1999 donde 2 jóvenes y un arsenal de armas llevaron la fantasía del juego de video Doom a una sangrienta realidad. “Será como los disturbios de Los Ángeles, como el atentado de Oklahoma, como la Segunda Guerra Mundial y Vietnam, como Duke y Doom todo mezclado... Quiero dejar mi huella en el mundo.”.

Hilo invisible que nos separa de la realidad y la ficción la que a veces se rompe, parabién o para mal.

FICCIONES DEL DEMONIO
Gustavo Faverón P.

Cada cierto tiempo uno escucha algo como esto. Pasó con Natural Born Killers, cuando algunos chiflados cometieron crímenes imitando los de la película.

Ocurrió con The Matrix, que, según se dijo, fue inspiración parcial de los muchachos idiotas que asesinaron a un puñado de compañeros suyos en un High School en Columbine, Colorado.

Años antes, un fiscal norteamericano le echó la culpa parcial de las barbaridades de Charles Manson a una canción de Paul McCartney, Helter Skelter (video), y a otro puñado de cosas de los Beatles.

Y también los Beatles tienen que ver con otra, más célebre, historia de estas: Mark Chapman, el asesino de John Lennon, y su descabellada interpretación de The Catcher in the Rye de Salinger, que fue uno de los factores que lo condujo a matar al Beatle.

Ahora dicen que detrás de la historia inverosímil y compleja de Natascha Kampusch hubo también una ficción inspiradora para el delincuente: la novela The Collector, que el británico John Fowles publicó en 1963.

The Collector (que parece una mezcla del "Wakefield" de Hawthorne, El silencio de los inocentes y Misery, la novela de Stephen King) cuenta la historia de un solitario que, desde la ventana de su casa, observa cotidianamente las entradas y las salidas de su joven vecina de enfrente, hasta que decide un día secuestrarla, y lo hace, y la encierra en el sótano de su casa.

En la novela, la historia es contada primero desde el punto de vista del secuestrador y luego desde los ojos de la víctima, hasta que esta muere y la voz regresa donde el pepetrador del delito. El desenlace, afortunadamente, ha sido distinto en la realidad: la chica ha huido y su secuestrador ha terminado suicidándose.

Es curiosa el aura negativa (o, en el otro extremo, el aura de culto) que adquieren algunas veces las obras de ficción cuando se convierten en detonantes de una de estas desgracias. La gente parece sorprenderse de que el arte, y muchas veces, el arte de gran calidad, ejerza un poder real sobre la mente de psicópatas, asesinos, delincuentes consuetudinarios y corruptos, etc.

Como si en verdad el disfrute, el placer o la atracción estética o intelectual estuvieran reservadas a unos cuantos justos. Como si Hitler no hubiera sido un acuarelista amante de sus mascotas y Vallejo un abortista despiadado.

El problema, pongámoslo de este modo, es que el arte es siempre capaz de rescatar, despertar, remover, atizar o echar a andar aquello que tengamos en nosotros de extraordinario, sea extraordinariamente bueno o malo. Y las mismas ficciones que a algunos de nosotros nos son suficientes para ventilar nuestros lados oscuros y dejarlos expandirse un rato sin dañar a nadie --salvo, acaso, a nosotros mismos--, para otros son pasajes de salida y de regreso a una realidad más torva y cruel, más negativa y criminal.

Porque la literatura y el cine, entre otras, son formas de locura controlada, y siempre, como con cualquier simulacro, se corre con ellas el riesgo de olvidar la distancia entre los hechos de su mundo y los hechos de la realidad.

Lea También:
Preparativos de la masacre (Pagina/12).
Ficciones del demonio (Puente Aéreo, blog de Gustavo Faverón Patriau).

“Abril es el mes más cruel, desentierra abriles de la tierra muerta. (…) Vivir, es el mes más cruel.” (Rolando Prats Páez - Sin Ítaca)

Dicen algunos que saben -y otros que simplemente quieren creer que saben- que abril es el mes más cruel, lo escribió el mismo Thomas Stearns Eliot en su largo poema de 5 partes La Tierra Baldia (1922):

I. EL ENTIERRO DE LOS MUERTOS

ABRIL, EL MÁS cruel entre los meses,
Hace que nazcan lilas en la tierra muerta,
Mezcla recuerdos y deseos, sacude
Raíces perezosas con lluvias vemales.
El invierno nos puso los abrigos, cubriendo
La tierra de olvidada nieve, alimentando
Una mezquina vida con inertes tubérculos.
Nos sorprendió el verano, soltándose sobre el Stambergersee
Con un chubasco; hicimos alto en la columnata
Y cruzamos después el Hofgarten, bañados por el sol.
Y tomamos café y platicamos una hora.
(Fragmento de La Tierra Baldia, Thomas Stearns Eliot)

Los romanos lo llamaron Aprilis de aperire (abrir) probablemente porque es la estación en la que empiezan a abrirse las flores y claro, Eliot, debió referirse a su primavera ese mes que “hace que nazcan lilas en la tierra muerta” pero que también trae con ella esa mezcla de recuerdos y deseos que sacuden raíces perezosas con lluvias vemales, recuerdos que provocan suicidios.

Pero en esta parte del globo es en septiembre en que las flores se abren, también las viejas heridas, esa mezcla de memoria y deseo, de historia e inminencia a la que la primavera induce es perturbadora para los espíritus racionales.

Dicen algunos que la primavera dispara el número de suicidios. Al desgraciado le jode ver gente feliz que le recuerda su maldita desgracia. Un desgraciado entre caras largas y abrigos gruesos azotados por el cierzo pasa desapercibido, pero entre camisetas de tirantes, escotes en flor y niños en los columpios es como una verruga en la cara de Scarlett Johanson. Desentona, sabe que no debería estar ahí, entre tanto asqueroso buen humor, y se quita de en medio.

Pero no es abril, ni septiembre, ni julio, ni diciembre… siempre se recuerda, siempre la memoria, el deseo y el destino confabulan para joderte la vida, en cualquier momento.

Feliz Septiembre, feliz primavera… feliz Vida.

Lea también:
LA TIERRA BALDÍA (1922), T.S. Eliot.
Historia: Julio es el mes más cruel (Cubanet).

Hace ya dos días que Bolivia cumple como nación 181 años de vida, las celebraciones nunca antes vistas y la bonita costumbre de decretar feriado el lunes. 181 años, entre desangramiento y algunas alegrías, que a nadie fuera de Bolivia le debe interesar, pero son fechas como estas cuando la bandera se la iza más alto y cuando el corazón parece salirse del pecho.

De forma paralela con los 181 años se inicia una asamblea constituyente para refundar el país, para crear una nueva nación de inclusión para los relegados de miles de años, para dar poder de decisión a los pueblos en medio de un fenómeno sociopolítico jamás visto.

Como les había dicho, las celebraciones por los 181 años y el inicio de la asamblea constituyente, fueron nunca vistas. Yo prefiero guardarme la celebración para cuando la nueva carta magna este escrita, de acá a un año. Espero celebrar.

BBC Mundo: Bolivia en los blogs

Gratamente Complacido leo en la BBC Mundo un blog donde Rafael Estefanía hará un viaje de extremo a extremo por Bolivia y compartirá sus imágenes y textos en su pagina, será interesante leerlo, Bolivia vista con ojos de un extranjero que espero sepa encontrar la esencia de esa Bolivia multiétnica y pluricultural.

Escribo este blog desde Bolivia, país que durante las próximas cuatro semanas estaré recorriendo en un viaje que me llevará desde las tierras bajas del Chaco en el sur, hasta la frontera amazónica con Brasil en el norte, pasando por el Altiplano, Santa Cruz, Tarija, El Beni y todos aquellos lugares interesantes que encuentre en el camino.

El objetivo de este viaje es simplemente comprobar con mis propios ojos y con el de mi cámara, lo que todos los bolivianos dicen: "Bolivia no es una sola, son muchas diferentes".

Rafael Estefanía
BBC Mundo, Bolivia

Suerte en el viaje.

Se ha presentado para la Bolivia contemporánea un nuevo desafió, el crear una nueva republica con base en las autonomías regionales, la nueva carta magna tendrá como primer desafió la concertación en la diversidad. Los resultados en busca de asambleístas y autonomía, refleja un país dividido geográficamente y que el presidente Evo Morales, a pesar de su amplio respaldo, tendrá que encontrar vías de diálogo.

Los resultados de las autonomías a primeras luces dan a un SI como ganador en 4 departamentos (Beni, Pando, Santa Cruz y Tarija) y el NO vence en 5 regiones (Chuquisaca, Cochabamba, La Paz, Oruro y Potosí).

El sistema no funciona, el cambio llego con la madurez democrática de la sociedad boliviana desde ese histórico diciembre de 2005, donde nos apostamos la vida como republica y desde los años previos donde se pidió más inclusión. Hasta llegar a esta elección donde cada uno se jugo por la patria.

Lo que vendrá nadie lo sabe y muy pocos se aventuran a predecirlo, este es el punto mas alto del cambio democrático de una nación, estamos viendo el nacimiento de una nueva Bolivia. Muy pronto serán 25 años de vida democrática continua en un camino que todavía comienza, pero que nos obliga a mirar al futuro con esperanza y con la seguridad de que la dirección en la que nos movemos ahora es la correcta.

“Gracias a la vocación democrática del pueblo estamos cambiando nuestra historia, nuestra Bolivia” (Evo Morales)

Lea También:
BBC Mundo: Una nueva Bolivia.

"Hola Time magazine, hola Premio Pulitzer / cicatrices tribales en Technicolor (...) el buitre acechaba la blanca llamada / mentira para siempre / perdiste tu vida en blanco y negro"
Manic Street Preachers

Un Judas contemporáneo, Kevin Carter, atormentado por sus demonios que lo llevaron al suicidio; No vendió a ningún profeta, simplemente tomo la foto mas inhumana de la historia, las 30 monedas de plata que recibió Judas fueron multiplicadas a 3.000 dólares, un Pulitzer y una portada en el Time, el beso de su índice al disparador –como cual arma con gatillo- de su cámara fotográfica, vendieron su alma al diablo.

Miembro del Bang Bang Club, Kevin Carter, junto con un grupo de fotógrafos decidieron dedicar su vida a transmitir, mediante el poder de las mismas imágenes, postales del horror de la guerra, el hambre y la miseria en carne propia, con el fin de despertar conciencia de sus pares, dándole un nuevo significado a un oficio tan presuntamente fútil como lo podría ser un fotógrafo, un testigo mudo de la realidad.

Su fotografía más famosa le otorgó el premio Pulitzer de 1994, dio vueltas alrededor del mundo, cubriendo su nombre de un reconocimiento que él comenzó a odiar hasta el límite de lo intolerable, una foto que puede considerarse la suma de lo inhumano: en primer plano un niño sudanés está doblado sobre la tierra, casi moribundo, a causa del hambre. Unos metros más allá, un buitre observa con serena impaciencia el desenlace del drama para iniciar el banquete.

La culpa y la vergüenza aumentaba en proporción a la celebridad del fotógrafo, a pesar de la aberración de la cual sus ojos eran testigos, no había podido soltar su cámara para socorrer a la niña, y este acto de cobardía se había materializado en un premio Pulitzer y en la portada del Times.

Unos meses después de obtener el premio abrumado por la culpa a la edad de 33 años Kevin Carter se suicidó conectando una manguera al caño de tubo de escape y aspirando los gases tóxicos. Días antes al terrible suceso había declarado con respecto a la foto del premio: "Será la foto más importante de mi carrera, pero no quiero ni verla. La odio. La tragedia y la violencia son imágenes poderosas; por eso se pagan así. Pero algo de la emoción, de la empatía y la vulnerabilidad que nos hacen humanos se pierde cada vez que apretamos el gatillo".

También dijo David Suárez: “el encuadre de Kevin Carter es el mismo que el del ave de rapiña que espera impaciente la muerte del niño. Son dos testigos de una misma agonía: para el buitre, el plato a devorar; para el fotógrafo, es la imagen maldita de la muerte del hombre, de todos los hombres“.

Kevin Carter, un judas contemporáneo atormentado por legiones de demonios que será maldecido por muchos, pero no ha hecho más que mostrar el grado de deshumanización de todos los hombres que buscan un Apocalipsis en números, asteroides y anticristos.

Vea También:
El suicida del Club Bang Bang.
Kevin Carter Film: Casualty of the Bang Bang Club.
Bang Bang Club: Los que vieron demasiado (Pagina12).
Manic Street Preachers - Everything Must Go: Kevin Carter.

“El planeta fútbol se rinde al mejor equipo de Europa. Pero aún quedan dos pasos para saber si también es el campeón”. Lo dijo Elias Israel, un 19 de abril. El Barcelona ha llenado el formulario y es el nuevo campeón de toda Europa. Arsenal Llora.

Siempre se retrata al ganador, ahora mismo miles de fotografías de un Barcelona campeón entre papeles de colores dan vueltas por el mundo.

Pero todo es parte de una dualidad necesaria. En el fútbol el perdedor no vale tanto como el ganador, pero en la realidad es tan o mas importante que el campeón, porque sin el no existirían los ídolos, sin ellos no se iniciarían las leyendas, sin ellos no existiría el bien y quizás nisiquiera un dios.

El fútbol es la gran metáfora de la vida, una metáfora llevada al extremo, exagerada, irracional, pero de la vida al fin.

Lea tambien: UEFA Champions League 2006: Crónicas.

Como ahora los blogs, la televisión u otros medios informativos modernos, existe una forma grafica antiquísima de transmitir información o en todo caso de satirizar esas nuevas formas de información que encuentran en el desastre, un banquete para el morbo (refierome a esa especie de reality show montado por los medios en la tragedia de New Orleáns). 

Los comics desde siempre han sido reflexiones de la sociedad y de a poco se ha convertido en una cultura de las masas, tanto así que en muchos casos los comics han servido para abrir los titulares de los periódicos locales, formando así la nueva generación denominada tiras de prensa o cartoons editoriales.

Como tiras de prensa son tan maleables que ademas de dar información u opinión puede transmitir muchas emociones en un pequeño espacio. Religión, política y la moral son temas recurrentes. Pero no solo estos últimos temas mencionados son los mas usados desde hace un tiempo los comics editoriales se han unido también a la lucha contra el terrorismo y los nuevos males que van aquejando al mundo.

Hace dias, en Bolivia, se ha nacionalizado los hidrocarburos en medio de todo ello ha surgido una suerte de conflicto con las empresas hidrocarburiferas españolas asentadas en Bolivia (tan o mas peor que aquel conflicto creado por el Jersey (Chompa) de Evo en su gira por España –llamarlo ironia-). Forges lo ha visto de otro modo en su tira de opinión. Yo mismo, hace un tiempo escribia cuando opinaba sobre los comics de prensa sobre Katrina y el desastre en New Orleáns y decia:

Algunas veces me encuentro hastiado contra la televisión actual y su manera de llevar temas tan delicados sobre las desgracias actuales, encuentro en los comics de prensa una salida alternativa de reflexión. Pero además de satirizar, informar u opinar, pueden leerse en sus líneas mensajes de esperanza y reflexión.

Forges me ha dado una vez mas la razon.

El comic de Forges publicado en su tira de prensa diaria en el pais.es (España).

“Serás maldecido durante generaciones (…) Sepárate de los otros y te mostraré los misterios del reino. Los alcanzarás, pero sufrirás” (…) Tú superarás a todos; sacrificarás al hombre que me recubre”
(Dijo Jesús al apóstol Judas, según el escrito)

30 monedas de plata y un beso, signos de la mayor felonía de la historia, infamia alevosa contra cristo de un hombre, Judas. El hombre que ahora, siglos después de su muerte puede que encuentre la beatificación de los hombres.

Las letras de la discordia yacen en el Evangelio de Judas, escrito en copto por una secta herética, denominada los gnósticos, hace más de 1.700 años. El escrito, al que le esperan ríos de tinta y especulación, presenta, de acuerdo con doctrinas gnósticas, al mayor traidor de la historia como el discípulo favorito de Jesucristo, elegido para una misión divina. Su traición era, en realidad, un encargo de salvación.

Las sensibilidades superiores pueden adelantarse moralmente a la arbitraria sucesión de acontecimientos. Borges propuso en 1944 la tesis de que Judas había calumniado voluntariamente su memoria por los siglos de los siglos para legarnos la imagen sublime de un Dios traicionado... Hoy el mundo comenta el hallazgo de “El evangelio prohibido de Judas”...

Por lo demás, sólo un Dios suicida eliminaría al diablo. Judas simboliza la necesidad del mal. Es inconcebible el tiempo —la existencia— sin la alternancia de fuerzas contradictorias. La tesis salva también a Dios, que así queda eximido de justificar su indolencia con la desgracia. (Roberto Barbery)

Artículos Relacionados:
Elmundo.es: El Evangelio, según Judas.
Rocko Weblog: Letras profanas y evangelios apócrifos.

El sol moría lentamente en el horizonte, mientras el hombre santo aun no podía comprender el porque de su misión.

Su fe y el amor que profesaba eran infinitos, pero aun en esa pureza dudaba por primera vez de su religión y de su padre… “Eloi, Eloi lema sabaktani ”!!!!! había dicho entre su lucha entre su dolor carnal y su fortaleza espiritual.

De sus labios aun corrían gotas del vino mezclado con hiel que le dieron a beber… pasos mas allá, en las sombras, el hombre profano miraba con cierta sonrisa siniestra.

Ha ido a donde el Padre quería; ha predicado cuando, donde y por el tiempo que el Padre quería; ha hecho los milagros que el Padre quería; ha elegido a los hombres que el Padre le indicó; ha predicado la verdad y la justicia, como el Padre quería; ha vivido conforme a lo que predicaba, para agradar a su Padre; ha sufrido los tormentos indescriptibles de la pasión y de la cruz; ha cumplido las Escrituras. Ahora ya puede expirar como un soldado valiente que ha combatido el buen combate y que grita: Adsum!... Hecho esta.

Su fuerza se había desvanecido, pero su fe seguía manteniéndolo con vida… sus labios pronunciaban una oración silenciosa que solo el entendía, una oración silenciosa que buscaba las ansias redentoras y misericordiosas del Padre y del Hijo unidos al Espíritu Santo.

A ti, Señor, me acojo; no quede yo defraudado...
Sé para mí roca de cobijo y fortaleza protectora...
guíame y condúceme, por el honor de tu nombre...
En tus manos encomiendo mi espíritu;
tú, Señor, el Dios fiel, me rescatarás.

El hijo del hombre siente desfallecer y encomienda su espíritu a su padre,… no como lo haría un vasallo con su rey, sino la de un hijo para con su Padre. No se abandona a las manos poderosas de Yahvéh, el Señor de los ejércitos, el rey de las naciones, sino en las manos tiernas y benditas de su Padre.

Y el cuerpo se desploma, despojado ya del alma que lo sostenía con un aliento de vida. Es la ofrenda del sacrificio total, del holocausto. Lo ha dado todo para la salvación de los hombres. Y en la cruz sólo queda el cuerpo colgado de tres clavos y la cabeza caída. El hombre bendito es ya un cadáver entre los hombres.

Al llegar la hora sexta, la tierra entera quedó en tinieblas hasta la hora nona. En medio de las tiniebla la muerte de Cristo tiene como un eco en la tierra que tiembla. Se estremece el infierno y su rechazo de Dios. Se estremecen los diablos que han sido definitivamente vencidos. Se estremece la muerte que ya no tiene poder sobre los hombres. Se estremece la tierra como si la creación no pudiese comprender lo que acababa de ver en su creador que se entrega por los hombres. Así se celebra la victoria sobre la muerte. La muerte absorbida por la vida, así se cumplió lo profetizado: "¡Muerte! ¡Yo seré tu muerte!"

"Un tierno niño sano y bien criado constituye al año de edad el alimento más delicioso, nutritivo y saludable, ya sea estofado, asado, al horno o hervido; y no dudo que servirá igualmente en un fricasé o en un ragout".
Jonathan Swift

Esta inquietante pintura es una de las catorce que se conocen con el nombre de "pinturas negras", con las que Goya decoró el comedor y el salón de una casa, la llamada "Quinta del Sordo". Esta pintura, que de sólo mirarla provoca un vértigo de aversión, se trata de un tema mitológico -sobre el dios Saturno o Crono-, representación alegórica del tiempo.

Saturno devorando a un hijo, llegó a ser una de las pinturas más inquietantes de principios del siglo XIX, pues explaya, con maestría y sentido dramático, el tema alegórico del tiempo representado por el dios mitológico Cronos -identificado por los romanos con Saturno-, quien, temeroso de ser destronado por sus descendientes, como el había hecho con su padre Urano, devoraba a los hijos que daba a luz su esposa Era.

En la pintura se muestra a un Saturno de contornos difusos y desproporcionados, con unos ojos forzadamente abiertos y llenos de locura, con una desaliñada melena grisácea que le cae por los hombros, con la espalda encorvada por el peso de su vejez, y con una enorme boca abierta de la que cuelga el brazo de un cuerpo mutilado y bañado en sangre.

Una de las referencias literarias más conocidas en relación al canibalismo es el manifiesto irónico de Jonathan Swift, titulado como Una modesta proposición en el cual de forma irónica denunciaba la existencia de niños mendigando por las calles de Dublín, y como solución a los niños que no pueden ser mantenidos por sus padres, Swift proponía criarlos hasta la edad de un año, que es la edad en la que el bebé sólo necesita alimentarse de leche materna, para después ser vendidos como alimento, puesto que "un tierno niño sano y bien criado constituye al año de edad el alimento más delicioso, nutritivo y saludable, ya sea estofado, asado, al horno o hervido; y no dudo que servirá igualmente en un fricasé o en un ragout". Pudiendo el gobierno entonces despreocuparse de los niños pobres irlandeses.

Pero en la "actualidad" me encuentro con una noticia que va creando polémica hace un par de años atrás. Zhu Yu, de 32 años, es un artista chino cuya provocadora obra consiste en comer niños muertos.

Me encuentro con semejante noticia hace un par de días, la noticia se la difundió en 2003, donde un programa británico emitía un documental –que aun circula por Internet- en el que aparecía Zhu practicando el canibalismo infantil mordiendo diversas partes de un feto humano. El artista chino aseguraba que robó los cadáveres de una escuela de medicina y que vomitó tras ingerir la carne. Su móvil: «Lo hice por amor al arte».

Tal controversia nos recuerda otra vez, la dificultad de decidir si el arte tiene límites y si los tiene ¿cuáles son?. Esta nueva tendencia en el arte chino corresponde al llamado "shock art" (arte extremo). Sus creadores surgidos bajo la censura del régimen comunista chino, ofrecen un arte impactante cuyo lema es hacer un arte que carezca de cualquier tipo de límites.

Podríamos decir que actualmente el canibalismo está erradicado de todo el mundo. Únicamente se dan brotes en el caso puntual de los psicópatas asesinos, que de tanto en tanto atacan con saña nuestra moralidad, agazapados desde las páginas de sucesos. Asesinos caníbales, atraídos hacia la feroz práctica de algunas culturas primitivas, o como decía Freud, ejercida por nuestros más lejanos ancestros en la época de la horda primitiva. Los ejes en los que rota esa perversa atracción son las relaciones de poder, la consumación de la muerte, y la perduración de ésta en la vida del temerario engullidor.

La alta carga ritual del canibalismo aún perdura en nuestros subconscientes, desde siempre, y es por eso que cualquier manifestación artística que incluya esta práctica, provoca una mezcla de repulsivo rechazo y atrayente morbosidad.

Lo mismo que sucede al ver al “Saturno devorando a su hijo” de Goya o al oír el manifiesto irónico de Jonathan Swift que son ahora consideradas como algunas de sus obras más bellas y majestuosas, habría que preguntarse si no sucederá lo mismo dentro de unas décadas con las fotografías extremas del artista Zhu Yu.

La cuestión es que desde la entrada del controvertido arte conceptual en el mundo artístico moderno, el objeto ha perdido la hegemonía del arte, cediendo parte de su espacio a otras modalidades artísticas donde prima la intención del artista, y la experiencia particular que ésta crea ante el público. Zhu Yu buscaba conmover con su arte sensacionalista al mundo occidental, y lo consiguió. Y no deja de ser éste más que otro síntoma de la corriente artística moderna, donde proliferan la creación de nuevos museos de arte contemporáneo, y saltan a la palestra los artistas que ofrecen las propuestas más impactantes o sensacionalistas.

Evitando caer en rápidas censuras, habría que preguntarse si Zhu Yu no traspasó la línea de lo que puede considerarse como arte. Preguntado por su obra el artista caníbal respondía: "No hay ninguna religión que prohíba el canibalismo. Tampoco hay ninguna ley que nos impida comer gente. Yo he aprovechado este espacio entre la moralidad y la ley" o "Lo hice por amor al arte", que recuerdan aquellas otras que se popularizaron después de que Truman Capote publicara In Cold Blood (A Sangre fría) que decían: "Todo asesinato es una obra de arte a la que sólo le falta el escritor". Sin embargo, la diferencia es que aunque no lo crea Zhu Yu, si que está vulnerando lo que marcan la mayoría de las legislaciones penales, pues únicamente habría vacío legal si la víctima hubiera dado su consentimiento para ser parte del festín -que no es el caso-, ¡Y que decir de la condena enérgica que muestran la mayoría de las religiones frente a tal acto brutal! A veces se alega que la eucaristía cristiana es un mero acto caníbal, pero eso significa simplificar demasiado y despojar totalmente a Jesús de su naturaleza divina, pues cuando éste hablaba del pan de la vida como su carne, y del vino como su sangre, lo que estaba era reafirmando su naturaleza divina y el alimento que significa la fe en el creyente.

Desde H.P. Lovecraft hasta Edgar Allan Poe en las letras o Henry Fuseli o Goya en la pintura, son catalogados como los impulsores del género del terror, muchos de ellos lo fueron quizá a causa de sus propias pesadillas o alucinaciones.

Fantasmas, demonios y otros seres fantásticos están presentes en la literatura desde sus orígenes. En algunas baladas medievales se habla de los fantasmas como si su existencia fuera un hecho demostrado: son igual de reales que los seres humanos a quienes hechizan. Los espíritus que regresan de la tumba para exigir venganza en el teatro renacentista, como el padre de Hamlet en la obra de Shakespeare, resultan aterradores sólo porque introducen un matiz de duda y despierta el miedo que produce lo no conocido. Pero más allá del esquisto relato de algunos escritores muchos otros, quizás los principales, impulsores del terror han desarrollado ese don por traumas, alucinaciones en su infancia y su vida o simplemente quizás lo hayan imaginado en sus más oscuros sueños.

Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870), el poeta español por excelencia quedo huérfano y vivió en la pobreza, fracaso en su matrimonio, la tuberculosis y una enfermedad venérea lo llevaron a la muerte. Escribió, en pleno auge del romanticismo, sus rimas y leyendas con elementos de horror y lo grotesco hábilmente explotado en sus relatos como el mismo escribe: “Por los tenebrosos rincones de mi cerebro, acurrucados y desnudos, duermen los extravagantes hijos de mi silencioso tumulto, buscan en tropel por donde salir a la palabra para poderse presentar después en la escena del mundo.” Amor, miseria, monstruos, engendros salidos del mismo infierno y almas suplicantes convertidas en rima rondan en las letras de Bécquer.

Edgar Allan Poe (1809-1849). Hijo de cómicos ambulantes que murieron siendo él niño, fue recluido en un internado en Inglaterra a los seis años. Su temprana afición al alcohol y otras drogas, le valió el repudio de su tutor, a su vuelta a Estados Unidos, y tuvo que buscarse penosamente la vida, lastrado por sus vicios. El autor de El gato negro, Los crímenes de la Rue Morgue, El hundimiento de la Casa Usher o El escarabajo de oro murió hecho un vagabundo a los 40 años, en medio de terribles delirios, tras ser encontrado tirado en una calle.

La vida de H. P. Lovecraft (Providence, Estados Unidos, 1890-1937) tiene tintes aún más densamente oscuros. Niño enfermizo y melancólico, sufrió la demencia de un padre sifilítico y la de una madre obsesivamente protectora. Lovecraft, que siempre sufrió de terribles pesadillas, se dedicó pronto a la literatura macabra y al oscurantismo. Odiaba el día. Vivía de noche. Se rodeó de un círculo de escritores con las mismas aficiones, que colaboraron en algunos de sus libros. Es autor de Los mitos de Cthulhu, En las montañas de la locura o El que acecha en la oscuridad. Murió pobre y en el anonimato a los 47 años. Escribió sobre sus fobias y complejos. Así, su aversión al pescado, le llevó a imaginar una serie de abominaciones procedentes del mar; su racismo, a las monstruosidades surgidas del apareamiento de los humanos con ellas; y las pesadillas, que invariablemente poblaron sus sueños, a la creación de un universo onírico que supera a las visiones producidas por la ingestión de alucinógenos. Gracias a esa aversión al pescado llego a crear a la criatura Cthulhu "un monstruo de perfil vagamente antropomórfico, pero con una cabeza semejante a la de un pulpo cuya cara fuera una masa de tentáculos; un cuerpo con escamas de aspecto gomoso; tremendas garras en las extremidades delanteras y traseras, y alas largas y estrechas detrás".

Henry Fuseli (1741-1825), pintor Suizo cuyas pinturas llenas de imaginación donde se exalta el melodrama, la fantasía y el horror. Su fama se asienta en sus pinturas de imaginativa fantasía, que abunda en apariciones, posturas extrañas y morbosos efectos nocturnos. Una de las más célebres es La pesadilla (imagen superior), en la que se ve a una joven sensualmente ataviada, acostada sobre su lecho y en medio de una pesadilla habitada por horribles apariciones: un gnomo, un demonio y la cabeza de un caballo con ojos incandescentes. Ejerció una fuerte influencia en la obra de los artistas románticos, en especial en la del poeta y pintor inglés William Blake (1757-1827), el poeta y pintor ingles, proclamó la supremacía de la imaginación sobre la razón, y fueron precisamente sus visiones, a menudo místicas e infernales, las que lo llevaron al borde de la locura.

Las visiones del suizo-británico Johann Heinrich Füssli (1742-1825) eran menos puritanas. Este pintor fue capaz de fundir miedo y erotismo, en imágenes que siguen despertando fantasmagorías. Los arrebatos místicos también surgieron en la mente de Odilon Redon (1840-1916) desde muy joven. Los primeros quince años de su carrera usó sólo el blanco y negro en obras alucinadas y misteriosas.

Pero quizá uno de los más impresionantes pintores oscuros sea Francisco de Goya (1746-1828). No sólo sus pinturas negras, sino sus series de grabados, como los Desastres de la guerra, y una pintura, Saturno devorando a sus hijos (imagen inferior), hablan del sufrimiento de un hombre que supo atrapar sus peores sueños y convertirlos en obras de arte.

Artistas que sintieron en carne propia el terror que llego en sus alucinaciones y pesadillas, convirtiéndolas en obras de arte.

Lea además:
Elpais.es: La estética del miedo.
Elmundo.es: Malditos, heterodoxos y alucinados.
Rocko weblog: Proverbios del infierno (William Blake).
Rocko weblog: Calvin, Hobbes & el joven Lovecraft: Terror e imaginación.

La respuesta siempre llega por inercia cuando me tratan de "blogger" y como aclaración siempre nace de corrido "Soy un escritor de bitácora". Quizás sea por la afición infantil a Startrek donde el buen Almirante siempre decía "bitácora del capitán...", o se deba la afición a las novelas, películas, libros de piratas y corsarios donde todo buen navegante siempre debe tener un cuaderno de bitácoras, o simplemente la expresión de “escritor de bitácora” la siento mas personal… como sea la aclaración esta hecha.

“No soy un blogger, soy un escritor de bitácora.”

Remeras, poleras, camisetas personalizadas, disponibles en todas las tallas y en dos colores (Negro y Blanco). El nombre del blog y el dominio serán reemplazadas sin costo alguno, 100% poliéster, sistema cool motion (así que la pueden usar hasta para hacer deportes), leyenda ridícula y el http de tu blog serigrafiadas en el pecho y espalda.

Otros también escriben bitácoras: Calvin, Mafalda & Snoopy - Bitacoras, literatura & blogs.

“Desde el lugar más reducido del mundo, cualquier hombre puede contemplar la inmensa grandeza del firmamento”. (Vicente Risco, 1884-1963).

El Telescopio Espacial Hubble es uno de los ingenios humanos más científicamente prolíficos, cuyas fotografías han dado la vuelta al mundo no sólo en las revistas especializadas, sino también (y además casi constantemente) en la prensa comercial.
Y la razón del éxito de este telescopio es que en pocos años nos ha permitido conocer cosas que quizás nunca hubiéramos imaginado y si lo hicimos jamás supimos que pudieran existir.

Vicent van Gogh, soñando con “los ratones” del Hubble

“Y soñó aún otro sueño, y contolo á sus hermanos, diciendo: He aquí que he soñado otro sueño, y he aquí el sol y la luna y once estrellas que se inclinaban a mi” (Génesis 37:9)

La noche estrellada es probablemente la pintura más famosa de Vincent van Gogh. La noche de Starry fue pintada mientras que Vincent estaba en el asilo en Santo-Rémy y su comportamiento era muy errático en ese entonces, debido a la severidad de sus ataques. Diferente a la mayoría de los trabajos de Van Gogh, la noche de Starry fue pintada de memoria y no al aire libre como era lo ideal en Vincet.

Mucho se ha hablado sobre esta grandiosa obra, desde especulaciones sobre las once estrellas de la pintura (La posibilidad de que la historia de José en el antiguo testamento pudo haber tenido una influencia en la composición del trabajo). Sea como sea la noche estrellada se ha convertido en una de las obras de arte más importantes del siglo XIX.

Hace poco más de un año, luego de haberse instalado la cámara avanzada de exploración ACS, el Hubble registró la imagen espectacular de una colisión de dos galaxias de espiral, fenómeno bautizado como "Los ratones".

La imagen de “los ratones” me hizo recordar a la pintura de Vincet van Gogh o quizá sea solo un engaño de mi imaginación.

Firefox y la “V838 Mon” del Hubble

"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir". (Roy Batty, 2016-2019)

La imagen a la izquierda es una foto “reciente” de la NASA capturada por el telescopio espacial Hubble que muestra espirales de polvo que remolinan a través de trillones de millas de espacio interestelar, en el centro una estrella roja distante, nombrada V838 Monocerotis. La imagen a la derecha es la insignia de Firefox.

El Hubble desde 1990 nos manda imágenes extraordinarias que mas bien parecen obras de arte, salidas de la mente del supremo creador.

Otros Hubbles:
"Santas burbujas de polvo" Hubble.
El Hubble y la nebula hormiga.
Sitios web Hubble.
Galeria Hubble.

Abres los ojos. La luz de penetra inmisericorde así como lo haría, tantas veces lo has soñado, el filo de una daga. La sonrisa permanece: el saberte aun vivo, el saberte aun hombre, el nada mas saberte, te implica en el milagro.

El dormitorio, nunca lo habías visto. Esa atroz combinación de Lladrós burgueses y artesanías proletarias en la cómoda de enfrente, el celeste techo, la sabana marrón, la soledad insoslayable del ambiente. ¿Será posible que a alguien de verdad le guste todo esto? ¿Donde estas?

“De día estamos tan ocupados en nuestros pobres asuntos, que nos parece imposible que alguien, allá arriba, vigile nuestros pasos”
H. G. Wells - La guerra de los mundos (fragmento)

"El carácter simbólico del ser humano debe ser tomado siempre en cuenta como la medida de todas las cosas. Cuando esto no es así, devienen formas de degradación de la especie."

Truman Burbank vive apaciblemente, tiene un buen empleo. Una esposa que lo ama y un gran amigo, pero en verdad todo es falso. Truman es sin saberlo el protagonista de un programa de T.V., transmitido las 24 horas en casi todo el mundo.

The Truman Show parte de una premisa que podría haber sido la base de un respetable mediometraje de ciencia ficción. ¿Qué pasaría si a un individuo le producen un mundo aparte, ficticio, en el que todas las personas –excepto él, que no estaría al tanto– actúan sus respectivos papeles? La película de Peter Weir ensaya una de las respuestas posibles.

La película The Truman Show fue solo preludio de una inagotable fuente de explotación mediática de la televisión en todo el mundo. Basta recordar que a un año después del estreno de la película se ponía en escena Big Brother (salida de la mente de George Orwell en su libro “Gran hermano” de 1984) con la idea similar a la de Truman Show solo que en este caso los ojos estaban puestos en un grupo de personajes desconocidos en una casa aislada llena de cámaras de video, de tal manera que el público podía seguir de cerca el día a día de los sujetos.

Desde 1999 y la puesta al aire de Big Brother, hasta este 2006 las cosas no han sido las mismas… el deseo de ver la realidad en vida y los ojos de otros ha desatado un fenómeno –síndrome- de identificación con los personajes en el que los espectadores se ven o creen verse. El ejemplo mas claro, volviendo a The Truman Show, los espectadores palpitan las vicisitudes de Burbank como si fueran propias. Viven más en él. Pero lo cierto es que en el Truman Show, lo único real es Truman. Sus circunstancias reproducen cualquier cosa menos la experiencia cotidiana de la "gente común", esto es, del público. Semejante impostura ni siquiera podría justificarse en nombre del morbo de la teleplatea, que es lo que eleva los ratings de los todavía vigentes reality shows. Estos se alimentan de lo anormal (brutal, conflictuado, extremo) de las almas reales que exponen, mientras que la esencia del show de Truman pasa por la normalidad –caricaturesca, pero normalidad al fin– que le fabrican al protagonista. ¿Serán los espectadores del futuro, prolongación de los de hoy, lisos y llanos imbéciles?

El fenómeno Reality, no ha hecho más que darle más aristas a la tv realidad (mas de 100 girando en todo el mundo). Aristas que se han degenerado con el tiempo apoyados por el morbo de los televidentes que por supuesto encajan en el círculo de espectador liso y llano imbecil.

-Nota mental (in)necesaria: Dos momentos memorables, la película The Truman Show y una Londres, por citar algún ejemplo real, bajo el ojo de miles de cámaras -de seguridad- que ruedan una película interminable. Un poco de ficción y realidad.-

De la tv realidad, la única realidad es que ese respetable utópico mediometraje de ciencia ficción se convirtió en la forma más desagradable de degradación de nuestra especie.

Además, las excepciones también existen:
Big Blogger: Por medio de un fotolog colectivo, un grupo de bloggers muestran su vida diaria sin restricciones, sin guiones y sin censura.

“Tu que gimes en una vida de crimen, sin embargo, puedes salvarte, ven y prostérnate a los pies de la Virgen a llorar tus pecados…”
Fragmento de la leyenda de la virgen del Socavón

Es sábado y los demonios se visten de colores, el Arcángel San Miguel prepara el escudo y espada para volver a la batalla de milenios entre el bien y el mal. Mas allá los morenos alistan el sonido atronador de sus matracas mientras se visten de Achachis (hombres viejos) de colores inimaginables. Los tinkus se preparan para el rito para la abundancia, todo esto solo es el inicio.

Carnaval en Bolivia es el reencuentro con la cultura, la diversidad, el mestizaje, esa unión indescriptible entre lo religioso y lo pagano. El carácter transformista y mágico de las danzas y tradiciones del país, se funden en los carnavales.

La pregunta aun flota en el aire -Estos carnavales… quien inventaría?- la pregunta disfrazada con música de banda o tonadas que fortalecen el espíritu a ritmo de taquiraris, morenadas, tinkus o diabladas… Tarija celebra a sus compadres y comadres a ritmo de la caja, el erque y la rueda chapaca, Santa Cruz es solo belleza y alegría, mientras que en La Paz esa mezcla entre arlequín y kusillo ha dado vida a un símbolo de mestizaje llamado pepino que bajo su mascara encuentra a su mejor cómplice para cometer travesuras y dar vida al carnaval andino. El carnaval de Oruro esta un punto arriba es la obra maestra patrimonio oral e intangible de la humanidad, la olla folklórica que reúne toda la diversidad folklórica nacional, las tierras bajas, el alto pueblo y los valles se postran ante la virgen del Socavón. Oruro, es el resumen del carnaval cultural en Bolivia.

Hoy, solo resta embriagarse –ese segundo cuando la vida cobra color- bañarse de lo cholo y lo mestizo, bailar a ritmo de morenada y taquirari, celebrar con Baco y Dionisio, con la fe puesta en la Virgen del Socavón desgastar los zapatos bailando sin pensar en el mañana.

Hoy es martes de ch’alla donde el confite, la mixtura de todos los colores, la serpentina y el alcohol se mezclan para agradecer a la “madre tierra” por lo días que vendrán…

Porque en carnavales, como escribiera Wilde, “el único deber es el de divertirse terriblemente”.

Mandado por Andrea hace poco más de un par de semanas, acá va el meme de 5 cosas extrañas que hago.

1. Películas & Cine: Si una película que veo en el cine es muy buena, guardo la entrada y en el reverso pongo el nombre de la película, para posteriormente comprarla en DVD. Pasando al DVD: Comprar películas raras o que salen fuera del círculo “Hollywood”, el problema es que muchas veces ni las veo… pero ahí están.

2. Música & Discos: Cuando me sugieren un tema o un grupo, lo primero es ver su discográfica, escuchar un par de temas del grupo en cuestión y luego desechar o en el mejor de los casos comprar el disco. Para comprar un disco, además, también deben gustarme 3 o 4 canciones, caso contrario ahí esta el buen P2P.

3. Celular y teléfono: Contestar el teléfono al tercer repique, no siempre pero casi. O esperar que vuelvan a llamar.

4. Escribir y charlar: Cuando debo escribir sobre algo informarme todo lo posible, si es de música: bio y discográfica, si es de libros: leer el libro, buscar la frase citada y otras obras del escritor. Suelo recordar citas y frases de personajes celebres en cualquier charla interesante o alguna que la requiera.

5. Orden: No mas de 15 discos musicales visibles, el resto al cajón olvidado del ropero, junto con los DVD’s, la guitarra, osos de exnovias, juegos y programas de pc, el atari 2600, el balón de básquet, el walkman y los libros de Carlos Cuauhtemoc Sanchez.

6. Maneras de Salvar al mundo: Romper las reglas de los memes, romper cadenas y también los memes, no sin antes contestar los memes.

Si a esto se le puede llamar extraño, terminado esta. Por lo demás no pienso comprometer a nadie a contestar los 5 hábitos extraños, pero la sugerencia ya esta.

Otros Memes:
Testigo Musical.
Música desde la “A” hasta la “Z”.
La olla sonora de mi vida.

Un hijo de dios habría pisado la tierra y no fue enviado de los cielos sino que fue echado del lado del padre y que fue el mismo Lucifer quien profeso una religión tomando forma de un hombre de nombre Jesús. O siendo menos pesimistas, la existencia del hermano de Jesús, Lucifer el primer hijo de dios, que habría tentado al Mesías en el final de su misión profética creando un caos en las raíces católicas, las mismas raíces que se han extendido hasta el día de hoy, viendo en ellas enseñanzas divinas. Suena al guión de una película y la verdad lo es, como muchas teorías que han aparecido en libros y en las mismas películas.

Últimamente la iglesia Católica ha sido invadida de dudas sobre el verdadero origen del cristianismo y sobre la piedra angular sobre la cual gira la iglesia romana, algunos libros ya cuestionan el origen del cristianismo viendo en Maria Magdalena a la fundadora de la iglesia y en la portadora del verdadero mensaje evangélico del hijo de dios.

Hace 60 años, en el desierto de Egipto, cerca de la localidad de Nag Hammadi, dos campesinos encontraron un ánfora que contenía, además de otros documentos, copias de los llamados evangelios apócrifos. Entre ellos se encuentra el evangelio de Tomás, atribuido al apóstol Tomas, que contiene dichos de Jesús y asegura, de acuerdo a algunos, no una teología basada en la fe y el pecado, sino muestra a un Jesús según el cual la salvación está en el autoconocimiento. El evangelio de María Magdalena, por otra parte, revelaría para algunos su protagonismo junto a Jesús y su papel de líder en los inicios del cristianismo.

La Iglesia Católica rechaza estas interpretaciones y recalca que sólo se conocen cuatro evangelios inspirados por Dios: Marcos, Mateo, Lucas y Juan. Pero la existencia y la difusión de estos textos apócrifos abren ese margen de duda sobre el verdadero camino de la salvación.

El Evangelio de Tomás

"El Reino está dentro de ustedes y alrededor de ustedes. Cuando se conozcan a si mismos, entenderán que son hijos del Padre viviente. Si no se conocen a si mismos viven en la pobreza". (Evangelio de Tomas)

Estas palabras son atribuidas por algunos a Jesús, pero no se encuentran en la Biblia. Es una de las 114 “logias” o “dichos de Jesús” del evangelio de Tomás, uno de los llamados evangelios apócrifos y son vistos desde la perspectiva gnóstica con un concepto simple "el Reino de Dios está dentro de vosotros porque sois parte de la esfera divina". Los hombres en su ser auténtico, en su yo profundo, son ya divinos, son parte del mundo divino. El resultado la llegada a Dios sin necesidad de la iglesia.

En resumen, el Evangelio de Tomás presenta la idea de que si tu sacas lo que está dentro de ti, lo que está dentro de ti te salvará, pero si tu no sacas lo que está dentro de ti, lo que está dentro de ti te destruirá…

El evangelio de Maria Magdalena

“Yo —dijo— vi al Señor en una visión y le dije: «Señor, hoy te he visto en una visión». Él respondió y me dijo: «Bienaventurada eres, pues no te has turbado al Verme, pues allí donde está el Intelecto, allí está el tesoro». Yo le dije: «Señor, ahora, el que ve la visión ¿la ve en alma o en espíritu?». El Salvador respondió y dijo: «No la ve ni en alma ni en espíritu, sino que es el Intelecto que se halla en medio de ellos que ven la visión” (Evangelio de Maria)

Quizás este es el evangelio apócrifo mas polémico de los encontrados y el que de mismo modo se ha difundido más por el mismo hecho de revelar el protagonismo de Maria Magdalena, junto a Jesús, y su papel de líder en los inicios del cristianismo. Y no es solo este evangelio que lanza referencias a Maria como “apóstola” (Hechos de Pablo) o como “apóstol de los apóstoles” (Mención de Irineo, cuando Maria anuncia la resurrección). Aunque en el evangelio de Tomas hay un dicho en el que Pedro pregunta sobre María y Jesús dice que “las mujeres, para llegar a entrar en el Reino han de convertirse en varones”, aunque algunos interpretan que Jesús estaba usando la ironía para responder a Pedro, cuando éste quiere que se aparte a María Magdalena. La polémica esta abierta para todos los flancos.

"no hay pecado. Sois vosotros los que hacéis que exista el pecado cuando actuáis conforme a los hábitos de vuestra naturaleza adúltera" (Evangelio de Maria)

El texto dice que en el origen, nosotros no somos pecadores, no existe un pecado original con el que nacemos. Más bien, nacemos en estado de gracia pura y luego, durante la vida, desviamos el camino y nos volvemos pecadores. Si este texto se hubiera vuelto oficial, habría llevado a una historia diferente del cristianismo, que siempre ha insistido en el pecado, y pensemos cuántas personas viven aún hoy a merced de esa idea.

Y como para aceptar los evangelios de Maria, en este nunca mencionan que esta fuera prostituta y la Iglesia, en la década de 60, reconoció a María Magdalena no como prostituta y le pidió perdón por haberla considerado de esa manera. El papel que ejerció Magdalena en su relación con Jesús nos muestra que no podía ser la prostituta de la interpretación errónea de Lucas 7,36-50.

En resumen, al igual que en el evangelio de Tomas, el Evangelio de María dice busca al Hijo del Hombre dentro de ti; en otras palabras, busca dentro de ti para encontrar la fuente divina en lugar de buscar a Jesús el Hijo del Hombre. Puedes encontrar la fuente divina a través de tu propio ser, que proviene de la misma fuente que Jesús.

Ambos evangelios son parecidos a la enseñanza budista… Pero estos Evangelios implican que puedes ir por ti mismo y descubrir lo divino dentro de ti. Puede que no necesites la iglesia. Puede que no necesites al sacerdote. Puedes simplemente ir a meditar o tener tu propia visión.

Magdalena, ese tabú rebuscado

Soy la primera y la última./ Soy la honrada y la burlada./Soy la prostituta y la santa./ Soy la esposa y la virgen… (Thunder, Perfect Mind)

Las interpretaciones de María Magdalena y su evangelio son varias y múltiples, una de las ultimas es la difundida por el libro de Brown (El Código da Vinci), calificada por muchos como una serie de fantasías, todas con precedentes en el siglo XIX y XX. Pero las interpretaciones se repiten desde siempre basta recordar “"The holy blood and the Holy Grail" publicado en 1982. Todas afirman y revelan el protagonismo de Maria en la vida de Jesús y se basan en esa demostración definitiva cuando Jesús para demostrar que ha resucitado -que es el dogma más importante del cristianismo- se aparece a ella y no a Pedro.

Todo hace creer, apoyándonos en los evangelios gnósticos y dejando de lado los libros, que esta mujer era una mujer iluminada, una mujer culta, una mujer que conocía la filosofía gnóstica y que por eso ella pudo entablar un diálogo de tu a tu con Jesús.

“El otro día hablaba con José Saramago, que está leyendo el libro (Magdalena, el ultimo tabú del cristianismo), y me decía, "Juan, pero es que es evidente, si yo tuviera que morirme ahora y me diesen la posibilidad de aparecerme a quien yo quiero, ¿a quién me iba a aparecer? A la persona que mas he amado en esta Tierra” (Juan Arias)

Ya van 6 décadas desde el descubrimiento de los evangelios apócrifos, la polémica aun levanta polvo por donde se la mencione, el gran dilema sobre la llegada a la salvación ya sea por medio del autoconocimiento (gnósticos) encontrando al Dios que esta dentro de nosotros o por la salvación por medio de la fe, llevando una vida cristiana para culminar en la vida definitiva más allá de la muerte (católica).

El valor de los apócrifos es muy discutido. Unos afirman que ellos no pasan de mera fantasía de la piedad popular, otros sostienen que estos textos pueden traer novedades para el cristianismo moderno. Según la literatura popular relacionada al tema de los Evangelios Apócrifos, estos han cambiado para siempre la idea cristiana tradicional que se tenía de Jesús y del cristianismo. En tiempos donde la figura de Jesús como personaje histórico vuelve a ponerse en duda, la (relativa) importancia de los documentos gnósticos ha sido, como poco, exagerada, por no decir tergiversada.

De acuerdo a los autores que mal-usan estos “evangelios gnósticos”, Jesús fue en realidad un maestro filósofo cuyas ideas son muy parecidas a las del liberalismo moderno, y la iglesia cristiana del primer siglo consistía de un conjunto amorfo de creencias diversas e irreconciliables. Dicho de otra manera los “falsos eruditos” de las obras populares (Dan Brown y so “Código” incluido) han hallado exactamente lo que salieron a buscar: Un evangelio progresista, egalitario, gnóstico y feminista tal y como ellos creen que debería ser la fe cristiana. Nada, que nos han provisto de un evangelio de diseño; un evangelio a la medida.

Las modernas ediciones y traducciones de que han gozado los Evangelios Apócrifos, en torno de los cuales han vuelto a entablarse vivísimas polémicas intelectuales y religiosas, es una prueba incuestionable de que el cristianismo ha sido y es la más alta aventura espiritual del ser humano.

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Algunos no nacieron con ese don de dominar el balón, hacer piruetas de ensueño, gambetas endemoniadas y el frío y calculador instinto de un goleador. La vida suele ser injusta, incluso lo fue para ese apasionado del fútbol, Roberto Fontarrosa, que siempre se quejo de esos 2 pequeños detalles que no le permitían ser un Maradona o un Pelé: “Primero: mi pierna derecha. Segundo: mi pierna izquierda”, confiesa en sus escritos apasionados sobre fútbol.

Pero la vida no solo trata de dones, algunas veces el destino confabula también para separarnos de esas pasiones que llevamos por dentro, así lo recuerda Finisterre, el inventor del futbolín, cuando recordara el nacimiento de ese juguete que cambio la forma de sentir el fútbol: “Por culpa de una bomba nazi, de las que lanzaron sobre Madrid, quedé sepultado entre cascotes, con heridas graves. Me llevaron a Valencia y luego al hospital de la Colonia Puig de Montserrat. La mayoría de los que estaban allí eran mutilados de guerra. Yo había jugado al fútbol, pero me había quedado cojo y envidiaba a los que podían jugar.”

Y precisamente ese fue el inicio de la historia del futbolín, esa salida alterna a esa falta del don en las piernas, toda una confabulación del destino: una guerra civil en España que anulo la fabricación de juguetes para los niños y esa misma guerra que mutilaba a los soldados que en su recuperación buscaban la forma de entretenerse y un poeta con una idea que buscaba la forma de saciar sus instintos futboleros. La posterior llegada de Finisterre como educador a un orfanato valenciano solo sirvió para perfeccionar el juego.

El tiempo fue el encargado de expandir el particular juego, salido de la mente del poeta que creo su mejor epopeya y que aun conservamos en el presente de mano de esa metáfora que hacia el mismo Finisterre, entre el juego y su origen: “este juego era hijo de aquel conflicto, y cuyos jugadores, fundidos en un metal que había segado la vida de mas de un Español, algo tenían de soldaditos de plomo que pateaban aquellas bolas compactas como balas de cañón.”

Manual del buen jugador de Futbolín en Bolivia

1. Los colores si importan: Bolivar vs. The Strongest, Oriente vs. Blooming o Wilsterman vs. Aurora entre los mas cercanos y porque no también un Boca vs. River o un Barcelona vs. Real Madrid, pero eso si… siempre tiene que ser un clásico.
2. Meter más goles que el equipo contrario (¿simple, no?).
3. Sacar el balón (bola) desde el mediocampo, al inicio del encuentro y después de cada gol / El gol lo puede convertir cualquier jugador y con cualquier parte del cuerpo de plomo.
4. Un gol metido entre el portero y el palo, en ese espacio ínfimo de la esquina se denomina “psicológico” y desconcentra al jugador contrario (eso dice la leyenda).
5. Las vueltas no son validas, solo pueden usarlas las mujeres, en caso de que un hombre las haga dar, accidentalmente o no, la falta vale por un penal.
6. Se denomina “universitario” en caso de que de un jugador vaya ganando por 3 goles de los 7 posibles y el contrario remonte el partido metiendo los siguientes 4 goles, ganando el partido.
7. Si un equipo o jugador deja a su rival con el marcador a cero (capota), el perdedor deberá pagar el costo del juego y la próxima partida.
8. Generalmente en La Paz, los partidos son de 5 canchas y una de regalo (manga), y dependiendo de quien gane la manga, depende también la continuación del partido o una lucha descarnada del perdedor por olvidar todo y sufrir de amnesia repentina.

Epílogos…

Ya les había contado sobre las “Alasas” y claro la feria es un buen lugar y casi un refugio obligado de los jugadores de futbolín o los que simplemente se quieren pintar por dentro de sus colores y ser parte de esa historia de victorias o derrotas al mando de todo el equipo de sus amores. Porque es mas que seguro que todos hemos jugado alguna vez una intensa partida, seguro que las apuestas corrían de un lado a otro, copas y tapas corrían por el bar mientras uno y otro gritaban ¡gol!... cuántas dispuestas resueltas frente a las barras del futbolín, cuántos amigos reencontrados en una pareja vencedora, cuántos días en ese bar con los colegas o esos recuerdos de colegial después de clases…

Palabras más, palabras menos extraigo de las líneas del Forastero, un fragmento:

“El juego de Futbolín se ha convertido en el punto de encuentro en bares, puertas de colegios y kioscos en medio de plazas abandonadas y a medio reformar. Moneda a moneda y gol a gol, los chicos se encuentran frente a frente, bien parados y con las manos en los pomos. Los jugadores bailan, patean la pelota y son pelés y maradonas por unos momentos. Las canchas de futbolín, muchas ya viejas y con la pintura descascarada, siguen presentando un clásico ante una tribuna de papel y ante los ojos ansiosos de jugadores y público que espera el resultado de ese partido a cinco goles…”

“los muchachos siempre vuelven. Porque el fútbol es el fútbol. Esa es la única verdad. ¡Qué me vienen con esas cosas! Son modas que se ponen de moda y después pasan. El fútbol es el fútbol, viejo, El fútbol. La única verdad.” (Roberto Fontarrosa)

Otras cosas de fútbol & futbolín:

Rocko : ¿Crees en el fútbol?
Yahoo.es: Jugar futbolín en línea.
APRES.com: Historia del futbolín (updated).
Wikipedia: futbolín (Origen, el juego y los robots).

"Te quedarás sin respiración. Gemirás y te desmayarás porque la sangre huirá de tu cabeza y correrá desbocada por todas las venas de tu cuerpo. Entonces serás incapaz de pensar o razonar"

El beso es un mordisco que aprendió educación. Es la unión de dos epidermis y la fusión de dos fantasías. Besar es poner en movimiento alrededor de 30 músculos de la cara. Es la acción de ojos cerrados para no ver al o la imbecil de la que te has enamorado.

Tiernos, apasionados, interesados, traicioneros, paternales, maternales, socioculturales, religiosos, fraternos, casuales, de reencuentro, de despedidas entre amantes y miles más… el universo del beso es vasto y matizado, muy complicado para ser un simple contacto bucal.

El olfato, el tacto y el gusto intervienen a la hora de besar. En su origen se encuentran numerosas interpretaciones, tales como el impulso de succión del bebé, las tendencias sádico-canibalísticas (el mordisco amoroso), así como las tendencias de tribus primitivas de olfatearse y olerse.

Es como una necesidad de aspirar y fundirse en el ser amado. Es una conjunción de labios, de boca y de lengua, y toda la sensibilidad se focaliza en los labios como una comunión y una continuidad de la vida. El Kamasutra, el gran poema de amor de la antigua India, señala no menos de doce variedades de besos ordenados de acuerdo con su potencial de estimulación.

La literatura, arte, cine, religión, “la vida misma” es cuestión de un beso

Quizás uno de los mas trágicos de la literatura sea el descrito por el italiano Dante Alighieri en el canto quinto del infierno, en “La divina comedia”. En la obra, el apasionado beso de Paolo y Francesca es sorprendido por Giandotto, el marido engañado que sin pensarlo, les quita la vida. Los amantes están inmortalizados en la escultura "El beso" de Augusto Rodin que apareció originalmente entre un grupo de relieves decorando la monumental puerta de bronce Las puertas del infierno (La Porte de l’Enfer).

Si hablamos de religión es imposible dejar de nombrar ese beso traicionero de Judas a Cristo, excelentemente relatado por Gabriela Mistral en su poema “besos”:

“Judas besa a Jesús y deja impresa en su rostro de Dios, la felonía, mientras la Magdalena con sus besos fortifica piadosa su agonía.” Besos - Gabriela Mistral.

Sin dejar de mencionar el antiguo testamento y ese canto erótico a la unión entre los amantes. La Biblia es el primer libro que describe perfectamente el beso, con 40 alusiones:

"Que me bese con besos de su boca. Tus labios, ¡oh esposa!, destilan miel virgen. Bajo tu lengua se esconden la miel y la leche..." Cantar de los Cantares

Pero ya en la vida misma y en la actualidad, dicen los expertos que si hay comunión mental y la suficiente atracción física en el beso, el alud de procesos químicos que se suceden provoca una auténtica conmoción en el organismo. El efecto es tan abrumador que, según algunos biólogos, podría compararse a una sobredosis de anfetaminas.

En esta era de sexo al primer encuentro, el problema del beso es que la mayoría de la gente lo ve como un precalentamiento, y no le dedica la atención y el cuidado que se merece. Según Tomima Edmark, autor de El libro de los besos, "Los que no saben besar no saben lo que se pierden. Porque los que han vivido la experiencia hasta sus últimas consecuencias comprenden que detrás del beso se esconde la verdadera pasión". Según el autor, estas serían las cinco premisas para ese beso estremecedor:

1. Selecciona a la persona adecuada (por aquello de la comunión física y mental).
2. Elige un lugar propicio ("privado mejor que público; silencioso mejor que ruidoso").
3. Escoge el momento oportuno ("sin más distracción que el latir de los corazones").
4. Ve despacio y empieza con suavidad. "Establece contacto visual con tu pareja porque los ojos te proporcionarán valiosísima información acerca de cómo se siente. Si los ojos no se encuentran, es aviso de retirada.
5. Inclínate hasta que tus labios y los de tu pareja se toquen levemente. Luego, déjate llevar, siempre teniendo en cuenta las sensaciones del otro. Después de todo, el arte de besar es algo que debe saborearse, no aprenderse".

Tan simple como eso…

Besos Andinos

Y llegamos a los terruños propios de Bolivia, el costado occidental donde solo en ocasiones muy especiales el hombre andino expresa ese gesto. La frente, las manos y la cabeza son los lugares tradicionales para mostrar afecto y respeto.

“El aymará no derrocha besos, los brinda como un símbolo de reciprocidad, respeto y en ocasiones muy especiales” (…) En las comunidades rurales los campesinos besan el primer producto de su cosecha como una forma de agradecer a la pachamama (madre tierra) por la fertilidad de sus tierras. Y cuando el hijo mayor va a formar su propio hogar, el padre le sermonea primero y luego besa la frente como una señal de aprobación y bendición” (Fernando Huanacuni, publicado en “la Razón”)

Las costumbres y ese instrumento poderoso de un beso están por todo el mundo disfrazados de respeto, amistad, protección y muchos sentimientos entremezclados. Pero actualmente es un símbolo de amor, un arte con suficiente poder para poder expresar sentimientos y pasiones.

El universo del beso, vasto y matizado, muy complicado para ser un simple contacto bucal…

Otros besos:
Todo por un beso
BBC MUNDO: ¿Como prefieres besar?
BBC MUNDO: Madonna en boca de todos...

Ocurrió hace unos días atrás, los encargados de expandir la noticia algún medio amarillista y de crónica roja. La tragedia de la joven pareja de enamorados en Perú, un amor incomprendido por las familias y que los llevo a buscar el camino oscuro de la muerte, fácilmente hace nos hace recordar a la tragedia de Romeo y Julieta.

El veneno ingerido por los jóvenes recorrió por las venas corroyendo todo lo que tocaba hasta llegar a ese corazón que todos dicen que es donde se guardan todos esos descabellados sentimientos. El corazón dejo de latir y quizás consiguieron la paz que necesitaban más allá…

“El amor es una maldición”, me lo dijo un amigo de esos que prefiere ser feliz con una mujer diferente cada fin de semana y que se burla del noviazgo, el matrimonio y la fidelidad. La frase lleva taladrándome la cabeza todos estos días -como no creerle- parece que tiene razón, no hay semana que algún “gil se muera de amor” ya sea correspondido o no o caso contrario haga cosas increíbles en nombre del amor.

Uno siempre cree estar enamorado de su pareja –o siempre creo estarlo- hasta que se termina, llega el tiempo de la meditación de saber que hiciste o que hicieron mal y con ese tiempo llega ese nomeimportismo que es frecuente en mi, hasta que llega alguien… y descubres que los sentimientos anteriores no eran de amor y que lo que vives ahora si lo es… hasta que termina.

Eso pasa conmigo, ¿pero porque hay personas que morirían por ellas?, ese debe ser el amor verdadero… entregar el alma al diablo por ella o ser capaz de matar o morir por ella. Ese debe ser el amor verdadero de pareja, no hay cánones dependes de tu corazón y de tu atrofiado cerebro por saber si es ella a la que amas en verdad y no a las anteriores.

De seguro cuando llegue no me haré preguntas tan ridículas y seré parte de ese grupo de giles que morirían por amor y que en esa maldición que se trago hombres mujeres, gorilas, héroes y villanos, me tragara también a mi y cargare con esa maldición con el mayor de los placeres.

SOLO LOS GILES MUEREN DE AMOR
César Brie, Yotala, Bolivia.

No flaco, hoy se mueren de amor sólo los giles, y vos lo eras. La esperabas a la salida del trabajo sin hacerte notar, porque muy gentilmente ella te había dicho que te fueras a la mierda. Ponías pétalos de flores en el zaguán de su casa, para que sin darse cuenta, al regresar, ella los pisara. Ibas a los cafés donde ella iba, y fingías que era casualidad encontrarla, y ni atinabas a dirigirle la pala-bra.

Ella te miraba con simpatía, es cierto, pero la simpatía que se tiene por el perro del vecino, pero vos, infeliz, interpretabas cada mirada, cada sonrisa. Hasta que un mal día se te ocurrió contárselo.
¿Como fue que le dijiste?
"Mariana, yo la veo sólo a usted". Ni la tuteabas. "Ayer tenía un vestido a lunares. Antes de ayer pantalones rojos y polera gris. Y el martes diez del mes pasado fue a bailar con un vestido negro con manchitas blancas y zapatillas oscuras, y se me cortaba la respiración al verla".
Y después de haberla aterrorizado describiéndole el ajuar de un año agregaste: " Yo la amo, desde hace más de un año. Nunca le dije nada porque creí que usted tenía novio, pero he sabido que no está comprometida. Quiero decirle que nunca me pasó esto, que estoy como un niño enamorado de su maestra. Usted es todo para mí: el universo, la galaxia, Mahoma, Manitú, la plantilla del pie plano. Si me permite le hago un hijo, le pinto la casa, la llevo al cine, de picnic, aunque sea déjeme acompañarla al tranvía en la mañana, o llevarla al parque el domingo, o invitarla a una cerveza".

Y cuando ella estaba por gritar pidiendo ayuda, por esas intuiciones que tienen los pobres bichos como vos, agregaste: "El amor es sublime, yo no le pido nada, sólo que sepa que la he amado como nunca amé a nadie. Que la sueño. Que duermo con usted casto como un niño. Que nunca pude hacerme una paja pensando en usted, y yo Mariana, he pasado siglos haciéndome la paja. Pero usted era demasiado pura para pensarla debajo o encima mío. No había lugar para su cuerpo sino en otro terreno. No en mi cama. Cuando pienso en usted la siento dentro de mí, tocándome yo la toco. Yo no soy yo, no existo más, todo está invadido por su figura. Usted es el aire, el corte del tiempo, la respiración. Soy un loco Mariana."

Flaco, ella se alzó de la mesa, te largó un bofetón que resonó en Canadá, llamó a un grupo de amigos de la mesa cercana que se encargaron de llevarte afuera del bar y uno de ellos, alto un metro noventa y cinco, el nuevo novio de tu Mariana, te curtió el lomo a patadas.
Los golpes no te dolieron. Te dolió otra cosa. Cómo permite dios que se ame tanto a alguien y se reciba sólo indiferencia, desprecio, cachetada. Si te hubiera entendido. Si hubiera sabido que para vos era sublime, que lo que sentías era puro, porque cuando se ama así es puro todo, llevarla de la manito a pasear por la plaza, meterle el dedo hasta el fondo del culo, cogerla en un confesional, acariciar el hijo pateando en la barriga, invitarla a tomar un helado. Todo es puro cuando se ama así. Todo es sagrado.
Una vez a la semana, una vez al mes al menos, debería haber lugares donde uno va a que lo
abracen, lo acunen un poquito. Todos tenemos derecho a un poco de ternura.¿ Qué es un adulto sino un niño al que se le cayó una montaña de años encima?

Pero no. No quiso verte más, ni oírte. Te dijo que le dabas asco. Y aquí te derrumbaste, porque no podías darle asco. Porque hubieras aceptado la derrota de tu amor si ella lo hubiera transformado en amistad.
Porque tu pensamiento viajaba en la noche, abría su puerta, sentado sobre su cama, secaba el hilo de saliva de su boca entreabierta, sonreía como un niño al verla dormida. Acariciaba sus cabellos, la curva del cuello. Y en puntas de pie se marchaba para que no se despertara
para que nunca se despertara por tu culpa. Si ella te hubiera amado, hubieras tenido la fuerza para continuar con tus quimeras, organizando acciones en el barrio, convenciendo a la gente a luchar por una casa mejor, por escuelas. Hubieras seguido gastando el dinero que no tenías en programar películas decentes, en comprar libros para la biblioteca. Si ella te hubiera amado, hubieras suplido con su amor la deserción de los otros, la derrota.

Dejaste de comer, de trabajar. Te volvió la gastritis, la úlcera, otra operación. No querías más vivir. Te aferrabas a esa boluda como un náufrago a una balsa. Ella lo supo y por compasión te vino a ver. Pero vos te diste cuenta que era solo piedad lo que la movía. Te sentiste mejor, te dieron de alta, y apenas fuera del hospital te compraste la cuerda y dejaste una notita, insulsa, romántica: "No se culpe a nadie, pero había una música, un canto, y yo no lograba escucharlo… yo no me he muerto. Sólo he viajado a escuchar ese canto más de cerca. Es que, disculpen todos, siempre fui un desorejado.”

Parte del monologo “solo los giles mueren de amor” escrito por Cesar Brie.

Además: "Solo los giles mueren de amor" versión pdf.

“La nostalgia es un cuarto donde habita el insomnio” (Raúl González Tuñón)

Nunca creí que alguien pudiera sentir placer (incluso tan intenso como el erótico) en eso. Jamás nadie me hizo pedido semejante. Posiblemente si ella hubiera sido una de las intelectuales llenas de brillantes ideas e igualmente brillantes frustraciones, con las que tengo mis escapadas de vez en cuando, tal vez no me hubiera resultado raro. Pero ella no tenia esas características, como decir… profesional audaz, con muchos “contactos”, varios viajes en su haber, un habito devorador de lectura; pero con todo, no de las que racionalizan todo al punto de no poder hacer el amor sin citar a algún poeta de moda (si todavía recuerdo a una que en medio éxtasis me decía: “eres mi amor, mi cómplice y todo”, y yo como cojudo sin saber si reírme bajito o a carcajadas pero siempre ocultando mi disyuntiva y tratando de disimular una aceptación por tan “oportuno verso”). ¿Será que mi capacidad estética se corta en esos momentos? ¿O será que ellas precisan siempre colar cositas de aquí y allá a falta de palabras y versos propios?

Bueno, pero ella no era de esas. En realidad vivir en ese ambiente era su gran sufrimiento. Frecuentar lugares de “onda intelectual”, tan despersonalizados; estar al tanto de cosas como el desarrollo del tercer mundo; la agroecología, relaciones norte-sur y no se que cosas más, la agobiaba. Yo miraba su escenario desde mi balcón de hombre y además intelectual; no era muy fácil pero siempre divertido: peleas entre los que pensaban que la filosofía había llegado a su fin, o los que creían que había surgido “nuevos paradigmas”. ¡Uff! Claro, para mí, dizque intelectual independiente, con algunas pinceladas de izquierdista, con mi buena presencia (¿será?), y por supuesto mi bien asegurado soporte económico, no era muy difícil mirar desde arriba, escogiendo -hasta donde podía- lo que deba o no afectarme.

Lo que no logro recordar con certeza es en que momento de conjuro me acerqué, nos atrajimos o me arrastro. Indudablemente no fue un amor a primera vista, porque la conocía hace mucho y para mi ella –como se dice en el argot popular- ni fu ni fa. Me pareció siempre interesante y nada mas. Para entonces, ni por si acaso imaginaba que adentro tenía lo que salió ese famoso día del pedido desde el que creo mi vida sufrió algo muy profundo.

Lo cierto es que un día, asentado en mi seguridad machista, intelectualoide y seodoizquierdista, sabedor de cómo batirme en todas las lides femeninas (o casi todas) decidí incorporarla a mi lista de conquistas fáciles y rápidas. Conociéndola, le salí nomás con el rollo de la crisis del país, le pregunte su parecer acerca del ultimo libro de García Márquez, fingí interesarme en su trabajo y demás vainas, porque yo sabia que ESE era su campo y por ahí podría abrir la puerta que me interesaba. Para mi sorpresa, se molestó y furibunda me atacó con frases ajenas a las intelectuales que hasta entonces conocí (las habían tiernas, robustas, tímidas, coquetas y estrafalarias, pero ésta no estaba clasificada).

Me dijo que ella no sólo era cabeza sino también “otras cosas” y que si quería yo hablar de tales temas, debiera buscar otra compañía porque no estaba más dispuesta a la charla consabida, que eso, de mi parte, era una falta de respeto. Con semejante estocada, yo no supe qué hacer. ¿Qué quería? ¿Qué le haga el entre directamente? ¿Qué le plantee inmediatamente una relación ante la cercanía de la noche? ¡No entendía un carajo de lo que quería! Pero me quedé, no tanto por querer reintentar sino porque fue demasiado duro el golpe y no era bueno dar la impresión de haber sufrido una horrible y humillante retirada. ¡Vaya día!

Días mas tarde la encontré en uno de los conocidos bares frecuentados por la intelectualidad. La ví actuando como yo sabia a ella no le gustaba y aquella vez, como nunca, percibí el sufrimiento en su rostro, en su terrible seguridad, en su amena charla, en su elegante andar. ¡Cuánto sufría la pobre! Consecuentemente con mis principios, y en acto meramente humanitario, decidí sacarla de allí. Y bueno, no me queda más que bendecir ese momento por lo que vendría después. Muy metida en su seguridad, me saludó con una amplia y horriblemente artificial sonrisa, pero cuando le sugerí caminar por ahí, noté la luminosidad de libertad en sus ojos. No se apuró, continuó con el rito. Pero una vez fuera, la sentí desamarrada, no tenia más seguridades ficticias, las dejo junto a las colillas de cigarro, un vaso de ron a medio terminar y se puso a hablar y correr por las calles amanecidas ya. No se cuánto caminamos, recupere el sentido cuando me asaltó con un beso que no era atrevido, ingenuo, sensual o desvergonzado, era simplemente un beso. Y ahí vino el pedido: primero me consulto si yo estaría dispuesto a hacer por ella lo que me pidiera. Con tal pregunta, me pareció que de repente se volvía vulgar y repetía lo que todas: ¿harías lo que sea por mí? Y Claro, ¿Qué creen que yo esperaba a continuación?: te deseo, hagamos el amor, dame un beso tierno, dame otro apasionado, háblame… quiero contarte, etc. Para salvar mi curiosidad y obtener de una vez la victoria total respondí afirmativamente. Pero no, no era nada de lo que yo pensaba el famoso y bendito pedido.

Continua... Verena: Una historia de dos partes (Episodio 2)

-Sin preguntas –dijo-, quiero que me acompañes a caminar y tomar un api en la Buenos Aires- ¿Qué? ¿Era más que eso? ¡Esta mujer se ha vuelto loca! Y, maldita cosa, ir tan lejos a esa precisa avenida en un amanecer frió y vaya uno a saber si conseguimos api a esa hora. Ni modo, me convencí que no era nada más que una estrafalaria tirada a lo “popular” (palabra obligada en este caso). Pero pronto me convencí de lo contrario porque desde ese día comenzaron pedidos a cual más raros: mirar la ciudad desde la estatua del sagrado corazón de El Alto, ir a la tranca del camino a Copacabana, al cruce de Villa Armonía, a Kupini, a jugar al zigzag entre los altos eucaliptos del bosque de Pura Pura y de paso conocer la casita de un abuelo que tejía canastas de alambre viejo, a la avenida Perú a las 11 de la noche, a la calle de las brujas, a dejar flores a tumbas desconocidas en el cementerio, mirar polleras en la Sagárnaga. ¿Alguna vez han tomado sol abandonados en el pasto de una de las pendientes calles de la Portada, o admirando el Illimani desde la segunda curva del camino viejo a El Alto? ¿A despedir innumerables flotas en la terminal…? ¿Qué tal, ah? Y yo bien metido en el asunto.

La cosa no queda ahí, porque además se trataba de caminar o sentarse casi siempre en silencio. Al principio, creí que me quería impresionar con tan extravagantes y –yo creí- forzadas excursiones y que prontito me saldría con su erudito discurso político social para llamarme la atención sobre esa “oculta realidad”. Pero no, no era así. Era impresionante ver que no había alegría comparable para ella que visitar esos parajes. No hablaba casi nada o simplemente lo rutinario: ¿este micro nos lleva?, ¿quieres que compremos una mandarina?. Es decir, no se artificializaba en ese medio, parecía mas bien que iba con una especie de mística, con una mezcla de emoción y miedo parecido a los que sentimos al entrar a la iglesia, con el ansia de recuperar algo con mucho respeto; con el gusto de releer un libro amado; como ir a ver otra vez una película que nos marco la vida. Iba con la fidelidad del lector que aunque quiera no puede “colarse” al mundo irreal. Nunca preguntó como me sentía yo, pero lo puedo asegurar es que después de esas caminatas (o sentadas) el amor sabia siempre a nuevo, a fresco, porque sencillamente mantenía esa su alegría, ese su “rictus” de felicidad. He ahí otro motivo para agradecer el famoso día del pedido. Casi nunca abría la boca, se sentaba horas mirando a los niños que jugaban con “pepas” de cristal, o a una comidera que servia un caldo de fideo. Y cuando notaba que la veían extraña, prácticamente huía.

No fue sino mucho después que llegué a comprender esa manía, cuando sentados en los antiguos y deteriorados blancos de la plaza Villa Victoria me hablo de un sentimiento de desarraigo tan grande en su alma, de un no saber qué era. Tras esa confesión, que me atreví a calificar como la consabida “desubicacion de la clase media”, hablo mucho de lo feliz que había sido su infancia en –lo que ella llamaba- sus barrios amados. Añoraba su niñez por la casa de los abuelos casi a orillas del río Apumalla y cerca de la Garita de Lima y el Cementerio; por la abuela fumando Astoria y mascando coca después de haber terminado los quehaceres domésticos; por los juegos con latas vacías y piedras; porque el sonido del tren acompañaba siempre a las seis de la tarde. Y claro, no era difícil adivinar lo terrible que debió ser para ella vivir en Obrajes (con esas manías que ello implica) y saber que no podía retornar a uno de sus añorados barrios a costa de ser para siempre visitante extraña. Sentí entonces haber descubierto el secreto de su eterna tristeza.

Ahora que ya no la tengo a mi lado, sin embargo no me siento solo porque hoy, en este banco de la Plaza Libano, mirando la larga fila de personas entrar al cine variedades –como casi a diario- puedo hablar con ella. Muy tranquilamente, muy sinceramente, sin apuro alguno.


Una historia con rasgos muy paceños, los barrios mencionados pertenecen a la hoyada, barrios alejados del centro y de las zonas “bien jailonas”. Una mezcla de ficción y realidad. Jugué a lo George Lucas, poniendo el final en el principio, veremos si luego me gusta, debería quedar bien… el episodio 1 ira arriba del episodio 2, debido a la publicación de la bitácora.

Antes del final... Verena: Una historia de dos partes (Episodio 1)

“...rage, rage against the dying of the light...” (Dylan Thomas)

Odio los entierros. Los odio aunque la muerte sea inevitable, esperada y sabida. Morir debería ser común, aceptado y ordinario, pero algo visceral y humano se rebela contra el final de la existencia, protesta contra la oscuridad, usa garras y dientes para aferrarse a un nuevo día, aún a través del más espantoso dolor.

La vida es natural; la muerte es antinatural. Choca, irrita, lastima y aterra. No la aceptamos. Por ello hay algo falso, fundamentalmente errado en querer maquillar la muerte, en nuestros entierros formales con el cadáver envuelto, cerrado para que no se presencie su deterioro; en los ataúdes brillantes con colchón de seda para cuerpos aterradoramente deshabitados. Hay algo falso en las frases hechas, en las palabras gastadas que hasta los más originales se ven obligados a utilizar. “Lo siento, mis simpatías, sentido pésame, etc.” ¿“Sentido pésame”? ¡Puah! Sin comprender su significado —esas dos palabritas son utilizadas como comodín para enfrentar dolientes (y algunos secretamente festejantes), que deben enfrentar vidas irremediablemente alteradas, corazones destrozados, habitaciones o lechos súbitamente vacíos.

El entierro es un intento de ponerle un punto final ceremonioso a una etapa cerrada por sí misma. Para quien se murió, el tema es irrelevante y le da igual estar dentro de la tierra, en un nicho sobre el suelo o convertido en cenizas. Para quienes entierran, es un recordatorio de su propia mortalidad, un paso en el camino a sus propia tumba, otro hito en el camino hacia la nada, una apuesta ganada en el juego de la supervivencia.

Es falso, mentiroso, pero necesario. Desde tiempos inmemoriales, la disposición final de restos ha sido una forma de catarsis, de expresión del dolor, de pérdida o de expiación por el delito inconfesable de seguir viviendo. Era horrible, pero brotaba de una necesidad psíquica, anímica, casi cavernícola.

Los entierros de hoy son crecientemente falsos, “gentilmente” orquestados, tan acolchados como los cajones, pero nos estafan del derecho al dolor. Sanitizados, musicalizados, con dolientes tranquilizados y dopados, nos separan de la tragedia sin eliminarla. Cuando se contempla (cosa espantosa) el rostro difunto, se habla de paz, tranquilidad, sueño final. No se habla de pérdida, de la terrible ausencia, del nunca, nunca jamás. Hoy no es bien visto sollozar, mucho menos gritar de dolor. Al menor síntoma de llanto (“histeria” dicen los despavoridos espectadores), salen a luz las pastillas, y amigos o parientes se encargan de retirar al llorante hasta que recupere la compostura. En el rito formal, las emociones se ritualizan. Los amantes no tienen lugar, ni los resentimientos ni las iras. Hasta los celos y el delirio se entierran con el difunto.

Al acercarse el día de lo inevitable indescriptible en la niñez, horrendo a los treinta, tolerable a los setenta, contamos un rosario retroactivo de partidas: los conocidos, los amados, los amigos, los enemigos, los familiares, los íntimamente desconocidos. La charada se hace difícil y caminamos sobre un camino de huesos y cenizas, el difunto por delante, y los demás, que seguirán la misma ruta, por detrás. Es el momento en que ni con carros mortuorios blancos o cajones rosa hay disimulo: el momento en que enfrentamos la espantosa pregunta de cuándo nos llegará la hora, y de si alguien sentirá suficiente dolor como para romper el silencio y llorar como Dios manda.

Miclailis, cretense pescador, bajo al mar a buscar la red perdida y la encontró en el sepulcro.

La viuda, de negro perpetuo, llora. Las hijas se han vuelto rameras. El hambre atacó la casa. Sin padre y sin red, no hay que comer.

Aun mojado, cuando la luz le azoto el rostro, el niño pensó:

- Hoy nació la melancolía al golpe hondo de los tambores de otoño. La piel de adentro descansa ya. Quizá lloro demasiado junto a mí. No es la primavera de mi vida y como no hay mar, las naves no surcan por mi sangre, No, ya no habrá el tranquilo cuarto oscuro donde descansar mi amor.

Hoy la muerte, brava y tierna, partera de la vida, me ha sellado las puertas. El tabaco era sano, ella fumaba. Hoy es ajeno el aire que respiro sin manguera. Hoy es el fin de las pulsaciones en mis tripitas. Como una rosa seca de regalo, me han entregado a la insoportable claridad. Se acabo.

Hoy ha ganado la vida, que es una gran casa deshabitada.

El niño cerró los ojos y murió sin miedo.

El medico dijo:

- Apenas lo sacamos del útero empezó a llorar, incluso antes de que le hubiera dado la palmada. Un llanto desgarrador, como si algo le doliera en el alma. Luego callo y nos miro a todos, incluyendo a su madre, fijamente y por mucho rato. Murió en silencio. Pobre madre, esta desconsolada.

¿De carretera? El cuento nació entre asfalto, hormigón y 12 horas de viaje.
¿La imagen? "El nacimiento" de Francisco Arroyo.

Como la mosca a la miel, así me siento cuando me llegan cosas como estas. Miguel, de MABB, me hace llegar el segundo meme musical, un poco diferente al primero de su tipo, que fue un testigo musical, pero igual trata de música.

Jamás supe las reglas de este nuevo meme, y eso que fui hasta las raíces, pero bueno ahí les va.

A. Andres Calamaro, Aerosmith, Arjona, AudioSlave, Air Supply.
B. Beatles, Bon Jovi, Bob Marley.
C. Charly Garcia, Creep, Café Quijano, Culture Club, Cafeta Cuba.
D. Def Leppard, Deep purple.
E. Erick Clapton, Evanescence, Enanitos Verdes.
F. Fabulosos Cadillacs, Fast Ball, Fito Paez, Foo Fighters.
G. Gun’s n Roses, Green day, Good Charlotte.
H. Hoobastank, HIM.
I. Inxs, Indigo
J. Joaquin Sabina, Jhon Lennon, Jarabe de palo.
K. Kiss.
L. Loukass/Llegas, Led Zeppelín, Linkin Park, Libido, La Ley.
M. Mana, Mecano, Mago de Oz, Metallica, Mosca Tse Tse.
N. Nirvana, No Doubt.
O. Orquesta de Mondragón, Octavia/Coda 3, Opus, Offspring.
P. Pedro Suarez Vertiz, Papa Roach, Pericos, Prisioneros.
Q. Queen, Quit Riot.
R. Red hot Chili Peppers, Rollings Stones, Los Rodriguez, R.E.M.
S. System of a Down, Simple Plan, Soda Stereo, Sui Generis.
T. Toto, The Cramberries, Three Days Grace.
U. Uriah Heep, U2, Únwritten Law.
V. Verde 70, Van Halen, Vilma Palma & Vampiros.
W. Wara, Wallflowers.
X. Xtrasex.
Y. Yalo Cuellar, Yes.
Z. Zen, Zimbabwe.

Más música: en el idioma de Cervantes.

A los que rebota el meme: Cruce de Caminos, El blog del Bene, Liferfe & Tantas, tontas escrituras.

Actualización, así contestan los elegidos: Cruce de Caminos, El blog del Bene, Liferfe & Tantas, tontas escrituras.

Nacida de la imaginación de Hans Christian Andersen, esta sirenita ve pasar desde su roca junto al frío mar báltico, los sueños de turistas, viajeros y pescadores: Los primeros con su afán diario, aumentaran su confusión, de imágenes y sensaciones, mezclando en dosis desiguales estatuas, castillos e iglesias en un poutpurri de postales arquetípicas y clichés para enseñar a familiares y amigos. Y en Copenhague, la sirenita será para ellos una pequeña e insignificante escultura de bronce con una patina verde.

Los viajeros, casi siempre solitarios se acercaran a esta dulce niña con ojos conocedores, la rodearan con filosófica admiración y le dedicaran unos minutos antes de continuar por el largo malecón en busca de una banca para anotar sus impresiones.

Pero a primera hora de la madrugada, desde hace mas de 100 años los pescadores daneses siempre le han dedicado una mirada diferente a la sirenita de bronce en su transito hacia el mar: no le hablan, solo la miran y le cuentan sus miedos y temores, se encomiendan a ella para tener buen tiempo y buena pesca, le envían besos y piropos: es su niña-mujer, es su amuleto, su amor, una figura de leyenda que con sus cánticos melodiosos, y un cuerpo de sirena, despierta atracciones inconfesables y temores ancestrales. Y ella, como delicada y sensual fruta del mar, siempre estará allí, en su pequeña roca, cantando muy bajito a pescadores, viajeros y turistas.

Todas las formas, todas las sangres, todas las bestias, todas las muertes...
El siervo

A todos en algún momento nos ha revoloteado la idea de ser alguien mas, de ser otra persona (buena o mala, según se prefiera) y poder hacer o deshacer lo que el otro yo nuestro haría. En la era Virtual es algo que esta a nuestro alcance ya no es tan difícil crear otra personalidad un alter ego a la manera de Clark Kent o Peter Parker, que no necesariamente nos lleva a ser héroes o villanos, también nos mueve a crear un personajes ficticios según nuestras necesidades, un ejemplo en el mundo de los Blogs es Hernán Casciari con sus mas de 8 blogs.

Pero no solo en los blogs existen esos que se dan el lujo de ser otras personas o lidiar con su doble personalidad. El periodista Robby Cooper captó imágenes de aficionados a los videojuegos y sus alter ego virtuales.

Como ven el mundo de la tecnología de la mano de los videojuegos se prestan a todo, una divertida galería de personajes con sus propias historias, un ejemplo: "Bae eligió un alter ego masculino porque piensa que los avatares de ese sexo tienen más carisma. Dice que quiere proyectar fortaleza. Los videojuegos son importantes en su vida y se reúne con sus compañeros de clan regularmente".

Agradecer a Niko por darse una vuelta por el blog a raíz del articulo de Calvin, Hobbes & Cálico y por la mención en su página principal.

Además se puede encontrar una interesante reseña sobre Cálico Electrónico en un artículo dedicado a los webtoons por el Diario 20minutos. (Irreverencia sólo para adultos)

Y en ese repentino baño de paceñidad que todos los años se renueva en las singulares noches de verbena, empiezo a recordar algunos proyectos pasados que se quedaron en el tintero con el nombre de La Paz que quizás en algún momento las vuelva a encaminar, pero a contrapartida también hay otros artículos que dejaron salir mi artista que llevo dentro, como ese Illimani en fotografías, o el homenaje a esta misma fecha en julio del 2004 que lleva una conjunción de imágenes de La Paz (el illimani, los yungas, el lago titicaca, su pluriculturalidad, tiahuanacu, el club Bolívar y otras imágenes representativas), en otros casos me dedique a analizar autocriticamente los aspectos positivos y negativos de la cede de gobierno, entre otros…

Pero en fin hoy es otro año el sentimiento de cariño hacia la tierra que nos vio nacer esta renovado y nunca esta demás sacar de ese viejo tintero de cosas guardadas, esas imágenes hechas tiempo atrás que nunca vieron la luz…

...la brisa gélida de la inmensidad azul del Titicaca.

...o esas increíbles noches paceñas.

- Testigo recibido de: El forastero.

- Tamaño total de los archivos de música en mi ordenador: 13,1 GB (14.159.155.200 bytes) Contiene: 3.491, 198 carpetas.

- Último disco que me compré: “Antojologia” de Manuel Monroy Chazarreta y “Anywhere but home” de Evanescence (DVD-CD)

- Qué canción escucho ahora: Boulevard of broken dreams, Green Day. Faint, Linkin Park. (me tomo tiempo decidirme por los temas)

- 5 canciones que escucho un montón o que tienen algún significado para mi:

1.- Lolita, Orquesta de Mondragón: La lolita de Nabokov desde la perspectiva de Xavier Burruchaga y su orquesta que nos regalaron joyas que son básicamente literatura cantada.

2.- The man who sold the world, Nirvana: No eran solo gruñidos, tipos desaliñados cargados de todas las substancias ilegales, alcohol, noches de orgía y mucha distorsión. Llego el Unplugged en New York y sus guitarras acústicas nos demostraron y me sirvieron para demostrar que aquellos renegados con la vida que vomitaban “rape me” eran unos virtuosos y la versión The man who sold the world, en la ultima etapa de Cobain con la voz casi quebrada, nos hizo olvidar por un momento a Bowie.

3.- Después de Ti, Coda 3: Los amores de adolescente siempre dejan huellas, pero mas allá de eso, algo estaba pasando frente a nuestros ojos y oídos, aquellos noventa no fueron los mismos por estas tierras y Coda 3 era el lado mas amable y uno de los contados pero esenciales eslabones de un Boom en la escena sonora local con Loukass, Dies Irae, Track entre otros.

4.- Like Rolling Stone, Bob Dylan: Escuchar a Dylan es un placer aparte, se reinventa siempre que puede. Dos momentos de la incomparable Like Rolling Stone, una en Inglaterra, 1966 cuando se presenta con su guitarra eléctrica, el de las canciones de protesta y guitarra de palo a desaparecido y sus seguidores se sienten traicionados le gritan Judas… ¡Mientes! contesta Dylan, mira a “The Band” y crea un momento icónico ante abucheos y gritos que nada parecen importarle. La otra en su MTV unplugged, canta la piedra rodante y mientras trato de seguir su letra en su voz inescuchable, en mi deficiente ingles, me cambia la letra que casi me la sabia de memoria.

5.- Mana en vivo I y II, Mana. Las canciones de adolescente también se quedan en la memoria y suelen emerger en algún momento, una compilación de la banda mexicana en sus presentaciones en vivo, creo escuchar mi voz en algún coro en el Siles. Luego, los dos casettes serian fundamentales para mantener el contacto musical en tierras lejanas del último pelo del culo del mundo.

- 5 personas a las que les paso el testigo:

- Cruce de caminos
- Maribel
- Aloga
- Bene
- Su vida
- Y a todos que quieran llenarse de nostalgia encontrando su música olvidada.

Quizás sea el único en quejarme, pero me pareció escaso describir en menos de 10 canciones todo el mundo musical propio que uno lleva a sus espaldas.

Pero de todos modos acá les dejo algunas otras canciones que deberían escucharse.

Jugando con el Photoshop hice este pequeño homenaje al Illimani, 10 imágenes del nevado mas grandioso de La Paz -Bolivia, que quizás muchas veces con el tiempo que pasa lo terminamos ignorando, pero no hay que negar su grandeza e historia.
Y entre la buena impresión de la obra que me levanto la moral, busque un sitio apacible para continuar la lectura y entre caminata y caminata llegue al pequeño mirador situado a unos minutos de mi casa, un rato después y luego de un buen rato de lectura, las sombras de la noche ya estaban a mis espaldas y era el momento preciso para proseguir el camino a casa, fue entonces que al levantar la mirada al horizonte me fije en un espectáculo único.
El Ocaso había llegado, la luna ya relucía robándole el fulgor al Sol y allá en el horizonte, el nevado Illimani... el protector de La Paz, el titán que deja asombrado a todo aquel que no conoce su historia...

Aquí la nieve es mítica,
La luz seráfica,
Y la línea orográfica
Se ensalma pítica.
Mas capta el monte
Agatas y amatistas
Del horizonte...