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Arcade Fire: The Suburbs – Los Suburbios

“De mis disparates de juventud, lo que me da más pena no es el haberlos cometido, sino el no poder volver a cometerlos” (Pierre Benoit)

El regreso… La cruzada que busca revalorizar la época heroica del rock en base a “The Suburbs” el canto introspectivo de autodescubrimiento del sexteto parido en Montreal, Arcade Fire, que con su oda a la adolescencia nos ha regalado el disco del año, una obra maestra, y soundtrack de uno de los momentos fundamentales de la vida que nos redescubre.

Las raíces sonoras y los temas recurrentes del “Funeral” y el “Neon Bible” persisten, pero el trabajo es mas pulido, mas perfecto, mas ecléctico y mas complejo (facetas, sonidos, elementos y variedad sonora) y su concepto y su rareza cronológica nos devuelve a la niñez y/o adolescencia, a los antiguos suburbios “convertidos ahora en un enorme centro comercial” que son lugares, pero también, un estado de mente, que los Arcade nos recuerdan con amorosa crueldad, nostalgia, critica, ironía e ingenuidad. Dieciséis tracks que dependen uno del otro y que defienden el concepto de álbum conceptual, disco que hay que sentarse a leer palabra a palabra. “The Suburbs” definido por sus responsables, Win Butler y su mujer Régine Chassage, como “una mezcla de Neil Young y Depeche Mode”, pero de seguro más de uno encontrara una mezcla de lo mas selecto de la escena musical, temática y lírica y sónica y emocionalmente.

Amorosa crueldad: El viaje en el suburbio comienza con la canción homónima al disco, “The Suburbs”, medio tiempo sobre el inevitable transcurso del tiempo con sonido significativo de piano casi divertido, arreglos de cuerda, falsete enfático para decirnos que ya nada existe y que por más que queramos, volver será imposible… (“En el barrio, en los suburbios, aprendió a conducir. Todos los muros y las casas que se construyeron en los años 70 ya no existen. Quiere tener una hija. En mis sueños todavía gritamos los niños… Recuerdos de infancia”); “Ready to Start” (donde alguien comprende que todo eso que le enseñaron sobre el éxito, bueno...); El mundo de los grandes es despreciado “Modern Man” (con ese pobre tipo esperando en la fila a que le den un número); El universo de los pequeños es rechazado como postura ego/solipsista en “Empty Room” y “Wasted Hours”; “City With No Children” aplausos y una guitarra extraviada que no sabe que rumbo tomar, el futuro de las nuevas generaciones igual es confusa; Y hasta los jueces/fans/cool hunters de The Arcade Fire y los adictos al último sabor de moda reciben una cariñosa bofetada en “Month of May” (Vamos a grabar un disco en el mes de mayo / y ahora todos los chicos nos miran con los brazos cruzados) y en “Rococo” la canción más orquestada de The Suburbs, es también una de las mejores canciones de su discografía, no sólo porque parece burlarse de los modernos que resultan tan vacíos como insoportables, sino por tratarse de una pieza en la que los coros y la producción van cogiendo fuerza hasta convencer al más escéptico (Vayamos al centro a ver a los chicos modernos. Van a comer de tu mano usando todas esas grandes palabras que no saben lo que significan); El mundo cambia, lo otro simplemente muere "Half Light II (No celebration)", “reza a Dios para que no viva lo suficiente para ver la muerte de todo lo salvaje”; “Suburban war” y su viaje nocturno con reflexiones pesarosas (Sí, la noche es tan larga. He estado viviendo en las sombras de tu canción. Viviendo en las sombras de tu canción); Y todo sin olvidar que nos encontramos en un mundo tan veloz y falto de sentido en el que la victoria de la máquina sobre el hombre se convierte en una evidencia sobre lo absurdo de la vida o que simplemente, cada dia la “Deep Blue” nos gana idiotizandonos frente a la pantalla “Deep Blue” (Hey, deja el teléfono celular por un rato. Hay algo salvaje en la noche. ¿Puedes oír cómo respira? Y, hey, deja la computadora portátil por un rato. Hay algo salvaje en la noche); Y donde ya nadie espera recibir una carta o, lo que es lo mismo, la ilusión ha dado lugar a la frialdad y la aspereza (cantado con maestría en la afligida “We used to wait”); Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), con esa chica pidiendo el eclipse total de los shopping malls cortesía de la inmensa vocesita de Régine Chassagne, donde las bases electrónicas hacen su presencia más evidente en una canción sobre los cambios a nivel personal en medio del ritmo incomprensible y absurdo de la vida. “Centros comerciales muertos que se elevan como montañas más allá de las montañas Y no hay final a la vista, necesito la oscuridad, por favor, que alguien apague las luces”. 

Al final, la sensación que queda tras escuchar The Suburbs, es la de haber asistido a uno de los mayores acontecimientos musicales de los últimos años. Una obra tan compleja en su concepción y elaboración como cautivadora, impactante, adictiva, original, de una creatividad deslumbrante. Un trabajo tan estimulante como excéntrico, ecléctico y absolutamente imprescindible.

“Si en Funeral morían algunos y en Neon Bible morían todos, en The Suburbs unos cuantos sobreviven/viven para contar el cuento infantil y cantar los cuarenta años de edad. (…) Viajar a The Suburbs –el mejor disco sobre el explosivo angst de la adolescencia desde Quadrophenia de The Who y el mejor disco sobre la aceptación a regañadientes de la propia mortalidad desde Time Out of Mind de Bob Dylan– con las luces bajas, cuando la luz se va a iluminar el otro lado de las cosas, cuando las únicas luces son las de un auto que pasa con las ventanas abiertas y las canciones más abiertas todavía. (Rodrigo Fresan)

En Audio: Arcade Fire: The Suburbs. 

Arcade Fire: The Suburbs – Los Suburbios

En los suburbios yo, yo aprendí a manejar. Y tú me dijiste que jamás sobreviviríamos. Así que busca las llaves de tu madre y nos vamos. Tú siempre pareciste tan segura de que un día estaríamos luchando en una guerra suburbana. Tu parte del pueblo contra la mía. Te vi de pie en la orilla opuesta. Pero para el momento en que cayeron las primeras bombas ya estábamos aburridos. A veces no puedo creerlo, estábamos más allá del sentimiento, a veces no puedo creerlo. Estaba más allá del sentimiento, a veces no puedo creerlo. Estoy más allá del sentimiento otra vez. Los chicos quieren ser tan duros, pero en mis sueños seguimos gritando y corriendo por el patio. Cuando finalmente se vengan abajo todas las paredes que construyeron durante los ‘70, y finalmente se vengan abajo todas las casas que construyeron durante los ‘70. ¿No significó nada? ¿No significó nada? ¿No significó absolutamente nada? A veces no puedo creerlo, estábamos más allá del sentimiento, a veces no puedo creerlo. Estaba más allá del sentimiento e iba hacia la noche. Así que ¿puedes entender por qué quiero una hija mientras soy joven? Quiero tomarle la mano y mostrarle algo de la belleza antes de que todo este daño se haya hecho. Pero si es demasiado pedir, si es demasiado pedir, entonces envíenme un hijo. Bajo el puente de la autopista y en el estacionamiento seguimos esperando. Ya ha pasado así que saca tus pies del asfalto caliente y ponlos en la hierba, porque ya ha pasado, ya ha pasado. A veces no puedo creerlo, estábamos más allá del sentimiento, a veces no puedo creerlo. Estaba más allá del sentimiento otra vez. Estaba más allá del sentimiento. Estaba más allá del sentimiento. En mis sueños, seguimos gritando, seguimos gritando, seguimos gritando. 

En Video: Arcade Fire - The Suburbs, dirigido por Spike Jones.

Más Arcades:

Arcade Fires synchronised artwork: Interesante trabajo a detalle para “The Suburbs” y su reproducción con añadidos visuales en reproductores digitales. Solo falta el olor al vinilo.

Arcade Fire, “We Used to Wait” + HTML5 + Chrome + Google Maps: El video interactivo que nos pasea por nuestros suburbios.

Leonard Cohen: The Future - El Futuro

“Cohen es el depresivo, no químico, más poderoso del mundo”

“I’ve seen the future brother, is murder”

Si San Juan hubiera podido cantar los delirios de su Apocalipsis, de seguro hubieran sido con aquella voz ronca de Cohen. Pero claro, con seguridad Cohen no se inspiró en el Apocalipsis para escribir esta canción (el no cree en esas cosas), y tampoco nos dio mensajes codificados para leerlos a nuestro antojo.

El Cohen del futuro es cínico, no es el Cohen de “Songs of Leonard Cohen” (1968) de voz amable y una inocencia implícita, ha envejecido, su voz parece quebrada y es un cascarrabias fatalista que le canta a la tragedia y la depresión y “Future” (1992) es uno de sus evangelios plagado de esas visiones.

En 1992, tras una desconcertante relación con la actriz Rebecca de Mornay, Leonard Cohen se recluyó en un monasterio de monjes Zen cerca de Los Ángeles. Por entonces, salió al mercado “The future”, una obra de redentora belleza alquímica que mezcla lo melancólico y lo perturbador, en la que todos los miserables poetastros aparecen intentando sonar como Charlie Manson, en la que la sabiduría de Johnny Walker es generosa, en la que el violinista toca cosas tan sublimes que las mujeres se arrancan las blusas y los hombres bailan sobre telas de lunares, en la que la nueva tecnología instrumental y la nueva voz ronca se mezclan con suspiros, gritos y besos hambrientos.

En “The future” regresamos al ropaje depresivo, al desasosiego y a la certeza de que el amor es el único salvavidas que nos queda, por eso siempre estamos esperando el milagro (“He estado esperando tanto tiempo tu beso, esperando que pasara algo así”), aunque todos sabemos que nunca llegará (“No quiero que el amor vuelva a hacerme daño: así que no me des el mundo hoy y me lo quites mañana, no me hagas eso, cariño”). La particular visión de Leonard Cohen acerca del futuro se resume en la máxima filosófica que protagoniza el disco: “Devuélveme el muro de Berlín, dame Stalin y San Pablo, dame Cristo o Hiroshima, he visto el futuro, hermano, y es un crimen”. El pesimismo existencialista desgarra un mundo en el que parece que todo está oscuro y nieva continuamente: “el río ha empezado a helarse y estoy harto de fingir. Estoy roto de inclinarme. He vivido demasiado tiempo de rodillas”. Desde el principio, “The future” se convirtió en una piedra preciosa capaz de devolvernos nuestras noches rotas, de llenar nuestras habitaciones de espejos, de susurrarnos al oído nuestras vidas secretas.

En The Future su visión futurista no pudo ser más acertada y lista para ser publicitada por cualquier compañía de cómputo. Degradación, Guerra, lujuria, violencia, hambre, peste y muerte. No cabe duda que Cohen no se equivoca y en una época que podemos digerir casi cualquier profecía de un fin del mundo posible y un futuro imperfecto, Cohen es el mas cercano profeta que nos muestra nuestro presente con hermosos coros.

En Audio: Leonard Cohen - The Future.

Leonard Cohen: The Future - El Futuro

Devuélveme mi noche rota,
mi habitación de espejos, mi vida secreta;
Esto es muy solitario, no queda nadie a quien torturar.
Dame control absoluto sobre todos los seres vivos,
y acuéstate a mi lado, nena, ¡es una orden!

Dame crack y sexo anal,
coge el único árbol que queda
y mételo en el agujero de tu cultura.
Devuélveme el Muro de Berlín,
dame Stalin y San Pablo.
He visto el futuro, hermano: es un crimen.

Las cosas van a deslizarse en todas direcciones,
no habrá nada, nada que puedas volver a medir.
La ventisca del mundo ha cruzado el umbral
y ha volcado la orden del alma.
Cuando dijeron: “Arrepiéntete”,
me pregunto a qué se referían.

No tienes la más remota idea de mí,
nunca la tendrás, nunca la tuviste.
Soy el pequeño judío que escribió la Biblia.

He visto las naciones levantarse y caer,
he oído sus historias, las he oído todas,
pero el amor es el único motor de supervivencia.

Aquí tu siervo ha sido ordenado,
decirlo claro, decirlo fríamente:
Se ha acabado, fin de trayecto.
Y ahora que las ruedas del cielo se han detenido,
sientes la fusta del diablo.
Prepárate para el futuro: es un crimen.

El antiguo código occidental saltará en pedazos.
De pronto, estallará tu vida privada.
Habrás fantasmas, habrá fuegos en la carretera,
y el hombre blanco bailando.
Verás a tu mujer colgada boca abajo,
su vestido cubriéndole el rostro,
y todos los miserables poetuchos
aparecerán, intentando sonar a Charlie Manson.

Devuélveme el Muro de Berlín,
dame Stalin y San Pablo,
Dame Cristo o dame Hisroshima.
Destruye otro feto ahora mismo;
no nos gustan los niños.
He visto el futuro, nena: es un crimen.

Las cosas van a deslizarse en todas direcciones,
no habrá nada, nada que puedas volver a medir.
La ventisca del mundo ha cruzado el umbral
y ha volcado la orden del alma.
Cuando dijeron: “Arrepiéntete”,
me pregunto a qué se referían.

En Video: Leonard Cohen – The Future (Live in London).

Bob Dylan: A Hard Rain's a-Gonna Fall - Una lluvia dura va a caer

"He visto cosas que ustedes no creerian. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir..." (Blade Runner).

The Freewheelin’ Bob Dylan, disco básico y vital -de acerada critica social y con cortes amorosos e intimistas- de la primera etapa de un Bob Dylan profético y sin electrificar. Disco además, en su versión oficial, mutilado y con grandes omisiones dada la inspirada etapa de Bob Dylan que se vio obligado a dejar preciosas canciones fuera del disco como "Baby, I’m In The Mood For You", “Quit Your Low Down Ways" o "Talkin’ John Birch Paranoid Blues" esta ultima, canción que ridiculizaba a los norteamericanos que perseguían comunistas, censurada por la disquera, omisiones que después conoceríamos por los grandiosos “The Bootleg Series” piratas hechos por el mismo Bob Dylan.

Pese a ser un álbum censurado y de grandes omisiones, The Freewheelin’ Bob Dylan es un álbum perfecto ya que nos regala la triada perfecta para crearle un altar: Blowin’ In The Wind (himno generacional), Masters Of War (tema rabioso donde se guarda cualquier sentimiento bienintencionado hipócrita) y la épica A Hard Rain’s a-Gonna Fall (un imaginario de un mundo desolado). Sobre esta ultima, Bob Dylan jamás supo decir sobre que se refería esta canción, sin embargo ante la consulta sobre que si se refería a la posible lluvia atómica -en tiempos donde la crisis de los misiles y los temores a una guerra nuclear estaban presentes- Dylan solo atino a responder "It’s not atomic rain. It’s just a hard rain" una respuesta poética como la canción misma que según el cristal con que se lo mire invita a imaginar con cualquier escenario posible, tal y como diría Allen Ginsberg: “la poesía es una verdad subjetiva, pero que cobra una realidad objetiva simplemente porque alguien más lo nota” y esta canción, A Hard Rain’s a-Gonna Fall, es justamente eso.

Sonidos pop y letra en español son los que nos regala la banda zaragozana Amaral versionando A Hard Rain’s a-Gonna Fall para la campaña de publicidad de la Expo Zaragoza 2008. Con Bob Dylan como principal promotor de esta versión al elegir a Amaral para interpretarla, nos encontramos con sonidos refinados y una melodía sencilla apoyada por la voz femenina de su cantante. No es una versión virtuosa y la traducción tiene grandes pérdidas, pero es una canción que sale a flote y se hace aceptable por esas rarezas en español que nos encontramos de Bob Dylan.

En Audio 1: Bob Dylan - A Hard Rain’s a-Gonna Fall.

En Audio 2: Amaral – Llegará la tormenta.

Bob Dylan: A Hard Rain’s a-Gonna Fall - Una lluvia dura va a caer

Oh,¿dónde has estado,
mi querido hijo de ojos azules?
¿dónde has estado,
mi joven querido?

He tropezado con la ladera
de doce brumosas montañas,
he andado y me he arrastrado
en seis autopistas curvadas,
he andado en medio
de siete bosques sombríos,
he estado delante
de una docena de océanos muertos,
me he adentrado diez mil millas
en la boca de un cementerio,
y es dura, es dura,
es dura, es muy dura,
es muy dura la lluvia que va a caer.

Oh, ¿y qué viste,
mi hijo de ojos azules?
Oh, ¿qué viste,
mi joven querido?

Vi lobos salvajes alrededor
de un recién nacido,
vi una autopista de diamantes
que nadie usaba,
vi una rama negra
goteando sangre todavía fresca,
vi una habitación llena de hombres
cuyos martillos sangraban,
vi una blanca escalera
cubierta de agua,
vi diez mil oradores
de lenguas estaban rotas,
vi pistolas y espadas
en manos de niños,
y es dura, es dura,
es dura, y es muy dura,
es muy dura la lluvia que va a caer.

¿Y qué oíste,
mi hijo de ojos azules?
¿Y qué oíste,
mi joven querido?

Oí el sonido de un trueno,
que rugió sin aviso,
oí el bramar de una ola
que pudiera anegar el mundo entero,
oí cien tamborileros
cuyas manos ardían,
oí diez mil susurros
y nadie escuchando,
oí a una persona morir de hambre,
oí a mucha gente reír,
oí la canción de un poeta
que moría en la cuneta,
oí el sonido de un payaso
que lloraba en el callejón,
y es dura, es dura,
es dura, es muy dura,
es dura la lluvia que va a caer.

Oh, ¿a quién encontraste,
mi hijo de ojos azules?
¿Y a quién encontraste,
mi joven querido?

Encontré un niño pequeño
junto a un pony muerto,
encontré un hombre blanco
que paseaba un perro negro,
encontré una mujer joven
cuyo cuerpo estaba ardiendo,
encontré a una chica
que me dio un arco iris,
encontré a un hombre
que estaba herido de amor,
encontré a otro,
que estaba herido de odio;
y es dura, es dura,
es dura, es muy dura,
es muy dura la lluvia que va a caer.

¿Y ahora qué harás,
mi hijo preferido?
¿Y ahora qué harás,
mi joven querido?

Voy a regresar afuera
antes que la lluvia comience a caer,
caminaré hacia el abismo
del más profundo bosque negro,
donde la gente es mucha
y sus manos están vacías,
donde el veneno
contamina sus aguas,
donde el hogar en el valle
encuentra el desaliento de la sucia prisión,
y la cara del verdugo
está siempre bien escondida,
donde el hambre amenaza,
donde las almas están olvidadas,
donde el negro es el color,
y ninguno el número,
y lo contaré, lo diré, lo pensaré
y lo respiraré,
y lo reflejaré desde la montaña
para que todas las almas puedan verlo,
luego me mantendré sobre el océano
hasta que comience a hundirme,
pero sabré bien mi canción
antes de empezar a cantarla,
y es dura, es dura,
es dura, es muy dura,
es muy dura la lluvia que va a caer.

Escuche tambien: Mas Dylan’s.

Paramore: Misery Business – Negocios miserables

Riot segundo disco de Paramore, quinteto liderado por la jovencísima Hayley Williams. La novel banda Estadounidense presenta sonidos pop punk que le han servido para catapultarlos en los tops de Estados Unidos, Reino Unido e Irlanda forrando el disco de platino y oro respectivamente.

Con Riot como álbum presentación a nivel mundial y segundo en su carrera, Paramore aparece como una banda concreta, lo suyo es pop punk, sonido fresco, divertido, e incluso, romántico e intenso, basadas en la fuerza instrumental de guitarras, batería y la rabiosa frontwoman Hayley Williams. "Misery Business", "Hallelujah" (canción romántica y la mas liviana del disco junto a “We Are Broken” que me suena a Seeter), "Crushcrushcrush" - Video (primer single en el Reino Unido, plagada de fuerza que suena mejor en vivo) y "That’s What You Get" cuatro de los sencillos que junto a “For a pessimist I’m pretty optimistic” y “That’s What you get” hacen de Riot un disco simple y compacto, de estribillos pegadizos, basados en sonidos noventeros de pop-punk digerible, un genero que se refresca y se niega a morir.

Misery Business, primer single en Estados Unidos que les valió Billboard, rotación pesada en las cadenas de videos musicales y por inercia, éxito mediato, balada rabiosa que a nadie le gustaría le dedicasen en San Valentín, canción que inicia en su versión en estudio (Audio) con violines y sonidos básicos (no son mariachis) para luego explotar en furia instrumental eléctrica, lindo detalle que hace degustar mas la canción. Video divertido y tradicional en bandas del género.

En Audio: Paramore – Misery Business (Live In The UK, Brixton Academy)

Paramore: Misery Business – Negocios miserables

Estoy en un negocio de miseria
Quitémoslo desde arriba
Ella tiene el cuerpo como reloj de arena, ese tictac de reloj
Es cuestión de tiempo para que todos salgamos corriendo
Cuando pienso que es mío ella lo besa en la boca

Espere ocho largos meses
Ella por fin lo dejo libre
Le digo que no puedo mentirle es lo único para mi
Dos semanas después y ya estamos ardiendo
Ella se fue de aquí
Y yo tengo una gran sonrisa

CORO:
Whoa, nunca quise presumir
Pero ahora lo tengo donde lo quería
Whoa, nunca fue mi intención presumir
Robarte todo lo tuyo
Pero dios hace que se sienta muy bien
Porque ahora lo tengo donde lo quería
Y si tu podrías y si tu supieras
Porque dios hace que se sienta muy
Se sienta muy bien

Las segundas oportunidades nunca importan, la gente nunca cambia
Una pu*ta eres no eres nada más, lo siento, eso nunca se cambiará
Y acerca de perdonarnos, ambos suponemos que hemos cambiado
Lo siento cariño, pero pase por arriba de ti, ahora veo todo de otra forma
Bien, hay un millón de otras chicas iguales a ti
Con una mirada inocente quien se puede resistir
Ellos lo quieren y lo que ellos quieren es fácil si lo haces bien
Bien, me rehusó, me rehusó, me rehusó.

Se siente muy
Se siente muy bien

He mirado sus sueños mas salvajes volviéndose realidad
Y en ninguno de ellos estas tu
Solo mira mis sueños mas salvajes volviéndose realidad
Y ninguno de ellos estas..

Whoa, nunca quise presumir
Pero ahora lo tengo donde lo quería

En Video: Paramore – Misery Business (Official Music Video).

The Smashing Pumpkins - The Beginning is the End is the Beginning

"Mira, yo era un superhéroe." (Noel Gallagher)

Antes de “Adore” y después de “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, en plena metamorfosis arriesgada del sonido rockero a los sonidos electrónicos, los Smashing Pumpkins lanzan el CD single "The End is the Beginning Is The End" (descarga), álbum concebido en la mente de Billy Corgan para acompañar al héroe enmascarado en la película Batman & Robin.

Pero mas allá de aquel detalle, el CD single, que viene acompañado además de tres canciones, es un disco esencial en la carrera de “The Smashing Pumpkins”, ya que es la línea de evolución natural que se planteo Billy Corgan, los ideales románticos de un rockero intelectual al que sus sueños se agrandan "el futuro está en la música electrónica. Debe ser realmente aburrido tocar sólo música rock". Con esa premisa y antes del infravalorado “Adore”, Billy Corgan nos regala el génesis de una nueva etapa, cuyas primeras líneas las marca en "The End Is The Beginning Is The End".

"The End is the Beginning Is The End" fue la pieza oficial de la película "Batman & Robin" y se llevó el Grammy de 1997 como mejor presentación de rock pesado. Fusión de rock y electrónica una pequeña muestra de sus inquietudes experimentales que estuvieron repartidas por todo su siguiente álbum, según Corgan: “Es el resultado al buscar un sonido original para un héroe”, donde una guitarra rabiosa acompaña la canción dando un aire oscuro a la canción.

“The Beginning is the End is the Beginning” segunda canción del disco, concebida como la versión alternativa de "The End Is The Beginning Is The End", canción melancólica, semi oscura, mas lenta y con una nueva letra oscura y difusa, disímil al sonido extremo y rabioso de la primera canción. La voz de Billy Corgan es el hilo motor de la canción y en torno a el se genera la melodía y es a la que se adapta toda una complejidad instrumental orgasmal.

“The Beginning is the End is the Beginning” rareza salida de la oscuridad gracias al teaser trailer de Watchmen, salida en 2008 en las previas de "The Dark Knight" (una extraña coincidencia) y presentada también en el Comic-con de San Diego en 2008, desde su nueva aparición, la canción se hizo de un éxito a destiempo: Top 100 en la lista de iTunes del verano de 2008 y disparándose a millones las descargas de la canción.

En relación al teaser trailer de “Watchmen”, la película, y la resurrección de “The Beginning is the End is the Beginning”, el contenido lírico oscuro y el contenido visual se complementan de manera sensacional dándole un aire inquietante al trailer, el propio Corgan se encuentra sorprendido ante el impacto del trailer y aun sin conocer la obra completa de Alan Moore/Dave Gibbons y su traspaso al cine, la idea de realizar un video musical alrededor de “la película Watchmen” va tomando cada vez mas forma.

Buscando una canción para un héroe Billy Corgan nos ha regalado una de las más grandes canciones del universo rockero y con el pasar del tiempo, se ha encontrado indirectamente con una obra maestra del noveno arte “Watchmen” y Zack Znyder la ha unido con el cine. “The Beginning is the End is the Beginning” es una gran canción, pero este renacer le debe mucho a “The Watchmen”.

En Audio 1: The Smashing Pumpkins - The Beginning is the End is the Beginning ("Watchmen Trailer", 2008).

En Audio 2: The Smashing Pumpkins - The End is the beginning of the end ("Batman & Robin Soundtrack", track #1, 1997)

The Smashing Pumpkins: The Beginning is the End is the Beginning – El comienzo es el final es el comienzo

Envía un latido de corazón
al vacío que llora a través tuyo
recuerda las imágenes que han acontecido
porque ahora permanecemos solos
el mundo está perdido
y somos carne y huesos desintegrados
con nada más para odiar

Es brillante donde estás?
y ha cambiado la gente?
te hace feliz ser tan extraño?
y en tu hora más oscura,
abrazo la llama de los secretos
podemos mirar al mundo devorado en su dolor

Librado de la explosión
el ultimo de una fila de últimos
la princesa pálida de un palacio rayado
y ahora viene el reino
chocando deshecho
y soy el amo de un lugar de nada
de retroceso y gracia

El tiempo se ha detenido ante nosotros
el cielo no puede ignorarnos
nadie nos puede separar
porque somos lo único que queda
el eco rebota a distancia mía
la sombra se perdió a mi lado
no hay mas necesidad de fingir
porque ahora puedo comenzar de nuevo.

En Video: Teaser Trailer Watchmen (The Smashing Pumpkins: The Beginning is the End is the Beginning)

Visite También:
- Corgan talks ’Watchmen’ music (Los Angeles Times).
- Download Smashing Pumpkins - The End Is The Beginning Is The End CD Single (1997).

Billy Joel: Piano Man – El Hombre del Piano

“Esta es la historia de un sábado de no importa qué mes y de un hombre sentado al piano de no importa que viejo café” (Ana Belen)

“Mi piano un poco soy yo, yo soy un poco de él” (Fito Páez)

Salida en 1973 en su segundo viaje personal después Cold Spring Harbor (1971) y después de su etapa heavy junto con Jon Small y los sonidos ridículos del dueto "Attila" (1970); Billy Joel crea y nos regala una de las producciones más importantes de la historia. Del disco Piano Man, aparece esta maravillosa aventura un tanto deprimente.

La historia toma lugar en un pequeño bar un sábado por la noche. El hombre toca su piano y ve, pero no sólo eso, participa en el ambiente que ocurre ahí y mientras nos cuenta dispares historias acompañado de su piano, en un retrato personal de corte intimista, nos hace participes también a nosotros de aquella triste y emotiva melodía. El título es un sello de las más memorables canciones del rock en piano y un pedazo de joya literaria en no papel, que nos abre y nos regala la posibilidad de crearnos, desde la ficción, nuevas micro-historias dándonos un inicio y un final, dotándonos del placer de crearnos un argumento propio. Inténtenlo al ritmo de armónica y el piano.

Una versión que me sorprendió desde que me dijeron que existía, aquella hecha por Víctor Manuel e interpretada por Ana Belén, salida en el disco Con las manos llenas (1980). Versión que mantiene la música pero en la letra es disímil a la original y aun así mantiene una emotividad que conmueve, Ana Belén la hace suya creando otra joya musical. Juego de letras y se crea otra historia y otra canción en base al pianista de Billy Joel, encontrándose en algún momento desde otra perspectiva “Toca otra vez, viejo perdedor, haces que me sienta bien, es tan triste la noche que tu canción, sabe a derrota y a miel. (…) Hay un hombre aferrado al piano, la emoción empapada en alcohol y una voz que le dice “pareces cansado” y aún no ha salido ni el sol.”

Siéntense, relájense, escuchen al gran Billy entonar su canción y olvídense de la vida por un rato.

En Audio 1: Billy Joel – Piano Man.

En Audio 2: Ana Belén - El Hombre Del Piano.

Billy Joel: Piano Man – El Pianista

Son las nueve en punto de un sábado
el público habitual va entrando
hay un hombre mayor sentado junto a mí
haciendo el amor a su Gin-Tonic.

Me dice, “Hijo, ¿puedes tocarme una melodía?”,
no estoy realmente seguro de cómo va,
pero es triste y es dulce, y la sabía completa,
cuando vestía ropas de hombre más joven”.

La la la, de de da
La la lararirira
La la

Cántanos una canción, tú eres el pianista
cántanos una canción esta noche
Pues todos estamos animados para una melodía
y nos haces sentir bien.

Ahora John, en el bar es un amigo mío
me da mis tragos gratis
y es rápido con las bromas, o para encender tu cigarrillo
pero hay algún lugar en el que preferiría estar.

Me dice: “Bill, creo que esto me está matando”
mientras la sonrisa desaparece de su rostro
“Pues estoy seguro que podría ser una estrella de cine,
si pudiera salir de este lugar”.

Oh, la la la, de de da
la la lararirira
La la

Ahora Paul es un “novelista”
que nunca tuvo tiempo para una esposa
y está hablando con Davy, que aun está en la marina
y probablemente lo estará de por vida.

Y la camarera está practicando política
mientras los hombres de negocios lentamente se emborrachan
sí, están compartiendo un trago que llaman soledad
pero es mejor que estar bebiendo solo.

Cántanos una canción, tú eres el pianista
cántanos una canción esta noche
Pues, todos tenemos ánimos para una melodía
y nos haces sentir bien.

Es un bonito público para un sábado
y el gerente me da una sonrisa
porque sabe que es a mí a quien han venido a ver
para olvidarse de la vida por un rato.

Y el piano suena como un carnaval
Y el micrófono huele como cerveza
y se sientan en el bar y colocan dinero en mi tarro
y dicen: “Hombre qué estás haciendo aquí”.

Oh, la la la, de de da
la la laririra
La la

Cántanos una canción, tú eres el hombre del piano
cántanos una canción esta noche
Pues, todos tenemos ánimos para una melodía
y nos haces sentir bien.

Bob Marley: Redemption song - Canción de redención

Testamento musical del Reggae.

Fue 1979 el año en que Bob Marley escribiría esta canción, Redempion song, para Uprising. Para ese entonces ya había sido diagnosticado con cáncer, para ese tiempo ya había revolucionado a su cuna –Jamaica-; para ese tiempo ya era el primer cantante tercer mundista que se metía en el colectivo sonoro mundial; para ese tiempo ya le había llegado la canonización en los altares del rock cuando la Rolling Stone yanqui designó a Bob Marley & The Wailers como banda del año en 1976 después de su "Rastaman vibration".

Una guitarra de palo desnuda acompaña a un Marley sobrepasado por la tristeza y la depresión, su voz así la denota, regalándonos una dolorida y conmovedora balada de acordes folk que lleva en su letra un recorrido por el doloroso pasado del pueblo afroamericano, celebrando que Dios le haya dado la fuerza para sobrevivir hasta el presente, después de ello sugiere "emanciparse de la esclavitud mental" principios básicos de su fe y la filosofía que siempre lo acompaño e invita a que el mundo cante "estas canciones de libertad / es lo único que tengo, / canciones de redención".

Canción versionada hasta la saciedad y en los mas diversos géneros (basta escuchar las muestras en la Wikipedia), las mas rescatables quizás aquella de Joe Strummer con sus Mezcaleros (Video) versión que merece una reverencia y la otra, contraste necesario ante el sonido acústico de Marley, una notable versión de Attaque 77 que la convierte en una canción rabiosamente punk cantada en castellano, en 1995 en su disco “Amen”.

En Audio 1: Bob Marley – Redemption song.

En Audio 2: Attaque 77 – Redemption song.

Bob Marley: Redemption song - Canción de redención *

Viejos piratas me robaron
y me vendieron a algún mercader
minutos después me sacaron
del agujero más cruel
Y mis manos se volvieron fuertes
con la fuerte mano de dios
triunfalmente nos imponemos
a esta generación
Ayúdame a cantar, para ser libres,
tan solo una canción de redención
Emancipar de una vez tu esclavitud mental
tan sólo vos lo podrías lograr
y que importa la energía atómica
si el tiempo nadie lo puede parar
Porque matan a nuestros profetas
y miramos a otro lugar,
la historia no fue escrita ya
podés cambiarle el final.

Ayúdame a cantar, para ser libres,
tan solo una canción de redención
Emancipar de una vez tu esclavitud mental
tan sólo vos lo podrías lograr
y que importa la energía atómica
si el tiempo nadie lo puede parar
Porque matan a nuestros profetas
y miramos a otro lugar,
la historia no fue escrita ya
podés cambiarle el final.

Ayúdame a cantar, para ser libres,
tan solo una canción de redención
tan solo una canción de redención
de redención.

Video: Joe Strummer and The Mezcaleros - Redemption Song.

* Letra en la versión de Attaque 77.

Lea También:
Redemption Song (CINE BRAILLE).

The Verve: Bitter Sweet Symphony - Sinfonía agridulce

El inicio de los 90 fue un tanto injusto para muchas bandas venidas del otro lado del charco, Oasis y Blur, su guerra mediática y sus sonidos de brit-pop prácticamente acaparaban los oídos y ganaban fans de todas las partes del globo. Tuvieron que llegar los finales de los 90 para que emergieran, de las sombras de esta especie de superbandas, imágenes y sonidos de grupos inmerecidamente olvidados.

The Verve es una de ellas, quienes a pesar de haber dado sus primeros pasos antes que los abrumadores Oasis mantenían un perfil bajo debido a sus experimentaciones psicodélicas y sonidos raros de sus dos primeros discos. Urban Hymns (1997), tercer disco, pico alto por donde se lo mire y escuche, compositiva, sonora y comercialmente, siendo en si uno de los mejores discos de la etapa dorada del britpop. Con las drogas y demás adicciones como musas principales, Urban Hymns es el disco perfecto en la corta pero esencial carrera de The Verve con joyas como Space and Time, The Rolling People, The Drugs Don’t Work, Lucky Man, Come on o This time.

Bitter sweet symphony, primer track del disco, canción escrita por Richard Ashcroft pero en la actualidad acreditada también a Jagger y Richards debido al uso de un riff similar a The last time (Audio) de los Rolling Stones. Basada en magníficos arreglos orquestales, la melodiosa canción les hizo probar el éxito comercial, pero que de ningún modo viene siendo lo mejor del disco. Traducción difícil y torpe, por la complejidad de una letra que no parece decir nada y que nos hipnotiza con la pegajosa tonada basada en cuerdas y que mas de una decena de comerciales nos obligan a recordarla de tanto en tanto o bien la asociamos a la imagen de Sarah Michell Gellar cuando nos mostró que no solo era una cazavampiros.

El video es una joya (La mayor parte del video muestra a Richard Ashcroft caminando por una calle de Londres, sin detenerse frente a nadie y, chocando así, a toda persona que se atraviesa en su camino. Tampoco se detiene frente a los automóviles, al punto que trepa a uno de ellos para continuar su camino.), quizás es la forma las fácil de entender la canción: la imagen de Richard Ashcroft, su eterno escuálido semblante, su aspecto desgarbado, su mirada lánguida, su casaca de cuero y su paseo triunfal por un video en la que se ensimisma y parece no haber un mundo después de el, buscando quizás su redención.

Irremediablemente me he vuelto a encontrar con esta melodía, ahora con una sensación de auto identificación que se asocia a una búsqueda personal que recién empieza, la sinfonía es mas mía y sin querer me he dado cuenta que aquel paseo de Ashcroft en aquel videito es mas bien real desde mi perspectiva, ya que mirándolo con una distancia cercana me doy cuenta que voy buscando respuestas y aquel final triunfal, mientras ahora vivo "enmimismado" andando en un espacio que no pasa de mi.

En Audio: The Verve - Bitter Sweet Symphony.

The Verve: Bitter Sweet Symphony - Sinfonía agridulce

Porque es una sinfonía agridulce, esta vida
Intenta hacer que se encuentren los opuestos
Eres un esclavo del dinero hasta que mueres en vida
Te llevaré por el único camino por el que siempre he caído
Conoces al que te lleva a los sitios
Donde todas las venas se encuentran, si

No existe el cambio pero puedo cambiar
Puedo ser diferente puedo cambiar mi vida
Pero estoy aquí en mi molde
Aquí atado a mi supuesto destino
Pero soy un millón de personas diferentes
De un día para otro
No puedo cambiar mi molde
No, no, no, no, no

Bien, nunca rezo
Pero esta noche estoy arrodillado, si
Necesito oír algunos sonidos para reconocer el dolor en mí, si
Dejo que la melodía brille, la dejo limpiar mi mente, me siento libre ahora
Pero las líneas aéreas están limpias y no hay nadie cantándome ahora

No existe el cambio pero puedo cambiar
Puedo ser diferente puedo progresar
Pero estoy aquí en mi molde
Aquí aferrado a mi falta de voluntad
Pero soy un millón de personas diferentes
Diferentes de un día para otro
No puedo cambiar mi molde
No, no, no, no, no
No puedo cambiar
No puedo cambiar

Porque es una sinfonía agridulce, esta vida
Trata de hacer que se encuentren los opuestos
Trata de encontrar algo de dinero hasta que mueras
Te llevaré por el único camino donde jamás he estado deprimido
Conoces al que te lleva a los sitios
Donde todas las emociones convergen, si

Sabes que puedo cambiar, puedo cambiar
Puedo cambiar, puedo progresar
Pero estoy aquí en mi molde
Aquí atado a mi escasa voluntad
Y soy un millón de personas diferentes
Diferentes de un día para otro
Pero aun no puedo cambiar mi mente
No, no, no, no, no

No puedo desligarme del pasado
No, no, no, no, no
No puedo cambiar
No puedo cambiar mi cuerpo
No, no, no

Te llevaré por el único camino donde nunca he estado prisionero
Te llevaré por el único camino donde jamás he estado decaído
Ni sumido en la depresión.
Donde jamás he estado atado.
Donde jamás he sido prisionero.
Donde jamás estoy desesperado.
Donde jamás me encuentro angustiado
¿Alguna vez te has sentido aprisionado?
¿Alguna vez te ha invadido la soledad?

En Video: The Verve - Bitter Sweet Symphony.

The Beatles: While My Guitar Gently Weeps - Mientras mi guitarra llora

Un George Harrison insuperable.

"I look at you all see the love there that´s sleeping, while my guitar gently weeps..."

Que Harrison haya sido infravalorado en su carrera de Beatle no se nos es raro al tener que competir con dos genios compositores como Lennon y McCartney, pero aun con ambos en un escalón superior de notoriedad, George Harrison se dio el placer componer entre la basta discográfica beatlera una de las mas grandiosas canciones que roza la perfección.

Precisamente fue en el ecléctico álbum blanco -gestado en aquel viaje que Los Beatles realizaron a la India- de donde oíamos el Revolution de Lennon y la satánica Helter Skelter de McCartney, donde Harrison hizo uno de los mas grandes aportes de su carrera (en una etapa que tenia un talento en bruto que después la afinaría como solista para llegar maleado hasta su espectacular disco solista “All Things Must Pass”). While My Guitar Gently Weeps, la obra maestra mágica de Harrison que fue inspirada por la primera frase del libro chino de los cambios llamado "I Ching" y decidió escribir una canción con la primera frase que encontrara en un libro. La frase fue "gently weeps" (llora suavemente). Despliegue de talento e inspiración de Harrison.

El tema es el primer intento de utilización de una grabadora de ocho pistas. Lo que resalta de la canción es la guitarra, pero no es de George quien pese a ser la primera guitarra del grupo mas popular de la historia no encontró el virtuosismo suficiente para hacer que su guitarra "llorase suavemente" y, después de varios intentos erráticos, fue al “mano lenta” Eric Clapton a quien pidió que fuese él quien tocase la guitarra. Clapton al principio se negó, "porque nadie toca con los Beatles", pero la guitarra que se oye llorar finalmente en el solo supremo del While My Guitar Gently Weeps es la Gibson Les Paul de Eric Clapton.

Una versión acústica salio en el disco Beatle, Anthology, claro que carece del solo de Clapton pero no deja de ser una magnifica obra maestra. Una reedición mas nueva, también acústica pero completamente diferente con remezclas, arreglos de cuerdas y un sonido renovado sale en la banda sonora del Circo du Soleil en su espectáculo Love que termina como álbum recopilatorio Beatlero del mismo nombre Love (2006). De traducción difícil. La ultima estrofa de ambas versiones la del White álbum (1968) y la del Love (2006) difieren entre si.

Sonoramente, compositivamente es difícil de describir semejante joya musical, la tonalidad menor de esta composición de Harrison nos hace ingresar en una atmósfera plagada de emociones y sentimientos. Cuando permanecemos en ella sentimos que a cada lágrima que deviene y cae por el cuerpo de la Gibson Les Paul, le corresponderá otra que deberá recorrer inexorablemente nuestras mejillas. No es posible oír esta canción sin sentir que la melancolía se apodera de nosotros, dejándonos expuestos al más hermoso de los llantos: el de la música, el de la guitarra... el nuestro.

Velas, silencio, lagrimas… ovación.

En Audio 1: The Beatles - While My Guitar Gently Weeps (White Album, 1968).

En Audio 2: The Beatles - While My Guitar Gently Weeps – Acoustic (Love, 2006).

The Beatles: While My Guitar Gently Weeps - Mientras mi guitarra llora suavemente

Te miro toda, veo al amor allí durmiendo
Mientras mi guitarra llora suavemente
Miro al suelo y veo que necesita una barrida
Todavía mi guitarra llora suavemente
No se por qué nadie te dijo cómo revelar tu amor
No se cómo alguien te controló
Ellos te compraron y te vendieron
Miro al mundo y noto que está rotando
Mientras mi guitarra llora suavemente
Con cada error seguramente estamos aprendiendo
Todavía mi guitarra llora suavemente
No se cómo fuiste divertida, fuiste pervertida también
No se cómo fuiste invertida. Nadie te alteró
Te miro toda, veo al amor allí durmiendo
Mientras mi guitarra llora suavemente, te miro toda…
Todavía mi guitarra llora suavemente
Miro desde las alas el juego que estás efectuando
Mientras mi guitarra llora suavemente
Como yo, sentado aquí, haciendo nada, sino envejecer
Todavía mi guitarra llora suavemente.

Escuche también:
Mas Beatles…

The Rolling Stones: Angie

Disco 26 entre la conocida y la inconocida discografía de la abundante carrera Stona. Goats Head Soup (1973), aparece como disco transición en una etapa difícil para Keith Richards y su adicción a la heroína; el protagonismo del otro Mick, Taylor, en las 6 cuerdas y Mick Jagger definiendo su posición como frontman, rock star, líder y cara mas visible de la banda que se ve reflejada en la extraña portada del disco: un Mick Jagger de apariencia casi femenina, cubierto quien sabe con que material transparente y todo absorbido por el color naranja que crean una imagen onírica.

Periodo creativo mermado cuya consecuencia lleva a que sea un disco infravalorado y poco comentado, pero ciertamente nos regalan poderosas canciones como “Dancing With Mr. D.” canción demasiado oscura, “100 Years Ago” una belleza extraña cargada de rock y blues, “Winter”, “Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)” de poderoso contenido social al que acompaña un delicioso saxo, “Coming Down Again” creada e interpretada por Richards, “Star Star” o “Starfucker” y otras grandiosas canciones que reflejan una etapa mezclada entre la frivolidad, la oscuridad, la soledad y la decadencia.

Angie, momento mágico Stone, canción que sobresale como la obra maestra del álbum y de la carrera de sus satánicas majestades. Balada dedicada a la mujer de David Bowie y un romance secreto, con Jagger en medio (que recuerda al juego similar de Layla de Clapton) o simplemente la devoción de Richards a su esposa Anita Pallenberg. Balada a un amor imposible acompañada por el toque melancólico en cada nota de Richards y en cada palabra de Jagger, quien, en un último intento, le dice a Angie al oído: I still love you baby.

De uno de los álbumes más cuestionados de los Rolling Stones, la canción es un regalo que como mejor se puede escuchar es en una noche de auto-compasión y penas de amor. Cuerdas, piano y la voz susurrante de Jagger… Angie…

En Audio: The Rolling Stones – Angie.

The Rolling Stones: Angie

Angie, Angie, cuando van aquellas nubes oscuras a desaparecer
Angie, Angie, donde van a llevarnos
Sin cariño en nuestras almas, y ningún centavo en nuestros bolsillos
Tu no puedes decir que estamos satisfechos

Pero Angie, Angie, no puedes decir que nunca lo intentamos
Angie, eres hermosa, no es tiempo para decirnos.... ¡adiós!
Angie, todavía te amo, recuerdo todas aquellas noches que gritamos
Todos los sueños que sostuvimos parecieron tan cerca... y ahora todos se esfuman
Déjame susurrar en tu oído
Angie, Angie, donde van a llevarnos

Angie, no me hagas llorar, todos tus besos todavía son dulces
Odio esa tristeza en tus ojos
Pero Angie, Angie, no es tiempo para decirnos.... ¡adiós!
Sin cariño en nuestras almas, y ningún centavo en nuestros bolsillos
Tú no puedes decir que estamos satisfechos

Pero Angie, aún te amo, cariño.
A cualquier parte que mire, veo tus ojos.
No existe una mujer que se compare a ti.
Vamos, cariño, sécate los ojos.
Pero Angie, Angie, no es bueno estar vivos?
Angie, Angie, no pueden decir que nunca lo intentamos.

En Video: The Rolling Stones - Angie (Live in Paris, 1975).

Otras piedras rodantes:
The Rolling Stones: Paint it black.
The Rolling Stones: (I Can’t Get No) Satisfaction.
The Rolling Stones: Angie (Videoclip - Link Youtube).

Oasis: The Masterplan – El Plan Maestro

“Masterplan” es el plan maestro, todos somos parte del plan maestro.

Dejada de lado en el (What’s The Story) Morning Glory? (1995) y condenada a ser la cara B del single Wonderwall, The Masterplan suena un año mas tarde en el MTV Unplugged en medio de guitarras acústicas que luego desaparecerían en 1998 para presentarse con su sonido original en el álbum homónimo, The Masterplan (1998), que es mas bien un disco recopilatorio de lados B.

"The Masterplan" es uno de los más grandes Lado B junto con aquel intento de sonido beatlemaniano del “Acquiesce” que hace linda conjunción con el cover “I am The walrus” de los “fab-four” y es que en materia referencial los Oasis tienden por lo menos, una par de veces en cada álbum, a emular arreglos, riffs, melodías y demás sonidos sesenteros, con preferencia de corte Beatle.

La balada compuesta y cantada por Noel es simplemente magnifica en su ejecución, con una instrumentación brillante y el solo guitarrero oculto es una de las mejores canciones de los Oasis. La portada del álbum es también exquisita, con un aire setentero vemos a un niño enseñando una clase de música a un grupo de adultos a los que muy poco parece importarles.

Stop The Clocks (2006), salida el pasado año es la retrospectiva a la carrera de Oasis, el repertorio de dos discos cuenta con una selección personal de los Gallager en donde aparecen las grandes canciones que marcaron una época fundamental y otras cruelmente desconocidas. Es donde “The Masterplan” -con aquella relevancia negada hace muchos años- es la canción llamada a promocionar la vital obra compilatoria de los Oasis.

El video promocional de “The Masterplan” para el Stop The Clocks (2006) es una joya de la animación, arte en movimiento, donde el grupo, en animación, se pasea en un mundo basado en las pinturas del artista de Manchester L. S. Lowry, que junto a la vital canción forman una joya audiovisual. Pero claro, si los Oasis iban a salir animados era el momento preciso para brindarle también una pincelada beatlesca (Abbey Road, Magical Mystery Tour, Yellow Submarine, Sgts. Peppers Lonely Hearts Club Band) y donde además se puedan ver decenas de referencias a la carrera de Oasis.

En Audio: Oasis – The Masterplan (MTV Unplugged, 1996)

Oasis: The Masterplan – El Plan Maestro

Tomate el tiempo para reflexionar
sobre qué es lo que quieres decir
y desecha tus palabras sobre las olas
vuélvelas a traer hoy con conformismo
en un barco de esperanza
y mientras caen sobre la orilla
dilas que no teman nunca más
Cántalo alto y cántalo orgulloso
y ellos...

Bailaran si quieren bailar
por favor hermano aprovecha la oportunidad
tú sabes que ellos van a ir
qué camino quieren seguir
Todo lo que sabemos, es que no sabemos
que va a ser
por favor hermano deja que así sea
por otro lado la vida no te permitirá entender
por qué todos nosotros formamos parte
del "Plan Maestro"

No estoy diciendo
que lo correcto es lo incorrecto
de nosotros depende hacer
lo mejor de todo
lo que se presenta en nuestro camino
y todas las cosas
que se acercan ya han pasado
las respuestas están en el espejo
hay veinticuatro millones de puertas
en el interminable corredor de la vida
dilo alto y dilo orgulloso
y ellos...

Bailaran si quieren bailar
por favor hermano arriésgate
tú sabes que ellos van a ir
qué camino quieren seguir
Todo lo que sabemos, es que no sabemos
qué va a ser
por favor hermano deja que así sea
por otro lado la vida no te permitirá entender
por qué todos nosotros formamos parte
del "Plan Maestro"

En Video: Oasis – The Masterplan (Stop The Clocks, 2006).

Otros Oasis y Otros LS Lowry:
Oasis: Supersonic – Don’t Look Back in Anger.
LS Lowry: Un video tributo al artista ingles (Youtube).

The Beatles: Revolution – Revolución

Canción salida el 30 de agosto del 68 en el single “Hey Dude/Revolution” y que posteriormente saldría versionado en el vital álbum doble The Beatles (White álbum) del mismo año en dos versiones: Revolution 1 con un sonido acústico que carece del valor rockero y psicodélico de su versión original y Revolution 9 (Audio), un experimento beatlero donde se mezclan en directo de unos 100 fragmentos de cintas y voces creando un sonido irracional. En la versión original aparece un Lennon predicando un rock duro, con excelentes guitarras, que van perfectamente tomadas de la mano, como si fueran escritas cada una de sus notas en un pentagrama, el solo de teclado a la mitad de la canción emocionan a cualquiera.

El White Album en si es una mezcla ecléctica que nos presenta diversos sonidos que nos pueden aproximar a los Beach Boys o al Blues de Clapton y en medio de todo George Harrison que se crea una canción monumental como “While my guitar gently weeps” que es todo un contraste con la alegre y famosísima “Ob-la-di, ob-la-da” que se crea otro contraste con la diabólica "Helter Skelter". El álbum Blanco es monumental por toda esa carga de matices y versatilidad, debajo de esa portada minimalista donde abunda el blanco y donde solo resalta el negro de “The BEATLES” se encuentra una obra maestra que bebe y se nutre de todas las vertientes estilísticas rockeras.

La versión original y la versión acústica de Revolution son perfectas, contrariamente a Revolution 9 canción casi deforme una obra bastante arriesgada que ha pasado a ser una versión olvidable en la carrera beatle.

Revolution, es aquel himno revolucionario de esencias pacifistas basado en la fuerza eléctrica en donde su mensaje es predicado en clave rockera y de la cual hoy me aferro a minutos nada mas de crearse en La Paz (Bolivia) una revolución pacifica protegiendo un derecho ganado hace mas de un siglo y que nadie hasta ahora, fruto de la sucia politiquería, se atrevía a cuestionar. Que no se cercenen más de 100 años de historia donde los habitantes de la ínclita ciudad de La Paz han luchado por la libertad, la igualdad, la soberanía y la democracia.

En Audio 1: The Beatles – Revolution ("Hey Jude/Revolution").

En Audio 2: The Beatles - Revolution 1 ("White Album").

The Beatles: Revolution – Revolución

Dices que quieres una revolución. Bueno, ya sabes, todos queremos cambiar el mundo. Me cuentas que es la evolución. Ya sabes, todos queremos cambiar el mundo. Pero cuando hablas de destrucción... no cuentes conmigo.

Dices que tienes una solución de verdad. Bueno, ya sabes. A todos nos encantaría ver cuál es el plan. Me pides una contribución. Bueno, ya sabes, todos hacemos lo que podemos. Pero si quieres dinero para una gente con odio en sus mentes... todo lo que puedo decirte, compañero, es que tendrás que esperar.

Dices que cambiarás la Constitución. Bueno, ya sabes. A todos nos gustaría hacerte cambiar de idea. Dices que es la institución. Bueno, ya sabes. Mejor será que, en lugar de eso, liberes tu mente.

Pero si vas por ahí exhibiendo retratos de Mao, no vas a convencer a nadie de ninguna de las formas. ¿No sabes que se va a arreglar?

The Eagles - Hotel California

Bienvenidos al Hotel California administrada por los Eagles. Nos encontramos ante una canción satanizada, más que por todo el halo de conjeturas alrededor de su letra, es más bien condenada por ser un hit despreciado por los conocedores sonoros. Salido en el disco homónimo de 1976, quinto álbum de Eagles, Hotel California con su trasgresor sonido mezcla entre country y rock se ha convertido en la balada por excelencia donde el ritmo sencillo y la melodía cautivadora han opacado las poderosas guitarras en las que se sostiene toda la canción.

En la canción Hotel California, la voz solista la lleva el batería del grupo y compositor de la letra -Don Henley- y en ella se puede apreciar la complicidad existente en ese año entre los componentes del grupo, sin ningún protagonismo especial a excepción de los excelentes solos y de los diálogos/fraseos de guitarra.

Las leyendas urbanas y el imaginario popular han relacionado la letra con una oda a la drogas e himnos satánicos inspirados por el mismo Anton Szaver Lavey, aunque Don Henley en una entrevista a la cadena BBC de Londres comento que el tema está inspirado en la realidad de las drogas que empapaban la creciente vertiente rock en Los Ángeles (California). La canción logra crear un ambiente onírico y etéreo cualidad que la hace atemporal y logra transportarnos fácilmente a un metamundo misterioso, ayudado por el mito creado alrededor de su letra.

Himno-icono rockero tristemente reducido a ser una simple balada para los oídos simples. Música y letra conversan muy bien al igual que los punteos guitarreros de Felder y Walsh, que se multiplican en su presentación acústica de 1994 en el disco Hell Freezes Over, con una excelente conjunción de 4 instrumentos de cuerda, una introducción muy hispana y un feeling que muestra el virtuosismo de estos músicos después de tantos años que logran nuevamente una interpretación orgasmal. En esta ocasión, el deleite para los oídos más exquisitos dura alrededor de los siete minutos y doce segundos, a diferencia de la versión original de seis minutos y medio. En la versión original (audio) Fólder y Walsh nos regalan un brutal “solo” eléctrico que se mezclan de forma espectacular en la parte final haciéndola una vital melodía.

En Audio: The Eagles – Hotel California (Accoustic Live)

The Eagles - Hotel California

En una oscura autopista del desierto, el viento frío en mi pelo
Cálido olor a ’colitas’, extendiéndose por el aire
Por delante, en la distancia, ví una luz trémula
Mi cabeza se volvió pesada y mi vista se volvió borrosa
Tuve que parar a pasar la noche
Allí estaba ella en la puerta
Oí la campana de la misión
Y estaba pensando para mí
"Esto podría ser el Cielo, o podría ser el Infierno"
Entonces ella encendió una vela y me mostró el camino
Había voces al final del pasillo,
creí que las oí decir...

Bienvenido al Hotel California
Que lugar tan adorable
Que cara tan adorable
Cantidad de espacio en el Hotel California
Cualquier época del año, la puedes encontrar aquí

Su mente es retorcida a lo Tiffany, tiene las curvas del Mercedes
Tiene muchos guapos, guapos chicos, que llama amigos
Cómo bailan en el patio, dulce sudor veraniego.
Algunos bailan para recordar, algunos bailan para olvidar
Así que llamé al Capitán
"Por favor, traígame mi vino"
Dijo, "No hemos tenido ese ánimo desde mil novecientos sesenta y nueve"
Y todavía esas voces siguen llamando desde lo lejos
Despertándote en medio de la noche
Sólo para oírles decir...

Bienvenido al Hotel California
Que lugar tan adorable
Que cara tan adorable
Ellos viven la gran vida en el Hotel California
Que agradable sorpresa, trae tus coartadas

Espejos en el techo
El champagne rosa en el hielo
Y ella dijo "Todos somos prisioneros aquí, de nuestro propio ardid"
Y en las cámaras del maestro
Se reunieron para la fiesta
La cortan con sus cuchillos acerados,
pero no pudieron matar a la bestia

Lo último que recuerdo, estaba
corriendo hacia la puerta
Tuve que encontrar el camino de vuelta
al lugar donde estaba antes
’Relájate’ dijo el vigilante nocturno
Estamos programados para recibir
Puedes desocupar tu habitación tantas veces como quieras
pero nunca puedes marcharte!.

Video (Youtube): The Eagles – Hotel California (Live Japon 1976) Los virtuosos y sus malditas guitarras.

The Beatles: A day in the life - Un día en la vida

Dicen que cuando the Bee Gees escucharon por primera vez el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band se quedaron estupefactos, según cuenta Robin Gibb, lo único que atino a decir fue “Dios mío los malditos genios lo hicieron de nuevo” aludiendo el impacto que el disco provoco en el mundo pop. No era para menos, Beatles había creado el álbum epitome de la música pop psicodélica y uno de los álbumes mas exquisitos de la carrera de los “fab four”.

El álbum, con sus 40 años en las espaldas, sigue enamorando a quien lo reescucha y se peca siempre de caer en términos superlativos al definirlo. Psicodélico, imaginativo, influyente, iconoclasta son adjetivos que encajan perfectamente para definir al Sargento. Partió como un álbum conceptual, pero quedó a medio camino. Fue el primer disco en incluir las letras, la portada ya es un clásico (Con Bob Dylan, Marilyn Monroe, Karl Marx, Aleister Crowley, Wilde y Poe entre otros, obviando –claro- a Hitler, Jesucristo y Ghandi, sugeridos por Lennon) una obra de arte de Peter Blake.

Los sonidos rockeros del “Sargent Pepper”, canción que le da nombre al disco, abren el disco y el orgasmo sonoro no termina al encontrarnos con clásicos Como “With a Little Help for my Friends”, “When I’m Sixty Four”, “Lucy in the Sky with Diamonds” y “A Day in The Life”.

A Day in the life, compuesta por Lennon al leer en el diario la muerte de su amigo Tara Browne, es una canción hecha a pedazos cantados de Lennon y McCartney, una instrumentación maravillosa y complicada donde participaron mas de setenta músicos, un oscuro piano acompañado por la habilidad pasmosa de Ringo en la batería y una excelente guitarra. Como ultima canción en el legendario “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” sirve como el resumen de un disco esencial, arriesgado, psicodélico, único en su especie en la vida de quien la haya oído. Una versión nueva salio en el disco beatle recopilatorio Love (2006) con un sonido jamás escuchado 5.1, mejor imposible.

Aprovechando un articulo de Rodrigo Fresan lo voy a convertir en un invitado fantasma para reseñar “A Day in the Life”:

“Esa canción en varias partes que comenzaba con una voz triste (Lennon) era interrumpida por otra voz más inquieta (McCartney), para culminar con un portentoso Apocalipsis sónico (…) Pero nadie discute que es aquí donde se encuentra la suma absoluta y más excelsa de Lennon & McCartney. John y Paul trabajando juntos (con una ayudita de la edición del Daily Mail del 17 de enero de 1967) para conseguir la mejor y más lograda canción en todo el canon beatle: la –después de tantas luces de colores– muy sombría y tan ominosa “A Day in the Life”.

Por supuesto, no demoraron en aparecer los descifradores de mensajes drogadictos en sus versos, pero –suele también ocurrir con las cuestiones más geniales– la explicación era mucho más sencilla y sus responsables dijeron que la canción trataba “de leer el diario” (la parte de Lennon) y de correr para no perder el autobús del colegio (la parte de McCartney). Por supuesto, “A Day in the Life” –cinco minutos y treinta y tres segundos de duración luego de treinta y cuatro horas de estudio– trata de mucho más que eso. Y cualquiera que la escuche por primera, por millonésima o por última vez sabe que, en realidad, se refiere a la inquietante y cierta posibilidad de que toda una vida –“A Life in the Day”?– entre en un solo día. Y que todo eso –que todo lo que te pasó y todo lo puede llegar a ocurrirte– ocurra dentro de una canción, dentro de un disco, dentro de uno.

Cuentan que –para el crescendo orquestal– Lennon le encargó a Martin conseguir “un sonido como el del fin del mundo”. Está claro que Martin no sólo cumplió con el pedido sino que, de paso, le ofreció también el sonido del fin de Los Beatles. Deben haberlo sospechado ahí, queda más que claro ahora: imposible subir más alto que esto. A partir de entonces, a bajar por el largo y sinuoso camino de regreso a casa para dejarlo ser y dejar de ser, oh boy. (Un día en la vida, Por Rodrigo Fresán).

En Audio: The Beatles – A Day in the Life.

A Day In The Life - Un día en la vida

Leí hoy las noticias, madre mía,
sobre un hombre que alcanzó su meta,
y aunque la noticia era bastante triste,
yo me tuve que reir,
vi la fotografía.

Se voló el cerebro en su coche,
no se dio cuenta que el semáforo había cambiado,
una multitud se quedó allí mirando,
habían visto su cara antes.
Nadie estaba seguro de si era alguien del parlamento.

Vi una película hoy, madre mía,
el ejército inglés acababa de ganar la guerra.
Una multitud volvió la cara,
pero yo tuve que mirar
habiendo leido el libro.
Me encantaría excitarte....

Me desperté, me caí de la cama,
arrastré el peine por mi cabeza,
encontré el camino para bajar las escaleras y me bebí el te,
y mirando hacia arriba me di cuenta que llegaba tarde.

Encontré el abrigo y cogí el sombrero,
llegué al autobús en pocos segundos,
encontré el camino de subida por las escaleras y me fumé uno,
y alguién habló y entré en un sueño.

Leí hoy las noticias, madre mía,
cuatro mil agujeros en Blackburn provincia de Lancanshire,
y aunque los agujeros eran bastante pequeños,
tuvieron que contarlos todos,
ahora saben cuantos agujeros son necesarios para llenar el Albert Hall.
Me encantaría excitarte.

En video: The Beatles – A Day in the Life.

The Who: Behind blue eyes - Detrás de unos ojos azules

El cuarteto Británico nos ha regalado himnos generacionales varios, posturas guitarreras únicas y grandes holocaustos instrumentales (Léase Textual) que incluyan baterías destrozadas a patadas, guitarras descuartizadas y micrófonos giratorios. Todo ello parte de las brutales actuaciones que la banda incluía en su repertorio.

Y es que The Who supo ser una esencial banda complementando psicodelia, hard rock con su gran capacidad instrumental, vocal, todo ello integrado a la naciente opera rock conceptual sesentera, de los que ellos se pueden dar el gusto de ser los impulsores, ejemplos como "Tommy" o "Quadrophenia" nos pueden dar mucho material del que hablar. La presencia en el escenario como estrellas de hard rock violentas era un plus que nos regalan, que engrana perfectamente en ese cóctel molotov de sonido y furia.

Who’s Next (1971), quinto álbum de The Who, primero del nuevo decenio, un álbum legendario por ser pionero en el uso de sintetizadores en el rock, que introdujo un sonido más roquero más acorde a la década que comenzaba, era la marca que pretendían en los 70’s. El disco es fundamental con piezas como "Baba O’ Riley", "Won’t Get Fooled Again", "Bargain" o la balada "Behind Blue Eyes".

Behind Blue Eyes, escrita por Pete Townshend, es una triste canción que se soporta en una guitarra acústica y armonías vocales que revienta minutos después en furia roquera, guitarras eléctricas y su incontenible batería, para morir con sus sonidos iniciales.

Como toda gran canción, Behind blue eyes ha sido versionada cantidad de veces, la mas actual, hecha por Limp Bizkit, puede sonar deficiente, monótona e intrascendente, porque a diferencia de muchos covers, Behind blue eyes, ha sido creada para solo para The Who que la un hace poema sonoro.

En Audio: The Who - Behind Blue Eyes.

The Who: Behind blue eyes - Detrás de unos ojos azules

Nadie sabe lo que es
Ser el hombre malo Ser el hombre triste
Detrás de unos ojos azules
Y nadie sabe Lo que es ser odiado
Lo que es estar marchito y decir solo mentiras

Pero mis sueños no son tan vacíos
Como mi conciencia parece estar
Tengo horas, únicamente de soledad
Mi amor es venganza Eso nunca es un regalo

Nadie sabe lo que es Tener estas sensaciones
Como yo, ¡Y te culpo a ti!
Nadie se traga así Su ira
Nada de mi dolor y sufrimiento pueden desvanecerse

Pero mis sueños no son tan vacíos
Como parece ser mi conciencia
Tengo horas, únicamente de soledad
Mi amor es venganza Eso nunca es un regalo

Cuando se cierre mi puño, ábrelo
Antes de que lo use y pierda mi calma
Cuando sonría, cuéntame malas noticias
Antes de que ría y actúe como un loco

Y si trago algo malo
Mete tu dedo en mi garganta
Y si tiemblo, por favor dame una manta
Mantenme caliente, déjame ponerme tu abrigo

Nadie sabe lo que es
Ser el hombre malo, Ser el hombre triste
Detrás de unos ojos azules.

En video (Youtube): The Who - Behind Blue Eyes (Hammersmith Odeon London, 1979).

John Lennon: Working class hero - Héroe de la Clase Trabajadora

"Te dicen que puedes llegar a la cima / pero antes has de aprender a matar sonriendo / si deseas triunfar como los de allá arriba". (Working class hero)

“So I’ll start the revolution from my bed” (John Lennon)

Empezar una revolución desde la cama, lo hizo Lennon en 1970 con un disco demasiado crudo, demasiado introspectivo, demasiado real. Plastic ono band (1970) es el primer disco en solitario de Lennon donde prácticamente desnuda su alma en un intento freudiano de eliminar sus fantasmas vitales, de rebuscarse a si mismo y una brutal muestra de la desnudez humana de una persona que había tocado el éxito con las manos. Aun su sombra Beatle lo persigue y Lennon busca otra cosa, busca una declaración de sus nuevos principios, similares a aquellas brevísimas referencias revolucionarias escondidas en sus canciones de su etapa Beatle o a la mas clara Revolution del White Álbum (1968) Beatlero, que si bien incitaba a la destrucción (Al fin y al cabo, una revolución triunfante no sólo trata de la destrucción de un viejo orden, sino también de la construcción de un orden nuevo), mostraba a un Lennon mas abiertamente político.

El disco esta lleno de joyas memorables que desnudan a Lennon -como la admirable Mother o la sentimental Love- pero entre muchas de ellas un himno reivindicativo a la clase trabajadora, Working class hero, canción que incita a la revolución, letra llena de rabia, que la guitarra acustica y la voz de Lennon la hacen tan sencilla que puede llegar a emocionar.

Working Class Hero, maravillosa canción de aire dylaniano cuya letra es mucho más valiosa desde el punto de vista político que el utópico canto a la bondad de Imagine, musicalmente hermosísima pero de un angelismo ineficaz. En Working Class Hero, muy al contrario, el cantante de Liverpool plasmó a la perfección los males del mundo y ofreció el único remedio que parece posible, la lucha. Por eso, aunque él no fuese de ningún modo un héroe de la clase obrera –a lo sumo se lo podría etiquetar de rebelde útil, el «discurso» de su canción sí que es, sin duda alguna, una pequeña obra maestra de arte revolucionario y, como tal, perdurará junto a otros himnos destinados a unir a las masas contra la opresión.

Aprovechare el apoyo reivindicativo de un Lennon humano -muy humano- identificado con la clase trabajadora –aun siendo un mito -, para hacer la mención al primero de mayo que perpetua la memoria de los trabajadores que fueron detenidos y ajusticiados por manifestarse en Chicago por condiciones de trabajo mas justas y desde entonces la lucha tenaz de la clase trabajadora.

En Audio: John Lennon: Working class hero (Acoustic)

John Lennon: Working class hero - Héroe de la Clase Trabajadora

Ya desde que naces hacen que te sientas pequeño
Porque no te dan tiempo en vez dártelo todo
Hasta que el dolor es tan grande que no sientes nada
Podrías ser un héroe de la clase obrera

Te hacen daño en casa y te pegan en la escuela
Te odian si eres listo y te toman por loco
Hasta que estás tan atontado que no entiendes nada
Podrías ser un héroe de la clase obrera

Después de veinte años de horror y tortura
Se supone que has de elegir un trabajo
Pero ya no puedes funcionar del miedo que tienes
Podrías ser un héroe de la clase obrera

Te drogan con la religión, el sexo y la televisión
Y te crees ingenioso, apolítico y libre
Pero no eres más que un jodido ignorante
Podrías ser un héroe de la clase obrera

Te dicen que puedes llegar a la cima
Pero antes has de aprender a matar sonriendo
Si deseas triunfar como los de allá arriba

Podrías ser un héroe de la clase obrera
Si quieres ser un héroe, sígueme.

Lea También:
Homenaje a John Lennon, héroe de la clase obrera (Rebelión.org).

Oasis: Don't Look Back in Anger - No mires atrás con rencor

(What’s The Story) Morning Glory? (1995) es un disco esencial en la carrera de Oasis, una muestra de que el Definitely Maybe (1994) no había sido cuestión del azar. La influencia Beatle y Lennon que muestra su disco debut sigue presente con una evolución sonora mas pulida logrando armar uno de sus mejores trabajos.

Desde el "Some Might Say" hasta la archiconocida "Wonderwall" pasando por los himnos rockeros "Roll With It" y "Hey Now!" son pocas muestras suficientes para darnos cuenta de que estamos ante un trabajo compacto bastante aceptable, de donde también se desprende el Don’t Look Back in Anger, una balada que necesariamente busca huir de los gruñidos de Liam y encuentra en tareas vocales a Noel.

Que el piano inicial del Don’t Look Back in Anger no los engañe, no es el himno John Lennon, es otra alegoría hecha a manos de los Gallager a uno de sus héroes musicales que no solo están presentes en la música, sino también y mas aun en la letra “So I’ll start the revolution from my bed / Cos you said the brains I had went to my head” (John Lennon).

Mirar adelante y dejar el pasado atrás… So Sally can wait...

En Audio: Oasis - Don’t Look Back in Anger (Live - Familiar to millions 2000)

Oasis: Don’t Look Back in Anger - No mires atrás con rencor

Introdúcete al ojo de tu mente
No sabes que podrías encontrar
Un mejor lugar para jugar
Dirás que nunca habías estado
Y todas la cosas que has visto
Lentamente se desvanecerán

Así que empiezo una revolución desde mi cama
Pues dijiste que los cerebros que tengo fueron a mi cabeza
Sal hacia afuera que el verano está floreciendo
Párate al lado de la chimenea
Quita esa mirada de tu rostro
Nunca vas a quemar mi corazón

Así que Sally puede esperar
Sabe que es tarde mientras estamos caminando
Su alma se escapa
Pero no mires atrás con rencor
Te oí decir

Llévame al lugar donde vas
Donde nadie sabe si es de noche o es de día
Por favor no pongas tu vida en las manos
De una banda de Rock and Roll
Porque se echará a perder

Voy a empezar una revolución desde mi cama
Pues dijiste que los cerebros que tengo fueron a mi cabeza
Sal hacia afuera que el verano está floreciendo
Párate al lado de la chimenea
Quita esa mirada de tu rostro
Nunca vas a quemar mi corazón

Así que Sally puede esperar
Sabe que es tarde mientras ella está caminando
Mi alma se escapa
Pero no mires atrás con rencor
Te oí decir

Así que Sally puede esperar
Sabe que es tarde mientras estamos caminando
Su alma se escapa
Pero no mires atrás con rencor
Te oí decir

Así que Sally puede esperar
Sabe que es tarde mientras ella está caminando
Mi alma se escapa...

Pero no mires atrás con rencor
No mires atrás con rencor
Te oí decir
Al menos no hoy día

En Video: Oasis - Don’t Look Back in Anger (Videoclip)

Bob Dylan: Hurricane – Huracán

“Pistol shots ring out in the barroom night / Enter Patty Valentine from the upper hall. / She sees the bartender in a pool of blood, / Cries out, "My God, they killed them all!" / Here comes the story of the Hurricane, / The man the authorities came to blame / For somethin’ that he never done / Put in a prison cell, / but one time he could-a been / The champion of the world.”

“Desire” (1976) de Bob Dylan, los tiempos son buenos aparentemente (la portada puede ser mentirosa), la esencial “blood on the tracks” (1974) y el resultado de sus presentaciones en vivo “Hard Rain” (1976), la anteceden.

Con “Desire” (parte del testamento vital de una etapa difícil junto con Planet Waves y Blood on the Tracks), Bob Dylan ha vuelto a mutar, aunque permanece fiel a sus mitos poéticos más personales y acendrados, disco plagado de melodías suaves, mitos, amor y desamor al estilo Dylan y una materia que había dejado desierta hace 11 años, la canción de protesta que viene de la mano de “Hurricane” primer corte del álbum. Hurricane, canción de ocho minutos y medio, puede ser el guión de una película, un poema, una apología, o una crónica de una maldita iniquidad, Dylan, con la necesidad de volver a denunciar injusticias, decide hacerla canción. Ocho minutos parece demasiado para una canción, pero venida de Dylan, su combinación poética, narrativa, su voz desgarrada y su guitarra, los minutos se hacen escasos al escuchar formidable canción.

Pero Hurricane no es solo una buena canción, no es un simple primer corte, Dylan cuenta una historia real en un tiempo donde el racismo y la injusticia social era el pan del día de la sociedad norteamericana, por eso tuvo que volver a escribir y componer como hace 11 años atrás. La canción se basa en la historia real del boxeador negro Rubin “Hurricane” Carter, que paso en la cárcel 19 años acusado por un crimen que nunca cometió, justo antes de pelear por el titulo mundial. Dylan protesta ante una cruel injusticia, el violín de Scarlett Rivera lo acompaña haciendo su viaje personal, la guitarra de Clapton limpia como siempre…

Pero si a Dylan no lo coverean Dylan no seria Dylan y si no pongo algún cover de Dylan este blog seria como cualquier otro blog. En 1984 la hermana (triste reconocimiento) de Miguel Cantilo, María José Cantilo con su estilo folk-acústico edita un trabajo solista, en el que cuenta con la participación de: Leon Gieco, David Lebón, Fernando Lupano y Daniel Colombres entre otros. Siendo cruel diré que para hacerse de fama coverea a Dylan y “Hurricane” en una versión traducida al español (argentino) “El Huracán” y años después – ¿justicia poética?-, como diría alguien, marcha presa por tráfico de drogas.

Dijo Jacques Levy: “Bob no estaba muy seguro de poder volver a escribir una canción así. No había quedado satisfecho con George Jackson, su primer y efímero retorno a la canción de protesta en 1971... Entonces le sugerí que lo pensara todo en términos cinematográficos: escribirla como si se tratara de indicaciones de cámara en el guión de una película. Se oyen disparos de pistolas en la noche de un bar... Entra Patty Valentine... Aquí viene la historia de Hurricane... Títulos…

Audio 1: Bob Dylan – Hurricane.

Audio 2: Maria José Cantilo - El Huracán (versión en español “Hurricane”, Bob Dylan).

Bob Dylan: Hurricane – Huracán

Disparos resuenan de noche en el bar
Llega Patty Valentine por la puerta de atrás
Ve al encargado en un charco de sangre
Grita; “Dios mío, los han matado a todos”
Esta es la historia de Huracán.
El hombre al que las autoridades culparon
De algo que nunca hizo
Lo pusieron en una celda,
pero él pudo haber sido el campeón mundial.

Tres cuerpos allí tirados Patty ve
Y a otro hombre llamado Bello, andando por allí misteriosamente
“yo no lo hice”, dice él y levanta las manos
“estaba solamente robando la caja, espero que me comprendan
los vi irse” dice, y se detiene
“uno de nosotros ha de llamar a la poli"
Patty los llama y entran en escena los policías
con sus luces rojas centelleando
en la caliente noche de New Jersey.

Mientras tanto, muy lejos, en otra parte de la ciudad
Rubin Carter y un par de amigos van conduciendo por allí
El contendiente número uno para la corona de los pesos medios
No tenía ni idea de la clase de mierda que le iba a caer
Cuando un poli lo empujó a un lado del camino
Como la vez anterior y la vez anterior a esa
En Paterson así es como son las cosas
Si eres negro es mejor que no salgas a la calle
A menos que quieras conseguir problemas.

Alfred Bello tenía un socio y también tenía culpables para la policía
Él y Arthur Dexter Bradley habían salido para merodear
Dijo: “Vi a dos hombres huyendo, parecían pesos medios
Saltaron a un auto blanco con matrícula de otro estado”
Y la Srta. Patty Valentine simplemente asintió
El poli dijo: “Esperen un momento muchachos, este todavía no está muerto”
Así que lo llevaron al hospital
Y aunque este hombre apenas podía ver
Le dijeron que él podía identificar a los culpables.

Cuatro de la mañana y traen arrastrando a Rubin
Lo traen al hospital y lo llevan escaleras arriba
El hombre herido lo mira a través de su ojo moribundo
Dice: “¿Para qué lo traen?, este no es el tipo”
Sí, esta es la historia de Huracán
El hombre al que las autoridades culparon
De algo que nunca hizo
Lo pusieron en una celda,
pero él pudo haber sido el campeón mundial.

Cuatro meses después, los ghettos están ardiendo
Rubin está en Sudamérica, peleando por su nombre
Mientras Arthur Dexter Bradley todavía sigue cometiendo robos
Y la policía le está apretando, buscan a alguien a quién culpar
“¿Recuerdas aquél asesinato en el bar?”
“¿Recuerdas que dijiste haber visto el coche en la huída?”
“¿Te gustaría colaborar con la ley?”
“¿Crees que pudo haber sido aquél boxeador el que viste huir aquella noche?”
“No olvides que eres blanco”

Arthur Dexter Bradley dijo: “Realmente no estoy seguro”
“Los polis dijeron: “A un pobre chico como tu le vendría muy bien una oportunidad”
Te tenemos por el trabajo del Motel y estamos hablando con tu amigo Bello
No querrás volver a la cárcel, así que sé buen chico
Le harás un favor a la sociedad
El hijo de puta es cada vez más orgulloso y se cree revolucionario
Queremos patearle el culo
Queremos clavarle este triple asesinato a él
El no es James “Gentleman Jim” Corbett.

Rubin podía nokear a un hombre con un solo golpe
Pero a él no le gustó hablar mucho de eso
“Es mi trabajo”, decía, “y lo hago por dinero
Y en cuanto termino me pongo en marcha a un paraíso
Donde fluye la corriente y las truchas y el aire es delicioso
Y doy un paseo a caballo por el campo”
Pero entonces lo llevaron a la cárcel
Donde intentan trasformar un hombre en un ratón.

Todas las cartas de Rubin estaban marcadas de antemano
El juicio fue un circo de cerdos, él nunca tuvo una oportunidad
El juez hizo aparecer a los testigos de Rubin como borrachines de los bajos fondos
Para la gente blanca que miraba él era un vago revolucionario
Y para la gente de color él era solamente un negro loco
Nadie dudó de que él había apretado el gatillo
Y aunque no pudieron presentar el arma
El Fiscal del distrito dijo que él era el autor
Y el jurado de blancos estuvo de acuerdo.

Rubin Carter fue falsamente enjuiciado
El crimen fue asesinato en primer grado, ¿adivinan quién testificó?
Bello y Bradley y los dos mintieron.
Y los periódicos, siguieron todos la corriente
¿Cómo puede la vida de un hombre como ese
estar en la palma de la mano de algún truhán?
Verlo tan obviamente entrampado
no puedo evitar avergonzarme
de vivir en un país donde la justicia es un juego.

Ahora todos los criminales con sus trajes y corbatas
Están libres para beber martinis y mirar el amanecer
Mientras Rubin se sienta como Buda en una celda de diez pies
Un hombre inocente en un infierno viviente
Esa es la historia de Huracán
Pero no terminará hasta que limpien su nombre
Y le devuelvan el tiempo que ha cumplido
Lo pusieron en una celda, pero una vez pudo haber sido
El campeón mundial.

Antes de la canción la historia fue libro “The Sixteenth Round” escrita por el mismo Rubin Carter y ayudado del “Hurricane” de Dylan, Norman Jewison la hizo película "The Hurricane" (1999) protagonizada por Denzel Washington. En Youtube recorre una versión de la canción con imágenes de la película y subtítulos en ingles y español, junto con un par de videos de presentaciones en vivo de Bob Dylan y un sitio a manera de blog: Hurricane Carter (The other side of the story).

Iggy Pop: The Passenger – El Pasajero

"La única forma de conseguir la libertad interior es la libertad exterior " Jim Morrison.

"... I am the passenger / and I ride and I ride / I ride through the city’s backsides / I see the stars come out of the sky / Yeah the bright and hollow sky / You know it looks so good tonight..." Iggy Pop.

Aún con el boleto del viaje en mano y saliendo del ecléctico recorrido sonoro del “Buy the ticket, take the ride” guiado por los Rodríguez, debo retrotraerme, mirar el retrovisor y volver a escuchar aquella joya arrebatadora del padrino del punk.

Con The Stooges, Iggy Pop ya había demostrado una vitalidad que coloca las bases del rock duro y le da actitud punk. Una canción como Search And Destroy del álbum Raw Power (1973) -producido y mezclado por David Bowie- resulta prueba fehaciente de esa postura. Musicalmente 1973 es una gran etapa de los Stooges y de su frontman, pero el abuso de las drogas marcaría a finales del año el epilogo de la corta pero esencial carrera como banda.

En 1977, ya recuperado de sus profusiones narcóticas, la nueva etapa de Iggy en solitario comienza de mano con su amigo David Bowie, una brutal mancuerna “Iguana-Duque Blanco” que graba dos de sus mejores álbumes en solitario en Berlín, “Idiot” y “Lust for life” (marzo y septiembre de 1977 respectivamente).

The Passenger, del segundo álbum, inspirado –dicen- en un poema del rey lagarto (Jim Morrison) que comparaba la vida moderna con un viaje en automóvil. Iggy Pop se inspira y con la colaboración de Bowie, en la música, nos entregan esa eterna lacónica melodía con un coro interminable que nos trasporta en un viaje hipotónico intrínseco por la carretera y la vida.

En audio 1: Iggy Pop & David Bowie - The Passenger.

En Audio 2: Siouxsie and the Banshees - The Passenger (Cover).

Iggy Pop: The Passenger – El Pasajero

Yo soy el pasajero,
y cabalgo y cabalgo,
cabalgo a través de la oscuridad de la ciudad.
Veo las estrellas saliendo del cielo,
si, ellas brillan en un cielo despejado.
Tu sabes que eso es muy bonito de noche.

Yo soy el pasajero,
Estoy tras del cristal,
Y veo a través de mi ventana tan brillante,
veo las estrellas saliendo esta noche,
veo el brillo en el cielo despejado.
Encima de la ciudad hay una rasgadura en el cielo.
Y todo parece bien esta noche.
Cantando: "la la la la-la-la la"
"la la la la la-la-la la"
"la la la la la-la-la la la-la"

Dentro del coche,
nosotros podemos ser el pasajero,
podemos cabalgar a través de la ciudad esta noche,
ver el desgarro de la ciudad por dentro.
Podemos ver el brillo en el cielo despejado.
Podemos ver las estrellas que brillan luminosamente.
El cielo esta hecho para nosotros esta noche.

Oh, el pasajero,
como cabalga.
Oh, el pasajero,
él cabalga y cabalga,
él mira a través de la ventana.
¿Que es lo que el ve?
Él ve el brillo en el cielo despejado,
él ve las estrellas saliendo esta noche,
él ve el desgarro en la oscuridad de la ciudad,
él ve viento sobre el océano.
Y todo fue hecho para ti y para mí.
Todo aquello fue hecho para ti y para mí.
Porque eso nos pertenece a ti y a mi,
Así que vayamos a cabalgar y ver que es mió.
Cantando...

Oh, el pasajero,
él cabalga y cabalga,
él ve cosas debajo del cristal,
él mira a través del ojo de la ventana,
él ve cosas que sabe que le pertenecen,
él ve el brillo y el cielo vació,
él ve la ciudad no dormir de noche,
él ve que las estrellas están fuera esta noche.
Y todo aquello es tuyo y mió.
Y todo aquello es tuyo y mió.
Oh vamos a cabalgar y cabalgar y cabalgar y cabalgar,
cantando...

En video : Iggy Pop - The Passenger en Manchester Apollo (Octubre, 1977).

Descargar: Iggy Pop – Lust for life (Rapidshare.com).

The Beatles: Strawberry Fields Forever - Campos de fresas

El magistral Lennon.

“Living is easy with eyes closed / Misunderstanding all you see / It’s getting hard to be someone / But it all works out / It doesn’t matter much to me.” Strawberry Fields Forever (John Lennon)

Disco infravalorado en algunos círculos que aun no se recuperaban del shock que produjo el sonido del “sargento pimiento”. Con una portada que jamás debió existir por el mal gusto y que solo incita a la leyenda urbana de un Paul Mc Cartney muerto, Magical Mystery Tour (1967), creada inicialmente como proyecto cinematográfico, se volvió disco homónimo para complementar el proyecto fílmico ideado por Mc Cartney. El álbum musicalmente es una obra impresionante que se sostiene en todas sus aristas con Lennon en una gran etapa emotiva que aporta al disco grandes temas como “I am the walrus” y “Strawberry Fields Forever” que unida al “Penny Lane” de Paul, hacen del disco una obra magistral imprescindible, complemento ideal al Sgt. Pepper del mismo año.

Strawberry Fields Forever -quizás sea el himno infantil Lennon predecesora al himno adulto Imagine- es una auténtica obra maestra de la música moderna, tanto lírica como musicalmente. Por un lado, en el plano de las letras, combina nostalgia, surrealismo y filosofía; y por otro, en el plano de la música, deja que se mezclen música rock, psicodélica, clásica e india en total armonía.

Dicen que al escuchar a los Beatles puedes subirte a una maquina del tiempo y volver a donde desees, es de seguro una realidad para muchos que crecimos adorando el canon beatlesco en su conjunto no tuvimos oportunidad de apreciarlo en su momento, pero con el correr de los años aprendimos a discriminar, y comprendimos que existían canciones beatles para cada edad y cada etapa de la vida. Esta es una de ellas una canción Beatle adulta añorando el mundo infantil que nos gustaría recuperar.

En Audio: The Beatles: Strawberry Fields Forever.

The Beatles: Strawberry Fields Forever - Campos de fresas para siempre

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Es fácil vivir con los ojos cerrados
Sin comprender nada de lo que ves
Resulta difícil ser alguien
Pero todo sale bien
A mí no me importa demasiado

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Creo que no hay nadie en mi árbol
O sea que debe de ser alto o bajo
Para que no puedas sintonizar
Pero está bien
Es decir, creo que no está del todo mal

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre

Siempre, no a veces, creo que soy yo
Pero sé cuando es un sueño
Creo que sé cuando quiero decir " sí"
Pero es totalmente falso
Es decir, no creo estar de acuerdo

Déjame llevarte
Porque voy a los Campos de Fresas
Nada es real
Y no hay nada por lo que preocuparse
Campos de Fresas para siempre.

En Video (YouTube): The Beatles: Strawberry Fields Forever.

El video clip, Strawberry Fields Forever, que constituye un interesante documento de gran valor cinematográfico, en el cual se utilizan diversas técnicas algo avanzadas para el cine de la época, tales como la reproducción de vídeo al revés, el salto entre una escena de día y la misma escena de noche, y otras muchas. Las imágenes de los cuatro Beatles tocando sus respectivos instrumentos fueron grabadas el día 30 de enero de 1967 en el Knole Park en Sevenoaks. Precisamente mientras era grabado este video clip —y también el de Penny Lane, que fue grabado por la misma zona— John Lennon encontró el cartel de una actuación de circo que le sirvió para componer su canción publicada poco tiempo después, en junio de 1967, en el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, titulada Being for the Benefit of Mr. Kite!. El video clip fue seleccionado por el Modern Museum of Art como uno de los vídeos musicales más influyentes de los sesenta tardíos.

Lea También:
The Beatles: Hey, Jude.
I Buried Paul: Magical Mystery Tour.
Strawberry Fields Forever (Wikipedia).