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Bob Dylan: Discurso de aceptación del Nobel de Literatura completo en español

Cuando recibí el premio Nobel a la Literatura, tuve que preguntarme: ¿Cómo mis canciones están relacionadas con la Literatura?, quería reflexionar en eso y ver cuál es la conexión, y trataré de articularlo con ustedes y espero que lo que diga sirva a todos y tenga propósito.

Si tuviera que regresar en el tiempo, tendría que comenzar por Buddy Holly; Buddy murió cuando tenía 18 años, y él 22. Desde el primer momento que lo escuché me sentí conectado, relacionado, como si fuera mi hermano mayor. Buddy escribió la música que amaba, la música con la que crecí: Country Western, Rock and Roll y Rythm and Blues; tres distintas ramas musicales que fusionó para crear un nuevo género, una marca. Y Buddy escribió canciones, canciones con hermosas melodías e imaginativos versos; y cantaba increíble, cantaba con más de una voz, era el arquetipo de todo lo que quería ser. Lo vi una vez, días antes de que partiera, tuve que viajar cientos de kilómetros para verlo tocar y no me decepcionó, era poderoso y electrificante, con una presencia absoluta… estaba a unos metros de él, era hipnotizante, veía su cara, sus manos, la manera en la que movía el pie, sus lentes negros y grandes, los ojos detrás de esos lentos; la manera en la que se aferraba a su guitarra, la manera en la que se paraba, su traje sastre; todos sus detalles, se veía mayor de 22… algo tenía que lo hacía ver permanente… y me lleno de convicción. Después, de la nada, algo raro pasó… Me miró directamente a los ojos y me transmitió algo, algo que no sé qué… y me provocó escalofríos.

Creo que fue uno o dos días después de esto, que su avión se vino abajo, y alguien, alguien que nunca en mi vida había visto, me regaló un disco de Leadbelly con la canción “Cotton Fields”. Ese disco me cambió la vida de inmediato, me transportó a un mundo que jamás conocí; era como una explosión, como si hubiera estado caminando en la oscuridad, y de repente toda esa oscuridad era iluminada, como si me hubieran liberado… He de haber reproducido este disco cientos de veces… era de una disquera que jamás había escuchado, dentro de él, un folleto con otros artistas de la disquera Sunny Terry y los Brothers McGee, the New Law City Ramblers, Gene Richie, The String Bands, artistas que jamás había escuchado tampoco. Y pensé, “si pertenecen a esta disquera con Leadbelly, deben ser buenos”; los escuché todos y quería saber todo de ellos y tocar ese tipo de música.

Todavía tenía sentimientos por la música con la que crecí, pero en ese momento la había olvidado, ni siquiera pensaba en ella, en ese momento ya se había ido…

Aún no me iba de casa, pero no podía esperar a irme, quería aprender a hacer esa música estilo Leadbelly y conocer a la gente que la tocaba… Eventualmente me fui, y aprendí a tocar esas canciones, eran totalmente diferentes a las canciones que había estado escuchando en la radio, eran más vibrantes y anhelaban a la vida; con las canciones de la radio el músico podía tener un éxito rodando los dados o jugando a las cartas… Pero eso no importaba en el mundo del Folk, todas las canciones eran exitosas, solo tenías que saber el verso y poder tocar la melodía. Algunas canciones eran fáciles, otras no tanto, había un sentimiento natural por las baladas clásicas y el Country Blues, pero todo lo demás tenías que empezarlo de nada.

Estaba tocando para públicos pequeños, a veces no más de cuatro o cinco personas en el cuarto o en la esquina de la calle… debías de tener un amplio repertorio y saber qué y cuándo tocarlas, algunas eran íntimas, otras, tenías que gritarlas para que se escucharan. Pero haber escuchado a todos los artistas del folk del pasado y cantando sus canciones, tomabas unos binoculares, los interiorizabas, work songs, apelaciones a baladas, y a cowboy songs… escuchabas todos los puntos de las canciones y te aprendías los detalles, sabías todo lo que se tenía que saber, sacar la pistola y volver a guardarla; evadir el tráfico, hablar en la oscuridad. Sabes que Stagger Lee era un maleante y que Frankie era una buena chica. Sabes que Washington es una ciudad burguesa y que has oído la voz profunda de Juan el Revelador; que viste al Titanic hundirse en un arroyo pantanoso y son amigos con el salvaje vagabundo irlandés y el salvaje muchacho colonial. Oíste los tambores amortiguados y los pífanos que jugaban humildemente; vise al lujurioso Lord Donald acuchillar a su esposa y muchos de sus camaradas han sido envueltos en lino blanco.

Cuando empecé a escribir mis canciones el “folk lingo” era el único vocabulario que me sabía, y lo usé. Pero también tenía otras cosas, los principios y las sensibilidades gramáticas que hace mucho no usaba y que aprendí en la escuela: Don Quijote, Ivanhoe, Robinson Crusoe, Gulliver’s Travels, Tales of Two Cities, lecturas típicas de las clases de gramática que te hacen ver el mundo de una forma en particular, un entendimiento de la naturaleza del hombre… Tomé todo esto cuando empecé a componer mis letras y los temas de estos libros encontraron su camino en mis canciones sin saberlo y sin intención… Quería escribir canciones que nadie jamás había escuchado, y estos temas eran fundamentales, libros específicos que se quedaron conmigo desde la escuela. Les voy a contar de tres de ellos: Moby Dick, All Quiet on the Western Front y La Odisea.

Moby Dick es un libro fascinante, un libro que está lleno de escenas de alto drama y diálogo dramático. El libro te exige. La trama es sencilla. El misterioso Capitán Ahab – capitán de un barco llamado el Pequod – un egomaníaco con pata de palo que persigue a su némesis, la gran ballena blanca Moby Dick que “robó” su pierna. Lo persigue todo el camino desde el Atlántico, alrededor de la punta de África y en el Océano Índico. Él persigue a la ballena alrededor de ambos lados de la tierra. Es un objetivo abstracto, nada concreto o definido. Él llama  a Moby, “el emperador”, lo ve como la encarnación del mal. Ahab tiene una esposa y un hijo en Nantucket que recuerda de vez en cuando, y como lector puedes anticipar lo que sucederá.

La tripulación del buque está formada por hombres de diferentes razas, y cualquiera de ellos que vea a la ballena recibirá la recompensa de una moneda de oro; Hay una gran cantidad de símbolos del zodíaco, la alegoría religiosa, los estereotipos… Ahab se encuentra con otros barcos balleneros, presiona a los capitanes para obtener detalles sobre Moby. ¿Han visto a la ballena? Hay un profeta loco, Gabriel, en uno de los buques, él predice el castigo de Ahab. Moby es el encarnado de un dios antiguo, y que cualquier trato con él conducirá al desastre. Dice eso al capitán Ahab. Otro capitán del buque, el Capitán Boomer, perdió un brazo contra Moby. Pero él tolera eso, y está feliz de haber sobrevivido. No puede aceptar el deseo de venganza de Ahab.

Este libro cuenta cómo los diferentes hombres reaccionan de diferentes maneras a la misma experiencia. Mucho Antiguo Testamento, alegoría bíblica: Gabriel, Raquel, Jeroboam, Bildah, Elijah. Nombres paganos también: Tashtego, Frasco, Daggoo, Fleece, Starbuck, Stubb, Martha’s Vineyard. Los paganos son adoradores de ídolos. Algunos adoran pequeñas figuras de cera, algunas figuras de madera. Algunos adoran el fuego. El Pequod es el nombre de una tribu india.

Moby Dick

Moby Dick es un cuento marinero. Uno de los hombres, el narrador, dice: “Llámame Ismael”. Alguien le pregunta de dónde viene, y él dice: “No está en ningún mapa, los lugares verdaderos nunca lo son”. Stubb no da importancia a nada, dice que todo está predestinado. Ismael ha estado en un velero toda su vida. Llama a los veleros su Harvard y Yale. Mantiene su distancia de la gente.

Un tifón golpea al Pequod. El capitán Ahab piensa que es un buen presagio. Starbuck piensa que es un mal presagio, considera matar a Ahab. Tan pronto como la tormenta termina, un miembro de la tripulación cae del mástil del barco y se ahoga, prefigurando lo que está por venir. Un sacerdote pacifista cuáquero, que en realidad es un hombre de negocios sanguinario, le dice a Flask: “Algunos hombres que reciben lesiones son llevados a Dios, otros son llevados a la amargura.”

Todo está mezclado. Todos los mitos: la Biblia judeo-cristiana, los mitos hindúes, las leyendas británicas, San Jorge, Perseo, Hércules, todos ellos son balleneros. La mitología griega, el negocio sangriento de cortar una ballena. Muchos hechos en este libro, conocimientos geográficos, aceite de ballena – bueno para la coronación de la realeza – familias nobles en la industria ballenera. El aceite de ballena se usa para ungir a los reyes. Historia de la ballena, frenología, filosofía clásica, teorías pseudocientíficas, justificación de la discriminación – todo arrojado y nada prácticamente racional. Ilustres, persiguiendo la ilusión, persiguiendo la muerte, la gran ballena blanca, blanco como el oso polar, blanco como un hombre blanco, el emperador, el némesis, la encarnación del mal. El capitán demente que en realidad perdió su pierna hace años tratando de atacar a Moby con un cuchillo.

Sólo vemos la superficie de las cosas. Podemos interpretar lo que está debajo de cualquier forma que creamos conveniente. Los tripulantes caminan en la cubierta escuchando las sirenas, y los tiburones y los buitres siguen la nave. Lectura de cráneos y caras como cuando se lee un libro. Aquí hay una cara. Lo pondré delante de ti. Léelo si puedes.

Tashtego dice que murió y renació. Sus días extra son un regalo. No fue salvado por Cristo, sin embargo, dice que fue salvo por un compañero y un no cristiano en eso. Parodia la resurrección.

Cuando Starbuck le dice a Ahab que debe dejar pasar lo pasado, el capitán enojado le responde: “No me hables de blasfemia, hombre, golpearía el sol si me insultaba”. Ahab, también, es un poeta de la elocuencia. Él dice: “El camino hacia mi propósito fijo está puesto con rieles de hierro sobre los cuales mi alma está ranurada para correr”. O estas líneas, “Todos los objetos visibles son mascaras de cartón”. Frases poéticas que no pueden ser vencidas.

Finalmente, Ahab ve a Moby y los arpones salen. Los barcos se bajan. El arpón de Acab ha sido bautizado en sangre. Moby ataca el barco de Ahab y lo destruye. Al día siguiente, vuelve a ver a Moby. Los barcos se bajan de nuevo. Moby ataca de nuevo el barco de Ahab. Al tercer día, otro barco entra. Más alegoría religiosa. Se ha levantado. Moby ataca una vez más, golpeando al Pequod y hundiéndolo. Ahab se enreda en las líneas de arpón y es lanzado de su barco en una tumba acuosa.

Ismael sobrevive. Está en el mar flotando en un ataúd. Y eso es todo. Esa es toda la historia. Ese tema y todo lo que implica implicaría su camino en más de algunas de mis canciones.

Moby Dick

All Quiet on Western Front es otro libro que lo hizo. All Quiet on Western Front es una historia de horror. Este es un libro donde pierdes tu infancia, tu fe en un mundo significativo, y tu preocupación por los individuos. Estás atrapado en una pesadilla. Sumergido en un misterioso remolino de muerte y dolor. Te estás defendiendo de la eliminación. Estás siendo borrado de la faz del mapa. Había una vez un joven inocente con grandes sueños de ser pianista de conciertos. Una vez que amabas la vida y el mundo… ahora estás disparando a pedazos.

Día tras día, las avispas te muerden y los gusanos recorren tu sangre. Eres un animal acorralado. No encajas en ninguna parte. La lluvia que cae es monótona. Hay interminables asaltos, gas venenoso, gas nervioso, morfina, corrientes ardientes de gasolina, barrido y escabechado de alimentos, gripe, tifus, disentería. La vida se está derrumbando a tu alrededor, y las conchas están silbando. Esta es la región inferior del infierno. Barro, alambre de púas, trincheras llenas de ratas, ratas comiendo intestinos de hombres muertos, trincheras llenas de suciedad y excrementos. Alguien grita: “Oye, tú, ponte de pie y pelea”. 

¿Quién sabe cuánto tiempo pasará este lío? La guerra no tiene límites. Estás siendo aniquilado, y esa pierna está sangrando demasiado. Ayer mataste a un hombre y hablabas con su cadáver. Le dijiste que después de que esto haya terminado, pasarás el resto de tu vida cuidando a su familia. ¿Quién se beneficia aquí? Los líderes y los generales ganan fama, y ​​muchos otros se benefician financieramente. Pero estás haciendo el trabajo sucio. Uno de sus compañeros dice: “Espera un minuto, ¿a dónde vas?” Y tú dices: “Déjame en paz, volveré en un minuto”. Entonces caminas hacia fuera, en los bosques de la caza de la muerte para un pedazo de salchicha. No se puede ver cómo nadie en la vida civil tiene ningún tipo de propósito en absoluto. Todas sus preocupaciones, todos sus deseos – no puedes comprenderlo.

Más ametralladoras sonajeras, más partes de cuerpos que cuelgan de los alambres, más piezas de brazos y piernas y cráneos donde las mariposas se posan en los dientes, heridas más espantosas, pus saliendo de cada poro, heridas de pulmón, heridas demasiado grandes para el cuerpo, Soplando cadáveres y cuerpos muertos haciendo ruidos de vómito. La muerte está en todas partes. Nada más es posible. Alguien te matará y usará tu cadáver para practicar el objetivo. Botas, también. Son su preciada posesión. Pero pronto estarán en los pies de otra persona.

Hay Froggies que atraviesan los árboles. bastardos despiadados. Tus cáscaras se están acabando. “No es justo que nos volvamos a ver tan pronto”, usted dice. Uno de tus compañeros está tendido en la tierra, y quieres llevarlo al hospital de campaña. Alguien más dice: “Podrías salvarte un viaje”. “¿Qué quieres decir?” -Vuelve, verás lo que quiero decir. 

Espera a oír las noticias. No entiendes por qué la guerra no ha terminado. El ejército está tan atado a las tropas de reemplazo que están redactando a muchachos que son de poco uso militar, pero ellos los están esbozando de todos modos porque se están quedando sin hombres. La enfermedad y la humillación han roto tu corazón. Fuiste traicionado por tus padres, tus maestros de escuela, tus ministros, e incluso tu propio gobierno.

El general con el cigarro lentamente fumado te traicionó también – te convirtió en un matón y un asesino. Si pudieras, le pondrías una bala en la cara. El comandante también. Fantaseas que si usted tenía el dinero, pondrías una recompensa para cualquier hombre que tomaría su vida por cualquier medio necesario. Y si él pierde su vida haciendo eso, entonces deja el dinero ir a sus herederos. El coronel también, con su caviar y su café, es otro. Pasa todo su tiempo en el burdel de los oficiales. También te gustaría verlo muerto. Más Tommies y Johnnies con su golpe de “mi papᔠy su whisky en los frascos. Matarás a veinte de ellos y otros veinte saldrán en su lugar. Simplemente apesta en las fosas nasales.

Has llegado a despreciar a esa generación más vieja que te envió a esta locura, a esta cámara de tortura. A tu alrededor, tus compañeros están muriendo. Muriendo de heridas abdominales, amputaciones dobles, caderas destrozadas, y piensas: “Tengo sólo veinte años, pero soy capaz de matar a cualquiera, incluso a mi padre si se me acerca”.

Ayer, trataste de salvar a un perro mensajero herido, y alguien gritó: “No seas tonto”. Un Froggy está dando gargote a sus pies. Le pegaste con una daga en el estómago, pero el hombre todavía vive. Sabes que deberías terminar el trabajo, pero no puedes. Estás en la verdadera cruz de hierro, y un soldado romano está poniendo una esponja de vinagre en tus labios.

Los meses pasan. Te vas a casa en licencia. No puedes comunicarte con tu padre. Él dijo: “Serías un cobarde si no te enlistas”. Tu madre, también, al salir de la puerta, dice: “Ahora ten cuidado con las chicas francesas”. Más locura. Usted lucha por una semana o un mes, y usted gana diez yardas. Y luego el próximo mes lo llevan de vuelta.

Toda esa cultura de hace mil años, esa filosofía, esa sabiduría -Platón, Aristóteles, Sócrates- ¿Que le paso a eso? Debe haber evitado esto. Sus pensamientos vuelven a casa. Y una vez más eres un colegial que camina entre los altos álamos. Es un recuerdo agradable. Más bombas cayendo sobre ti desde dirigibles. Tienes que hacerlo ahora. Ni siquiera se puede mirar a nadie por miedo a algo mal calculable que podría suceder. La tumba común. No hay otras posibilidades. A continuación, usted nota las flores de cerezo, y usted ve que la naturaleza no se ve afectada por todo esto. Los árboles de álamo, las mariposas rojas, la belleza frágil de las flores, el sol – se ve cómo la naturaleza es indiferente a todo. Toda la violencia y el sufrimiento de toda la humanidad. La naturaleza ni siquiera se da cuenta. Estás tan solo. Entonces un pedazo de metralla golpea el lado de tu cabeza y estás muerto. Has sido descartado, tachado. Has sido exterminado. Dejé este libro y lo cerré. Nunca quise leer otra novela de la guerra otra vez, y nunca lo hice. Charlie Poole de Carolina del Norte tenía una canción que conectara con todo el esto. Se llama “You Ain’t Talkin’ to Me”, y las letras son así:

Vi un cartel en una ventana caminando por la ciudad un día. Únete al ejército, ver el mundo es lo que tenía que decir. Verás lugares emocionantes con una tripulación alegre, conocerás gente interesante y aprenderás a matarlos también. Oh, no me estás hablando, no me estás hablando. Puedo estar loco y todo eso, Pero tengo buen sentido que veas. No me estás hablando, no me estás hablando. Matar con una pistola no suena divertido. No me estás hablando.

La Odisea es un gran libro cuyos temas han entrado en las baladas de muchos compositores: “Homeward Bound, “Green, Green Grass of Home, “Home on the Range, y mis canciones también.

La Odisea es una historia extraña y aventurera de un hombre adulto tratando de llegar a casa después de luchar en una guerra. Está en ese largo viaje a casa, y está lleno de trampas y caidas. Está maldito para vagar. Siempre es llevado al mar, siempre teniendo llamadas cercanas. Grandes trozos de rocas hacen oscilar su bote. Él enoja a la gente que no debería. Hay gente problemática en su equipo. Traición. Sus hombres se convierten en cerdos y luego se convierten en hombres más jóvenes y más guapos. Siempre está tratando de rescatar a alguien. Es un hombre viajero, pero está haciendo muchas paradas.

Está atrapado en una isla desierta. Encuentra cuevas desiertas y se esconde en ellas. Se encuentra con gigantes que dicen: “Te comeré de último”. Y se escapa de los gigantes. Está tratando de regresar a casa, pero es lanzado y girado por los vientos. Vientos intranquilos, vientos fríos, vientos hostiles. Él viaja lejos, y entonces él consigue ser soplado de vuelta.

Siempre está siendo advertido de las cosas por venir. Tocando cosas que le dijeron que no lo hiciera. Hay dos caminos por recorrer, y ambos son malos. Ambos peligrosos. En uno se podía ahogar y por el otro se podía morir de hambre. Él entra en los estrechos con espumosos remolinos que lo tragan. Se reúne con monstruos de seis cabezas con colmillos afilados. Los rayos lo atacan. Ramas sobresalientes que él salta para salvarse de un río furioso. Diosas y dioses lo protegen, pero otros quieren matarlo. Cambia identidades. Está agotado. Se duerme y se despierta por el sonido de la risa. Él cuenta su historia a extraños. Ha pasado veinte años. Lo llevaron a algún lugar y se quedó solo ahí. Las drogas se han dejado caer en su vino. Ha sido un camino duro para viajar.

La Odisea

De muchas maneras, algunas de estas mismas cosas te han pasado a ti. Tu también has tenido drogas en tu vino. Tú también has compartido una cama con la mujer equivocada. Tú también has sido hechizado por voces mágicas, voces dulces con melodías extrañas. Tú también has llegado tan lejos y te han soplado de regreso. Y también has tenido llamadas cercanas. Tu has enojado a la gente que no deberías. Y también has divagado este país por todo alrededor. Y también has sentido ese viento enfermo, el viento que no te trae nada bueno. Y eso no es todo.

Cuando vuelve a casa, las cosas no son mejores. Los sinvergüenzas se han mudado y están aprovechando la hospitalidad de su esposa. Y hay demasiados. Y aunque es más grande que todos y el mejor en todo – mejor carpintero, mejor cazador, mejor experto en animales, mejor marinero – su valor no lo salvará, pero sus trucos lo harán.

Todos estos rezagados tendrán que pagar por profanar su palacio. Se disfrazará como un mendigo sucio, y un humilde criado le da patadas por los escalones con arrogancia y estupidez. La arrogancia del siervo le revuelve, pero él controla su ira. Él es uno contra cien, pero todos caerán, incluso los más fuertes. No era nadie. Y cuando todo está dicho y hecho, cuando él finalmente está en casa, él se sienta con su esposa y le cuenta las historias.

Entonces, ¿qué significa todo ésto? Yo y muchos otros compositores han sido influenciados por estos mismos temas. Y pueden significar muchas cosas diferentes. Si una canción te mueve, eso es todo lo que importa. No tengo que saber lo que significa una canción. He escrito todo tipo de cosas en mis canciones. Y no voy a preocuparme por eso, lo que significa todo. Cuando Melville puso todo su antiguo testamento, referencias bíblicas, teorías científicas, doctrinas protestantes y todo ese conocimiento del mar y de los veleros y las ballenas en una sola historia, no creo que él tampoco se hubiera preocupado… por lo que significa .

John Donne, el poeta-sacerdote que vivió en tiempos de Shakespeare, escribió estas palabras: “El Sestos y Abydos de sus pechos, no de dos amantes, sino de dos amores, de los nidos”. Tampoco sé qué significa. Pero suena bien. Y quieres que tus canciones suenen bien.

John Donne

Cuando Odiseo en la Odisea visita al famoso guerrero Aquiles en el inframundo – Aquiles, que comerció una larga vida llena de paz y contentamiento por un corto lleno de honor y gloria – le dice a Odiseo que todo fue un error. “Acabo de morir, eso es todo.” No había honor. Ninguna inmortalidad. Y si pudiera, elegiría regresar y ser un esclavo humilde de un arrendatario en la tierra, en lugar de ser lo que es – un rey en la tierra de los muertos – que cualesquiera que fueran sus luchas de vida, eran preferibles a estar aquí en este lugar muerto.

Eso es lo que son las canciones también. Nuestras canciones están vivas en la tierra de los vivos. Pero las canciones son diferentes a la literatura. Están destinados a ser cantados, no leídos. Las palabras en las obras de Shakespeare estaban destinadas a actuar en el escenario. Así como las letras de canciones están destinadas a ser cantadas, no leída en una página. Y espero que algunos de ustedes tengan la oportunidad de escuchar estas letras de la forma en que fueron destinados a ser escuchados: en concierto o en el registro o como sea que la gente está escuchando canciones en estos días. Regreso una vez más a Homero, quien dice: “Canta en mí, oh Musa, y a través de mí, cuenta la historia”.

It’s been 50 years since Bob Dylan strolled on stage at the Newport Folk Festival, plugged in an electric guitar, and infuriated his flock.

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Bob Dylan – “Duquesne Whistle” (Video)

Dicen que Dylan saca nuevo disco ("Tempest") el 11 de Septiembre -producido por Jack Frost- y dicen que el álbum tendrá 10 nuevas canciones y será su trabajo de estudio número 35, después del "Together Trough Life".

Siguiendo los rumores, el disco tendrá una canción tributo a Lennon, "Roll on John" ("I heard the news today, oh boy”) y en cuanto a “Tempest”, todo parece indicar que se trata de una de las largas canciones épicas de Bob Dylan: un track de catorce minutos dedicado al hundimiento del Titanic. (Sobre esto ultimo a Tim Heidecker le ha dado por hacer algo similar y lo ha titulado "Bob Dylan’s Titanic").

Hace dos días, Dylan ha revelado el primer sencillo de su nuevo disco, la canción “Duquesne Whistle” es Dylan en todo sentido y revuelve a su faceta folkie y divertida.

El tema, que alude en su título al pitido del tren de la localidad estadounidense de Duquesne, ha sido coescrito por el propio Dylan y por su amigo Robert Hunter, un conocido letrista de "bluegrass" y ex miembro de la banda Grateful Dead, con el que ya trabajó en su álbum "Down in the Groove" (1988) y, sobre todo, en "Together Through Life" (2009).

El "silbido de Duquesne" ("soplando como si fuese a borrar del mapa todo mi mundo", dice en un momento de la canción) hoy llega acompañado de un videoclip que se estreno en la web del diario británico The Guardian.

El video, dirigido por Nash Edgerton, cuenta la historia de un joven encaprichado por enamorar a una linda mujer y en esos intentos todo sale muy, muy mal (desde persecuciones policiales, pasar por la cárcel y hasta palizas) y mientras todo eso pasa, Dylan se pasea por las calles llevando tras él, un curioso grupo de amigos (quizás la presencia de los mexicanos en esa bizarra pandilla, cargando instrumentos musicales, referencie a la inclusión de instrumentación mexicana en este nuevo trabajo, gracias a la colaboración de David Hidalgo “Los Lobos”). 

Todo esto es bastante ridículo y fantástico. Míralo a continuación.

Puedes ver también:

Lolita según Dylan: Sobre el videoclip “When The Deal Goes Down” de Bob Dylan y la presencia de Scarlett Johansson.

Bob Dylan y sus doce apóstoles

"In the hills of mystery, in the foggy web of destiny, you can have what’s left of me, where we were born in time". (Bob Dylan)

“Yo nunca he estado solo, porque existe Bob Dylan” (Benjamín Prado)

Debió ser una rara coincidencia, quizás algún seguidor irremediable metido entre la producción dispuesto a poner en evidencia la naturaleza divina de Bob, quizás designio etéreo, de los quizás que se repiten en cada canción, en cada acorde, en cada aparición tras Bob Dylan. La imagen es perfecta, Bob Dylan y doce tipos haciéndole el aguante instrumental, repitiendo las palabras y siguiendo los acordes que marcara el maestro para luego predicar el evangelio y actuar en su nombre.

En Video: Mumford & Sons: The Cave / Avett Brothers: Head Full of Doubt / Bob Dylan & Mumfords & Avetts - Maggie’s Farm (2011 Grammy Performance).

“God” Dylan y sus doce apóstoles -Mumfords y Avetts- cantándole a la granja de Maggy y los malos recuerdos que tiene de ella, una parábola. Bob y sus manos inquietas sin su amante, la busca, la desea, solo su vieja armónica lo contiene. Un baile improvisado que nunca empieza. El triunfo Folk-rock, de la guitarra acústica, del banjo, de violines, violonchelos y demás cordófonos clásicos por sobre los amplificadores, las distorsiones, manipulaciones y demás electrificación. Ovación de pie. Lagrima incontenible.

- También celebramos: Arcade Fire y su beatificacion en los altares comerciales del Grammy - Arcade Fire Win the Album of the Year Grammy.

- Consecuense of Sound : Watch 2011 Grammy Performances by Arcade Fire, Dr. Dre, Bob Dylan, & more.

Moon: El debut del hijo de David Bowie (Artículo robado)

@rocko_bo Moon: 7/10 Ciencia Ficción muy humana en clave existencialista y bucólica. Y por supuesto prefiero a Gerty que al psicótico HAL 9000.
11:30 AM Feb 17th desde web

@rocko_bo Duncan Jones: Moon http://tinyurl.com/lfk684 / David Jones: Space Oddity http://tinyurl.com/2d2lx7 Tome sus píldoras y póngase el casco...
1:08 PM Feb 17th desde web

Moon: El debut del hijo de David Bowie
Domingo, 21 de febrero de 2010

Su padre compuso una de sus mejores canciones inspirada en 2001: Odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Ahora él debuta como director con una película que rinde tributo por igual a la “Space Oddity” paterna y a la película de Kubrick. Pero Duncan Jones, el hijo de David Bowie, también crea con Moon una obra propia que retrata y reflexiona sobre la soledad en el Universo de un hombre aislado en la Luna de un modo tremendamente propio.

En 1969, David Bowie lanzó uno de los mejores temas de toda su carrera: el inolvidable “Space Oddity” se escuchaba simultáneamente con la llegada del hombre a la Luna, y ya desde el título era clara la referencia a 2001: Odisea del espacio de Stanley Kubrick, aunque de todos modos la canción era una metáfora de un adicto perdido en su cosmos cerebral (por si quedaba alguna duda, Bowie lo explica bien en un tema muy posterior, “Ashes to Ashes”).

Pasaron 40 años, y Duncan Jones (también conocido como Zowie Bowie, hijo de Bowie y la famosa Angie de la canción de los Stones) debuta como director con un largo llamado Moon, estrenado el mismo día del aniversario de la llegada del hombre a nuestro satélite, y con un guión –basado en un argumento propio– que cuenta la odisea de un astronauta aislado en una base ubicada en el lado oscuro de la Luna.

Las referencias –u homenajes, como se lo quiera llamar– a 2001 de Kubrick también son claras, y quizás a esta altura inevitables, dada la naturaleza del tema.

Moon, que acaba de ser editada en DVD, sin pasar por los cines, con el título En la Luna, transcurre en un futuro próximo donde todos los problemas energéticos de nuestro planeta han sido solucionados gracias a una empresa que descubrió la capacidad de aprovechar un combustible sumamente poderoso, el Helium 3, extraído mediante una serie de dispositivos ubicados en el lado oscuro de la Luna. Si bien esos dispositivos están altamente robotizados, la presencia humana siempre es indispensable, por lo que un único astronauta debe permanecer in situ largos períodos totalmente aislado para controlar las cosas.

Al principio del film, el director nos muestra al protagonista casi absoluto del film, el astronauta Sam Bell (interpretado por Sam Rockwell), barbudo y desaliñado luego de permanecer en la base casi tres años. El mismo reconoce que el aislamiento lo está empezando a perturbar un poco, lo que se percibe en detalles como darse cuenta de que ya hace meses que habla consigo mismo en forma permanente. El hecho de que un problema satelital haya interrumpido las comunicaciones en vivo con la Tierra tampoco lo ayuda mucho en este sentido, pero el hombre está satisfecho de casi haber terminado su contrato, y sobre todo de estar seguro de que pronto volverá a la Tierra con su esposa y su hija.

Pero el oficio del astronauta es duro, y un tipo aislado en la Luna nunca puede estar seguro de nada. Pronto empieza a tener pequeñas alucinaciones, y pequeños descuidos y accidentes que no dejan de ser percibidos por su único compañero en la base, el supercomputador Gerty, un apropiado derivado del HAL 9000 de 2001, que incluye novedades como movimientos y brazos robóticos y un monitor con una “carita sonriente” como la de nuestras actuales conversaciones por chat, y que por supuesto, según el tono de la conversación, puede no ser sonriente en absoluto (la voz de Gerty es un gran aporte de Kevin Spacey).

Duncan Jones toma caminos extraños que, sin embargo, llevan al sentido común: su película es menos metafísica de lo que se podría pensar en un principio, cuando las alucinaciones del protagonista parecen anunciar algún delirio profundo estilo Solaris de Andrei Tarkovski o 2001, cuya influencia termina mostrándose sobre todo en el increíble diseño de producción, con muy creíbles efectos especiales (se utilizaron modelos en escala para los vehículos lunares y la escenografía de la base) y la cuidada estética general, elementos que bastan por sí solos para recomendar la visión de esta película. La trama se centra en las trampas que la empresa de energía le pone a su explotadísimo empleado, cuya misión termina menos vinculada con los accidentes y problemas lunares, que con un desesperado y casi imposible regreso a la Tierra.

Volviendo a las influencias, la principal es 2001 –incluyendo una breve secuencia de música clásica y ballet espacial, digamos—, pero Duncan Jones no abusa del homenaje obvio, y en cambio el film también lanza guiños de otros films menos conocidos, como la película de culto de Douglas Trumbull, Silent Running (naves misteriosas, con Bruce Dern desolado y perturbado en el espacio). Justamente Trumbull fue el hombre que trabajaba para la NASA cuando Kubrick lo llamó para hacer los FX de 2001. Convertido en un magnate de los efectos visuales y emprendimientos como el IMAX, Trumbull dirigió sólo dos películas, la ya mencionada Silent Running y la extraña fantasía de realidad virtual adelantadísima a su tiempo, Proyecto Brainstorm. Quizá para sentirse a la altura de este maestro, Duncan Jones se ocupó de organizar una exhibición especial para la NASA de su opera prima. Aparentemente los expertos de la agencia espacial estadounidense se tomaron muy en serio los conceptos futuristas y diseños del film de Jones, ya que en algunos artículos sobre el raro encuentro entre ciencia y arte discutieron minuciosamente cada gadget y enunciado tecnológico del film.

Moon también fue toda una sensación en la última edición del festival de cine fantástico de Sitges, donde se exhibió precedido de otro film preparado como homenaje al legendario paseo de Neil Armstrong: el film en cuestión fue el cortometraje argentino 50 años en la Luna, de Mariano Santilli, que ganó al premio al mejor corto nacional de 2009, y también ofrecía una visión extraña y futurista de la conquista del espacio.

MTV Music videos online: Cuando MTV era sinónimo de música

MTV Music videos online: Cuando MTV era sinónimo de música

“I want my teen Spirit” (Quiero mi Espíritu del adolescente)

No es novedad que MTV ha entrado en los últimos años en una etapa de decadencia donde los programas bizarros, reality show’s insufribles, dibujos animados estúpidos, mensajes de texto por doquier, etc. han llenado espacios innecesarios, dejando la emisión de videoclips musicales reducida a su mínima expresión, punto que era el "alma máter" de la cadena musical. De la otra MTV, de contenido irreverente, animaciones que invitaban a la imaginación, la de vj’s legendarios que presentaban videoclips con información nutritiva y renovada, brutales especiales de bandas míticas, MTV Unplugged’s increíbles y Top’s que era ver y escuchar una delicia tras otra; de aquella otra MTV muy poco queda. Cuestión de tiempos, supongo.

Es muy valorable, por todas aquellas cosas perdidas de la cadena musical, que este detalle reconforta, puesto que MTV Music ha puesto on-line y a nuestra disposición todos y cada uno de los videos y contenidos que la MTV fue armando desde que fue creada en 1981. Detalle que se hace mas provechoso al poder verlos, votarlos, comentarlos y/o integrarlos (embeberlos) en blogs. Hasta ahora, la biblioteca tiene más de 16 mil videos entre los que se encuentran material exclusivo de la cadena como los famosos MTV unplugged, donde podemos reencontrarnos con joyas de Bob Dylan (y la irreconocible “Like a Rolling Stone), Nirvana (y la legendaria Unplugged in New York) o Robert Plant y Jimmy Page entre otros, es digno de mención; mas allá de la información complementaria que hace de MTV Music, uno de los mas valiosos y poderosos archivos musicales conocidos. Aun hay algunas restricciones para poder ver algunos videos fuera de Estados Unidos y videos imprecindibles que aun no estan en linea, pero como se informa cada dia se va actualizando la base de datos.

Pero si esto no bastara, MTV Music ha abierto también su API (Application Programming Interface) para que cualquier persona y/o desarrollador independiente, cree sus propias galerías de videos, aplicaciones para que puedan integrar este servicio en cualquier tipo de web (Facebook, MySpace, etc.). Servicio que de seguro encontrara buena acogida en los, como yo, melómanos incurables.

MTV en su era de esplendor, seria impulsora fundamental para la trascendencia internacional del grunge, reproduciendo de forma masiva el viral video “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana, del, por inercia, millonario álbum Nevermind. Muestra real, audible y visible de mejores épocas de MTV (Music Television). Dadas las limitaciones, aun el video no puede verse fuera de los Estados Unidos, pero otra muestra del genero es la canción Do the evolution, de Pearl Jam en épocas cuando las probabilidades de que Stone Gossard y compañía realizaran un video promocional eran pocas y de pronto se dan el lujo de colaborar con Todd McFarlane para introducir Do The Evolution en la programación de MTV sin necesidad de mostrar su rostro.

Vea en MTV Music: Do The Evolution – Pearl Jam.

Via: Crunchgear / Denken Über.

Arte 9 vs Arte 7: Watchmen, Spirit y Dear Mr. Watterson

Las artes tradicionales siempre cuentan con una serie de obras representativas de cada área, que trascienden gustos personales o escuelas estilísticas. Ejemplos pueden ser La Gioconda en pintura, la 9ª Sinfonía en música o El Quijote en literatura. Incluso el cine tiene su Ciudadano Kane, pero, ¿que ocurre con el cómic, el arte secuencial?. Aunque existe un puñado de obras clasificadas como clásicos imprescindibles (Little Nemo, Las aventuras de Tintín o Akira), ni siquiera todos los críticos tienen una postura unánima en cuanto a la trascendencia de las mismas. El arte del comic aún no posee mitos, siendo casi tan antiguo como el propio cine. Las razones, que pueden ser por su escasa formalización, su heterogeneidad o su nefasta imagen popular (…)

Desde esa introducción, Yeray-Muad’dib, en su enriquecedor articulo sobre Watchmen, nos cuestiona y nos propone, inconcientemente talvez, un ejercicio para descubrir una serie de obras representativas del comic, en ese intento hace su ejercicio personal y propone a Watchmen como una de las obras o quizás la obra mas representativa del noveno arte: “Sin embargo, si fuésemos a buscar una obra que, en mayor o menor medida, sea clasificada como genial por cualquier crítico que la conozca, ya sea un fanático del cómic norteamericano, europeo u oriental, ésta podría ser Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons, publicado a mediados de los 80 por la editorial DC Comics."

En ese contexto y dadas las circunstancias en las que en este momento se encuentran tres obras fundamentales del comic por su inevitable llegada a la gran pantalla, me doy un gusto personal de hacer una reseña superficial de ellas, creando el nexo entre la obra en su estado de arte básico (léase comic) con la obra resultante en otro tipo de arte (léase cine).

Watchmen

"Mira, yo era un superhéroe." (Noel Gallagher)

Nacida a mediados de los años 80 en una época donde los comics de superhéroes tropezaban con las mismas fuentes argumentales, era el comic independiente quien llenaba espacios que hasta ese tiempo habían sido un tabú en aquel subproducto del sensacionalismo periodístico finisecular. Ahí teníamos por ejemplo a Frank Miller y su "Dark Knight Returns" o “Watchmen” de Alan Moore, dos ejemplos de la vasta referencia de cómics que marcaron una época y que dieron paso a una visión del cómic de superhéroes más adulta y real, más acorde con los tiempos. Fue precisamente esta ultima, Watchmen nacida en octubre de 1986 del cerebro de Alan Moore y los dibujos de Dave Gibbons la que se convierte en el cómic que sacudió los cimientos de la industria y revoluciono los cánones que hasta ese año permanecían para los comics de superhéroes, generando un nuevo modo de entender los comics, de construirlos, y lo hace partiendo del interior del mainstream y sus iconos más representativos: los superhéroes; del mismo que Cervantes re-creaba la novela desde su vertiente más “comercial” la de los caballeros andantes. Nótese entonces que Watchmen es un parte aguas entre lo que se conocía y lo que se gestaba.

Watchmen es una novela sobre superhéroes que abandonaron sus máscaras o que fueron condenados a padecerlas por siempre. Son héroes que se quedaron sin Salón de la Justicia y ahora, regularizados, se avergüenzan de su pasado, lo niegan, pero al tiempo les apena haber renunciado a sus principios, haber claudicado a esas identidades duales que los protegían y engrandecían. Sin ellas no son nadie, con ellas no eran nada.
Hay muchas novelas y películas dedicadas a explorar el tema de las vidas privadas de los superhéroes. Es casi que un lugar común. Watchmen, sin embargo, precede históricamente a las demás y, por más de un motivo, las supera. Alan Moore pretendía con Watchmen sentar un hito en la historia del comic -su propio Moby Dick, dice- y en mi opinión lo logró con creces. No conozco una novela gráfica más rica y mejor lograda narrativamente hablando. Los personajes, interesantes, complejos y bien desarrollados, son encarrilados con maestría sobre una narración no lineal a varios niveles y varias voces. La historia arrasa y sorprende, nunca pierde el ritmo, nunca se estanca, nunca se agota. El cierre, trágico, es de antología.(Watchmen – Pie de pagina)

Es por eso que Watchmen es el comic y/o novela grafica (aunque Moore reniegue de este ultimo denominativo) de superhéroes definitiva, con un sentido del guión clásico con decenas de referencias que van desde Einstein, hasta Nietsche y su superhombre, pasando por Shelley, Blake, John Cole o el libro de job (demostrando que también la cita literaria es susceptible de aparecer en un comic); o nos retraen episodios que nos llevan del cine negro con un Bogart enmascarado, hasta la ciencia ficción. Watchmen corresponde a una época dorada de la cultura popular, a unos años en los que se creía que por fin la novela de género y los cómics habían legitimado su presencia entre sus hermanos mayores y se veían recompensados con una atención por parte de los medios de comunicación, que finalmente fue tan efímera como la que hoy reciben otros ámbitos que sólo son pasatiempos. Hoy en día, con sus numerosos premios y menciones (Es el único comic en la lista del Time de las 100 mejores novelas del siglo XX. También es la única que ha ganado el Hugo Award, premio a la literatura de ciencia ficción.) Y sus más de cuatro millones de ejemplares vendidos, es una pieza insoslayable de la Historia del Cómic y de la cultura occidental del fin de siglo.

Ahora a Watchmen le espera el salto mortal al Séptimo Arte, una labor que viene esperando muchos años, desde 1986 cuando productores como Joel Silver, directores como Terry Gilliam o Paul Greengrass, y actores como Richard Gere, Tom Cruise, Jamie Lee Curtis o Jude Law han estado relacionados en el desarrollo de la adaptación a la pantalla grande y como si de una maldición se tratara se ha ido quedando en solo en proyectos.

En absoluto secreto, rodando en hangares y calles de Vancouver (Canadá) que recrean una New York abocada al Apocalipsis, sin muchas alharacas, Zack Snyder (responsable de llevar dirigir la adaptación del comic 300 de Frank Miller al cine) afronta uno de los retos más complejos del arte del siglo XXI. Alan Moore le ha dado la espalda al proyecto (una vez más) y la ha maldecido, mientras que Dave Gibbons espera con ansias el resultado final. Terry Gilliam, el único director que contaba con el apoyo de Moore, había dicho años atrás que la novela era imposible de llevar a la pantalla a causa de su complejidad, creo que el que haya leído el comic estará de acuerdo en que no basta una película para hacerle justicia a Watchmen que desde ya es un proyecto arriesgado por la complejidad de las historias paralelas, los números centrados en un único personaje, los juegos temporales e innumerables subtramas que solo plasmados en un comic (dadas una serie de recursos difícilmente transferibles) pueden ser traducibles.


En Video: Watchmen the movie (Dirigida por Zack Snyder)

Aun así, con un frió que recorre la columna, ando esperando el estreno de Watchmen la película, esperando que se mantenga el fondo mas que la forma. Porque Watchmen no es 300 -ojo que 300 y Sin City son, a mi parecer, las más rescatables adaptaciones del comic a la pantalla grande- y el gran valor de Watchmen se encuentra en la historia y esperemos que eso sea lo que menos se sacrifique, caso contrario Watchmen, la pelicula, pasara a formar parte del cementerio de superheroes caidos en su traspaso al cine.

The Spirit

¿Quién es este hombre vestido de azul, fuerte como un buey, duro como el cuero crudo, incorruptible, fuera de la ley? Es... ¡The Spirit!"

Mítica obra del fallecido Will Eisner, uno de los grandes maestros del cómic. Los amantes del cómic bautizaron a Spirit "El ciudadano Kane" de la historieta, por su innovación, su seriedad y su influencia. La primera entrega apareció en junio de 1940, como parte de una sección de historietas que él había estado produciendo un año antes como un adicional para los diarios del domingo. Tenía como atractivo a un detective, Denny Colt, que en la tercera página es asesinado. O eso parecía, al menos.

Resultó ser que Colt no estaba muerto exactamente. Vuelve a nacer bajo la forma de un hombre de traje azul y máscara y guantes azules, Spirit. Tal como Bob Andelman, el autor de la biografía "Will Eisner: a spirited life", describe al héroe de la historieta, "él era el protector de la ciudadanía y de las chicas lindas en particular". Lo que lo hizo único fue su falta de superpoderes. No podía ver a través de la ropa, no podía volar y ni siquiera era brillante. Spirit, heredero directo de los mejores héroes pulp y el cine negro detectivesco presentaba aventuras entretenidas, aunque con una narrativa audaz y madura, apuntó al publico adulto pero accesible a los niños, tomando en cuenta que era 1940 la idea de presentar un héroe con sus conflictos personales estaba lejos de los argumentos.

En Spirit, Will Eisner desplegó una serie de técnicas narrativas, muchas de ellas inspiradas en el cine, que mostraban el tremendo potencial del cómic como género literario. El uso de las sombras del que hacía gala Eisner, la tremenda elegancia con que elegía el plano adecuado para cada viñeta, las sorprendentes composiciones de página y otras detalles como la inserción del título del comic con el dibujo son sólo algunas de las cosas que destaca en The Spirit.

Spirit por Frank Miller: Luego del éxito obtenido por las adaptaciones cinematográficas de sus novelas graficas “300” y “Sin City”. Frank Miller, el legendario artista de comic, se interna de lleno a Hollywood en su adaptación al cine, del comic, Spirit, la obra cumbre del mentor del mismo Miller, Will Eisner.

Hemos echado rosas a las adaptaciones de las obras de Frank Miller -300 y Sin City- a la pantalla grande, y aunque Miller ha colaborado en la dirección de Sin City a Robert Rodríguez y ha apoyado a Zack Snyder en su 300, esta es la primera película en la que Frank Miller ha escrito el guión y dirige en solitario una película. Conocemos los gustos de Miller y no habrá que dudar que se dará algunas licencias distando de la historia original del comic para darle un rostro más estilizado, arriesgado y adulto a Spirit. Un Spirit según un Miller abocado a la narración de un inconfundible estilo Noir, extremadamente grafico y con altas cuotas de violencia implícita. Un artista avezado en el manejo sublime de los claroscuros, Miller se ha destacado en su carrera por trazos intensos que definen viñetas con las más peligrosas y sensuales mujeres de tinta china en la historia del comic. La mujer fatal es una rubrica en el estilo de Frank, y por dicho motivo ha reunido un casting con las más sexy´s y provocativas estrellas de Hollywood - Scarlett Johansson, Eva Méndez, Sarah Paulson, Paz Vega, Stana Katic-. Las mujeres fatales regresan a la pantalla grande.


En Video: The Spirit (Dirigida por Frank Miller – Basada en el comic de Will Eisner)

Viendo el trailer, no se puede dejar de compararlo con Sin City, espero no sea un pecado. Las licencias que se toma Miller se empiezan a notar al verlo abusar de las sombras y parecerlo a Sin City, y obviar algunos detalles que hacen a Spirit en el comic. Habrá que esperar hasta diciembre y ver la obra final, mientras tanto el regreso al cine negro y a las mujeres fatales es bastante tentador.

Dear Mr. Watterson

"La historia es la ficción que inventamos para persuadirnos de que los eventos son conocibles y que la vida tiene orden y dirección.” Calvin

"Utilizo a Calvin como salida a mi inmadurez, como una forma de mantener mi curiosidad por la naturaleza, como una forma de ridiculizar mis propias obsesiones y reflexionar sobre la naturaleza humana. No querría tener a Calvin en mi casa pero, sobre el papel, me ayuda a sortear y entender mejor mi vida" Bill Watterson

El 31 de diciembre de 1995 los periódicos de medio mundo publicaban con gran fanfarria la última tira cómica de Calvin y Hobbes, creada diez años antes por Bill Watterson (Washington DC, 1958), en aquel entonces un frustrado publicista que se entretenía dibujando tiras sobre, entre otras cosas, un niño hiperactivo, Calvin, y su compañero de juegos, Hobbes, un tigre bastante sosegado. El resto es historia.

Calvin y Hobbes es una tira cómica escrita y dibujada por Bill Watterson que relata, en clave de humor, las peripecias de Calvin, un imaginativo niño de 6 años, y Hobbes, su enérgico y sarcástico, aunque algo pomposo, tigre. Realizada entre 1985 y 1996, Calvin y Hobbes está considerada unánimemente como una de las mejores y más imaginativas tiras de prensa de la historia. Se ha llegado a publicar en 1800 periódicos alrededor del mundo, y ha llegado a ser la cuarta tira más extendida en Estados Unidos -el país por excelencia de las tiras de prensa-, después de Peanuts (conocida en España como Carlitos y Snoopy), Garfield y Blondie. Además, Bill Watterson ganó por Calvin y Hobbes por dos años casi consecutivos (en las ediciones de 1986 y 1988) el prestigioso Premio Reuben de la National Cartoonist Society, el galardón más importante en EEUU dentro del dentro del campo de las tiras de prensa y que casi nadie ha conseguido recibir más de una vez.

De mi parte hay poco que aportar de esta tira, es una de mis preferidas y el que siga las paginas de este blog se dará cuenta a lo que me refiero, es una tentación constante reencontrarme con el comic cada vez que puedo, un comic que refresca el alma mas allá de considerarlo una de las tiras cómicas más importantes de la historia del comic. Quien quiera ir más allá de la tira, descubrirá que Watterson es un personaje tan interesante como su obra y es quizás por ello que un par de fans se ha dado a la tarea de realizar un documental sobre el creador de Calvin & Hobbes y que pretender ver una película basada en los personajes será poco mas que imposible al Watterson oponerse denodadamente a ceder los derechos de sus criaturas. Es decir que se resignó a no ganar cientos y cientos de millones de dólares para no convertir a sus personajes en un objeto de consumo más.

Dear Mr. Watterson es un documental que pretende servir de homenaje a Bill Watterson, el creador de los míticos Calvin & Hobbes, una de las series de tiras que mejor ha sabido reflejar la infancia, los proyectos y las obsesiones de cuando somos niños y la importancia de la imaginación en nuestras vidas. Para hacer posible Dear Mr. Watterson, sus creadores han echado mano de amigos, colegas y lectores de las historietas creadas por el autor. La idea es crear un puzzle poliédrico que sirva para dar algo de luz sobre el “señor Watterson”.

El vacío que dejó Watterson cuando se retiró en 1995 es aún muy grande. Han pasado más de diez años desde que Calvin & Hobbes se quedaran mudos para siempre y, poco a poco, el culto hacia sus historietas ha ido creciendo. Sus tiras puede leerse una y otra vez y siempre son fascinantes.

La idea de los creadores del film, que está aún en proceso de preparación, es la siguiente:

Esta película no va sólo de Bill Watterson o de Calvin & Hobbes. Lo que deseamos es capturar la increíble influencia que ha tenido la obra en gente de todo el mundo. (...) Verdaderamente, hay un gran número de personas inspiradas por el mundo mágico de Mr. Watterson. Si eres uno de ellos, queremos saber de ti. Hay varias maneras en las que puedes participar o incluso salir en la película.

De momento, los creadores del film han creado una pagina web, formado un grupo en Facebook y anuncian presencia en MySpace y Youtube en breve. Lo que ya tienen es un teaser trailer.

Lea Tambien: La muerte de los superhéroes.

Réquiem por un payaso

Réquiem por un payaso

Han pasado ya unos meses desde la trágica muerte de Heath Ledger y hasta ahora me atrevo a escribir sobre aquello y una frase que al poner en paralelo con las circunstancias extrañas en las que termino su vida puede que suene hasta ominoso.

La imagen de Heath Ledger interpretando el icónico papel de The Joker -el antagonista principal del Señor de la Noche- se llena de simbolismo por si solo y se presta a la doble lectura constante con cada imagen que se nos aparece. Ya de porsi el cambio innegable del personaje que se aleja por mucho del caricaturesco demonio vestido de travestí Joker interpretado por Jack Nicholson hasta tomar un papel que se parece mas al Joker de Alan Moore (The Killing Joke); Loco, asesino esquizofrénico, paranoico sadomasoquista, psicópata, bestial y violento nacido quizás de un poema de Rimbaud. El Joker de Heath es quizás el Némesis personificado perfecto de Batman, ya que si Batman lleva consigo esa oscuridad para poder moverse y pensar como los monstruos a los que caza, el Guasón es el monstruo en sí.

Why so serious? Parece ser la frase escalofriante que se repite en cada póster de la película The Dark Night, generalmente en ellas aparece la figura de Ledger personificando al Joker una de ellas con esa cara que parece haberse lavado con un cóctel de ácido y sangre, y otra con una figura fantasmal con cráneo de fosas oculares despobladas; ambos póster presentan al Joker dibujando la pregunta ¿Por qué tan serio? Cuestionándonos – ahora Ledger- por nuestro asombro ante su muerte, sin dejar de lado ese humor sádico y macabro de Joker.

Consciente o no de ello, Ledger será recordado y sometido a una especie de maldición en la figura del Joker.

Tras estas conjeturas y muchas mas que nacerán al ver la película- que de seguro tendrá como papel principal a Ledger y al Joker (como en The Killing Joke)- he acá él ultimo trailer de la película por venir. Un aperitivo y una mirada al emisario de la muerte envuelto en maquillaje.


En Video: Trailer 2 The Dark Night.

Vea Tambien: Why so serious?

El Fincher de Zodiac

El Fincher de Zodiac

Sin la más mínima intención de hacer una apología a la masacre o alimentar el morbo, Fincher nos llega con una nueva película basada en asesinos seriales, sub género que le deber mucho a su obra. Con sus casi tres horas de duración, Zodiac resulta ser una película mas liviana que Seven -cansina por momentos para el que busca violencia gratuita y finales sublimes- basada en la historia real de aquellos crímenes en serie sin resolver mas intrigantes de la historia del que se hacía llamar Zodíaco y que enviaba cartas a los periódicos jactándose de los asesinatos que cometía además de mandar mensajes encriptados retando a la policía en una investigación que duró tres décadas.

Zodiac cuenta con todo lo necesario para considerarla una obra de arte cinematográfica del subgenero, con asesinos seriales, policías, mensajes encriptados, investigaciones y en lo que quizás más realce se pone, la obsesión ante el miedo de tres seres disímiles. Si bien Fincher, que supo convertir al asesino de Seven en una criatura aterradora, pinta al criminal de Zodiac como un simple ser humano, más próximo al ridículo que a la Maldad con mayúsculas. Este asesino es apenas el catalizador, el McGuffin que nos introduce a las historias de tres personajes muy distintos: el periodista Paul Avery (Robert Downey Jr.), el policía Dave Toschi (Mark Ruffalo) y el caricaturista metido a investigador Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), que más allá de sus diferencias se ven hermanados por la obsesión común. Para Avery, el Zodíaco es una oportunidad de ocupar el centro de la escena: el periodista que en realidad desea ser protagonista de la noticia. Toschi, el policía que sirvió como inspiración a Steve McQueen para la creación de Bullitt, siente que la resolución del caso podría convertirlo en una figura más parecida al detective del cine. En cambio Graysmith, que es apenas un dibujante político y por lo tanto está ajeno a la cocina de la investigación, se obsesiona con el criminal por las mismas razones que el común de los mortales: porque le tiene miedo, porque teme convertirse en una víctima más, porque tiembla ante la posibilidad de que ataque a los suyos..

Como Avery y Toschi antes que él, Graysmith se distancia de su propia vida para perderse en los senderos de la obsesión. En algún sentido se parece al Roy Neary de Encuentros cercanos del tercer tipo: un hombre común a quien el azar enfrenta a lo inefable, un cruce del que ya nunca regresan; tanto Graysmith como Neary se dejan devorar por la intuición de una verdad más grande que sus propias vidas. En el caso de Neary, la existencia de los extraterrestres le sugiere la posibilidad de lo divino.

Para Graysmith, en cambio, ese miedo informe, que todo lo contamina y que todo lo transforma, es algo a lo que debe imponerse para seguir viviendo. Cuando su esposa le pregunta por qué se empeña en seguir investigando, Graysmith le dice que necesita ver al asesino a los ojos. Lo suyo no es una valentía hollywoodense, sino la certeza de que sólo esa evaluación –la de comprobar que el asesino es un ser humano como él, y por ende igualmente frágil y finito- puede devolverle el control sobre su vida.

En este tiempo tan rico en miedos informes (el terrorismo, la inseguridad, la inmigración, la posibilidad de una hecatombe económica), Zodiac sostiene que hay forma de imponerse a ese anquilosamiento, pero no disimula que la salvación entraña un trabajo casi inhumano y una concentración lindante con la obsesión, virtudes que no abundan en sociedades que predican la indolencia.

He aquí otra joya en la carrera de Fincher.


En Video: Otra de las columnas fundamentales de Zodiac, además de la trama, el argumento y el suspenso creado, se posa en sus efectos visuales generados por computadora (CGI) que pueden parecer escasos e incluso inexistentes. Gracias a Digital Domain, Fincher se ha anotado otro punto ambientando de manera increíble la sociedad de los 70’s.

I’m Not There: Bob Dylan (Teaser trailer)

“All I can do is be me. Whoever that is” (Bob Dylan)

Algo me ocurre siempre que vuelvo a oír Like a Rolling Stone, cada vez me doy cuenta que es una maldita canción que te hace sorprender como si la escucharas por primera vez. Es imposible creer que alguien la haya escrito y la haya cantado en 1965. No me es raro entonces que sea la primera canción que se oiga en el Teaser Trailer de “I’m Not There” mientras emerge la figura de Cate Blanchett encarnando al Bob Dylan de cuero y guitarra eléctrica. El resto de las imágenes son solo un placer donde Christian Bale, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin, Richard Gere y Ben Whishaw son el mítico Bob Dylan.

Excelente.


Traducción: "Inspirada una historia: real/falsa/autentica/exagerada/imaginaria (…) del mayor: Artista/agitador/poeta/luchador/genio/radical de su tiempo."
En video: Teaser Trailer “I’m Not There” - Duracion 1:02.

Vea También:
I’m not here: 7 actores para Bob Dylan.
No Direction Home: Bob Dylan (Martin Scorsese).

Los Simpsons y la Fiebre Amarilla

“Marge, los dibujos animados no tienen ningún significado profundo. No son otra cosa que estúpidas caricaturas que te producen alguna que otra risa tonta” (Homero Simpsons, Episodio 8F01 “Mr. Lisa Goes to Washington”)

Han pasado poco más de 18 años para ver a la familia amarilla preferida pasar de la televisión a la pantalla grande y con su llegada han recaído sobre el film las más diversas críticas, entre las que les favorecen y las que pronostican el fin de una linda era.

Es difícil opinar sobre la película, quien la haya visto no sabrá si es un versión larga de un capitulo televisivo o una serie de varios capítulos (como el “quien mato al Señor Burns”) unida como una sola (no les parezca raro entonces ver el “esta historia continuara…” en la primera parte de la película). El film solo llega a eso, es un capitulo largo que no nos muestra nada nuevo, tanto así que entonces tenemos al mismo Homero cuestionándose su visita al cine en su primera aparición. Pero bueno, que mas se les puede pedir a los Simpsons si en estos veinte años prácticamente se han creado todo, desde su familia disfuncional, hasta un ciudad entera que si bien es ficción no deja de ser parte de este mundo con cada uno de sus habitantes reconocibles. Y es que los Simpsons han pasado de ser el arquetipo de la familia estadounidense hasta casi universalizarse, logrando identificarse con el tiempo con la vida de cualquier familia del mundo con preferencia occidental.

Ya lo dice entonces Fresán y su amor amarillo: Y ahora llega el momento de The Movie, que en principio se pensó que sería una versión expanded del genial episodio del Kamp Krusty. Pero no. Parece –luego de descartar un plot en el que la familia descubría, como en The Truman Show, que eran celebridades televisivas– que la cosa viene en plan catástrofe ambiental.

En realidad qué importa (y la dificultad de una película de Los Simpson es, a escala, la misma de escribir una nota sobre Los Simpson: ¿qué dejar afuera? Hay tanto para mencionar y recordar...).

Porque como bien dijo Matt Groening: “La gente no decide ver Los Simpson porque trate de esto o aquello. La gente ve a Los Simpson porque trata sobre los Simpson”.

Y, sí, The Simpson –la película– trata, seguro, exactamente de eso. Y todos felices. Muy.

Y entonces Fresán libera su mente y hace un recordatorio de aquellos gloriosos momentos Simpsons, porque al fin y al cabo los Simpsons no son solo la película hecha en año y medio, sino esos 20 años que se recuerdan con tanta avidez. Por lo mismo, vale recordar también esos cuantos criterios que siempre nos toca analizarlos en las charlas simpsonianas que tan bien tocan, con dosis de parodia e ironía, la familia amarilla, que no dejan de sorprendernos y que nos regalan esa excusa para, aun en mas de 20 años poder seguir viéndolos como si fuera la primera vez:

En filosofía se revelan verdades acerca de la naturaleza humana pero además de reflexionar sobre ellas también juega con ideas filosóficas creándose así su propia filosofía. El mundo satírico de la caricatura es esencialmente filosófico porque para trabajar necesita reflejar realidad exactamente abstrayéndolo, destilándola y luego presentándonosla de forma más simple y brillante sus posturas filosóficas de la realidad. Por eso es que no es coincidencia que el producto más penetrante y filosófico y cultural de nuestro tiempo es una caricatura cómica, y por qué su creador, Matt Groening, es el heredero verdadero de Platón, Aristóteles y Kant. (The Simpsons and Philosophy)

"Y nunca nos olvidaremos de ese ser que vino a traernos amor, murió y volvió a la vida... te recordaremos siempre E.T." (Reverendo Alegría)

La religión es un tema prioritario y hasta mas de uno se ha animado a afirmar que la serie tiene cierta tendencia religiosa, y no es que pretenda difundir el evangelio según Jesucristo sino lo hace desde una visión muy particular donde la critica pero no deja de desconectarse de ella usándola como ultimo recurso: "El dios de Homero es una mezcla de mesías y superhéroe, extremadamente mundano, útil para cuestiones prácticas pero olvidado una vez que pasó lo peor de una crisis".

En muchos episodios, Homero reza: "Tú que estás allá en las alturas, por favor, sálvame Superman"; "Mahoma, Buda, Jesucristo... ¡¡¡ los quiero a todos, sálvenme!!!"; "Dios es mi personaje de ficción favorito" (Mientras mira película bíblica). Tenemos entonces que su fe no es bíblica sino mágico-religiosa. Dios es como un paracaídas que esperan NO UTILIZAR nunca, pero saben que está ahí. Una vez que han superado la crisis todo pensamiento sobre Dios se esfuma". Como se ve, aquí el pragmatismo y utilitarismo calculador es más que evidente. Otra joya simpsoniana.

En política la critica es quizás mas acida, en un país donde la critica al estado de gobierno no es vetada pero si controlada en diversos niveles, los simpsons cada tanto critican la forma de dirigir la nación departe de sus gobernantes con una gran capacidad irónica. Un ejemplo claro es el capitulo donde los Simpsons aseguran que la guerra en Irak es injusta un tema tan delicado que muy pocos se animan a tocar o cuando Homer menciona: “Cada año la brecha entre países ricos y pobres se hace mas grande pero el FMI insiste en calendarios de pago de deuda poco realistas, ¿Porqué Estados Unidos debe utilizar el 90 % de los recursos del mundo?, Argentina debe devaluar su moneda para pagar sus deudas!" (Video Youtube) una clara crítica al FMI, además de estas también se critica a la política migratoria, las bodas gays, temas tan sensibles que se manejan con tanta naturalidad en la serie que invitan a la reflexión.

“Ahora con Internet los niños se te educan solos…” (Homero)

Pero no solo reflexionan sobre esos temas sino la critica llega hacia la cultura popular y los medios; muy divertido tomando en cuenta que ellos son el producto de la cultura de masas.

En algún momento George Meyer, uno de los guionistas del programa, interrogado por la revista New Yorker acerca del mensaje del programa, dijo de forma breve y contundente: "Cuestionar la autoridad", ahí entonces tenemos la formula de su éxito, la autoridad convertida en religión, política, medios y un largo etcétera.

Dejándonos de tanto análisis también hay que hacer lo que hace Fresan, recordar sin mas remedio esos instantes Simpsons que permanecen en la retina, personalmente muero por sus noches de brujas donde todo es posible (Viajes en el tiempo, Ciencia ficción al limite, Muertes Sangrientas, Freaks de Feria, etc) y donde además podemos darnos el gusto de ver decenas de micropelículas. Otra joya de la que no me olvido es el campamento de Rock o la colección Beatle de Flanders, los inicios de Homer en la Internet, la saga del asesino psicótico Bob Patiño, las burdas apariciones del dueño de la tienda de comics, los viajes de la familia (Brasil, China, Inglaterra, etc), la elección de Homero entre ser Inteligente o ser torpe, sin dejar de lado la larga lista de apariciones de famosos (en la voz) que pasan desde Michael Jackson hasta los Rolling Stones sin olvidar la presencia del El primer ministro de Gran Bretaña Tony Blair o la crea magos JK Rowling.

La película es un recordatorio de que los Simpsons no tienen nada más que probar, que en veinte años han creado por demás. La película es un placer antojadizo de sus creadores de demostrar en grande el mundo que se han creado alrededor de nosotros, haciendonos parte de ese mundo amarillo casi real…

Y llegado este punto entiendo algo que –afortunadamente, como sucede con los verdaderos y contados milagros– jamás entenderé del todo: Los Simpson han alcanzado esa cima donde sólo llegan los buenos de verdad. El sitial en el que –una vez abarcado el infierno grande del pueblo chico– se pudieron permitir la conquista del universo para, una vez agotado también éste, regresar sobre sus pasos y comentar y reírse ya de su propia (i)rrealidad tanto más sólida que unas cuantas realidades.

Un nuevo salto en la evolución humana o una forma de extinguirnos, plácidamente, frente al televisor o, ahora, la pantalla del cine. Ser abducidos y consumidos por aquello que tanto placer nos produce consumir. Sentados en una butaca o en ese sillón al final de los títulos de apertura. Desaparecer ahí adentro. Descubrir –parafraseando a Borges– que “El mundo será Springfield”.

Y que tal vez así y sólo así alcanzaremos la inmortal grandeza de estar tanto mejor dibujados y de tener y contar y reír con –ya saben cuál es– el mejor de los colores posibles.

Lea también:
Gente Amarilla.
Amor Amarillo (Rodrigo Fresan).
Lo que sé de los Simpsons (Conan O´Brien).

Transformers y el anhelo robotico

Crecer creyendo que la evolución robótica estaba muy próxima y que en nuestra primera decena de años ya podíamos pasearnos lado a lado de robots humanoides que hagan de nuestra vida mas fácil, supongo que fue el sueño mas próximo que teníamos todos en algún momento. Pero dicha revolución jamás llegaba y lo único que mantenía aquel sueño con vida, aunque sea solo en el imaginario, eran las series de televisión ochenteras donde un ente robotico además de cuidarnos se hacia parte de nuestra vida.

Capitán Futuro nos había marcado el camino al espacio, los planetas antes lejanos se podían casi palparlos, la revolución espacial había comenzado. Llegaron los Transformers como primera vida extraterrestre robótica, que se convirtió en una serie de vida. Ya mas jóvenes y medianamente maduros la pieza del puzzle u otra parte del sueño se añadía con Terminator, habíamos creado nuestros robots pero estos se habían revelado, aquel sueño utópico y la necesidad de robots estaba mantenida por, ahora, el cine. El tiempo avanzo nuestros robots mutaron con la tecnología digital, el espacio se lleno con Matrix y la second life a la inversa.

Entre lo primero y lo ultimo ha pasado casi un cuarto de nuestras vidas, siempre de mano con el anhelo de robarle pedazos al futuro, pero últimamente en ese propósito hemos quedado casi huérfanos de películas identificativas y aquella aproximación de los anhelos robóticas entre lo real y lo ficticio simplemente se mantiene retenida en el tiempo. Como sintiendo esa especie de huerfandad llega Michael Bay de la mano de un atemporaneo Spielberg, dos generaciones distintas que de seguro habrán vivido aquel anhelo utópico de sus robots y con cierta malicia nos recuerdan aquella época dorada donde los seres robóticas se paseaban entre nosotros.

Transformers, de Bay y Spielberg, nos han devuelto nuestros robots en pantalla grande con aquel mismo argumento de la serie ochentena donde para muchos de nosotros en si el argumento era lo menos importante. Un solo argumento y una línea inexcusable “salvar a la humanidad”, Michael Bay logra recordar el espíritu de Optimus Prime y los demás autobots, añadiéndoles un humor desconocido pero que encaja bien en aquella opera de destrucción, donde los robots gigantes nos regalan uno de los mejores espectáculos visuales vistos últimamente.

La película se niega a dejar cualquier mensaje y nos involucra a nosotros a seguir el juego, creándose al mejor blockbuster del año, cuyo único fin es el de entretener con un cóctel molotov de furia visual, de un espectáculo sonoro que juega en diversos niveles, frases heroicas de un héroe robotico inolvidable, destrucción a raudales por obra y gracia de gigantes mecanismos robóticas, lindos autos y dos protagonistas que se digieren sus papeles de manera creíble sin dejar de resaltar a la escultural de Megan Fox, actriz perfecta para el blockbuster perfecto.

Si bien Michael Bay y Steven Spielberg de generaciones dispares han logrado crearse una opera prima, han conseguido aun mas amalgamar nuestra infancia con nuestra madurez con una formula sencilla, meterse con nuestros recuerdos y permitirse crecer con ellos.

Vea Tambien:
Transformers (La Mieda Ocurre): Un analisis de la película en el sensacional comic de Javier.

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Gente Amarilla

Sobre Los Simpsons, la película, el marketing y demás parafernalia amarilla.


Homer Simpson y el gigante de Cerne Abbas.

La próxima llegada a la pantalla grande de Los Simpsons ha desbordado a su legión de seguidores a niveles de desesperación insospechados, aunque habrá que añadir que la agresiva campaña de marketing alrededor de la familia amarilla ha ayudado de sobremanera a crear un ambiente festivo y mas llevadero mientras esperamos el estreno de la película.

Pero lo que hay que resaltar es precisamente el Marketing que se ha hecho con tantos recursos como le ha sido posible para promocionar la película, hasta en las calles de La Paz se puede ver la famosa replica original de la familia predispuestos a tomarse fotos. Pasando al otro lado del charco hay que ver la gigante figura de Homer Simpson en calzoncillos haciéndole sombra al gigante de Cerne Abbas, que gracias a los blogs y a la polémica desatada en el Reino Unido la imagen se ha expandido como reguero de pólvora en el Internet.

Pero para conocer el verdadero impacto del marketing Simpson hay que ver Influenciad Marketing Blog, que linkea varios sitios que ha usado la película para promocionarla, además de enlazar también a las reacciones de estas promociones (galerías flick’rs de tiendas de todo el mundo con los banners de Kwik-E-Mart, por ejemplo) y una completa galeria los mas productos lanzados en honor a la familia amarilla.

Y como yo también me incluyo entre la legión de seguidores, he encontrado en este articulo el pretexto para escribir sobre ellos sin mas razón aparente y como también soy casi adicto a las referencias que nos regala la serie animada, me encuentro en Youtube esta divertida colección de referencias de los Simpson a Películas imprescindibles. En menos de 8 minutos verán un concentrado de guiños que nos llevan desde Orson Welles (Citizen Kane, War of the Worlds), hasta Stanley Kubrik (The Shinning, A Clockwork Orange, Psyco, 2001: A Space Odyssey, etc), pasando por el inevitable Alfred Hitchcock (Psyco, The Birds, etc) entre algunos otros (el doblaje al español es pésimo, pero sabrán entender) y este enlace (link Youtube) les lleva a uno de mis episodios completos favoritos en un especial de noche de brujas donde se hace una parodia al relato de Orson Welles y a la guerra de los mundos.


En video: Some references of movies in "The Simpsons". (Duración: 07:05)

Vea También:
The Simpsons as Philosophy (BBC News).
Parafraseando a lo Simpsons, sobre religión.
Actualidad Simpsons / Official Simpsons Marketing Partner Site.

I´m not here: 7 actores para Bob Dylan

I´m not here: 7 actores para Bob Dylan

Produce gran placer el hecho de que se retrate de una u otra forma la carrera de Bob Dylan, siempre lo hemos admirado y es más que sabido que en cada paso que ha dado nos ha dejado desconcertado, tanto así que le hemos denominado un rompecabezas de difícil solución.

¿A que vamos? a la nueva película sobre el master de las viseras urgentes, que de la mano y dirección de Todd Haynes (creador ya de Velvet Goldmine una biografía de David Bowie) y 7 Dylan’s distintos, se estrenara este año. El primer póster promocional desde ya es una joya que acompaña el apelativo de rompecabezas: de izquierda a derecha, a Richard Gere, Cate Blanchett, Christian Bale y Heath Ledger. Cuatro de los 7 Dylan’s que encarnaran al reciente ganador del premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El lanzamiento del Biopic será en Septiembre 21, mientras tanto el teaser póster y algunas imágenes de Cate Blanchett como Bob Dylan nos hacen mas tortuosa la espera. Espera que pueda ser mas llevadera mientras recordamos y vemos "No Direction Home" de Martin Scorsese:

“Ajado, desgastado, con sus largas uñas pintadas de negro y unas buenas greñas asomando bajo el sombrero de cowboy, Bob Dylan acabó 37 años después el concierto que se había dejado a medias en Newport en el 65. Entonces no le quedó otra que salir por patas ante el abucheo generalizado que se ganó por entonar los viejos ritmos de un buen sonido folk con una Fender bajo el brazo. Eran los años en que al tiempo que su música se volvía más eléctrica, las letras de sus canciones se alejaban definitivamente de los himnos-protesta con los que se había erigido voz de toda una generación. Una fuga hacia delante en su carrera que como muchas otras fue tachada de ser una concesión a no se sabe muy bien qué. El fin del Dylan contestatario, el aspecto del Dylan rockero, los insultos del Dylan borracho al comité Tom Payne, el comportamiento del Dylan autista tras su accidente…Todas, actitudes bajo sospecha en su momento, que al igual que ocurre hoy con el tema de su autobiografía, o el interés personal en el documental de Scorsese y en la película que Todd Haynes ultima sobre su vida, han sido acusadas de no ser propias del Dylan de antaño.

De esta última se sabe más bien poco, excepto que se titulara I´m not here y que en una desconcertante propuesta al Trovador de Minnesota le darán vida 7 actores distintos, entre los que se cuenta Cate Blanchett. Haynes tiene por delante la posibilidad de atrapar la esencia del gran renovador de la música moderna, algo realmente difícil porque como el propio Dylan afirma: Yo sólo soy Bob Dylan cuando tengo que ser Bob Dylan. La mayor parte del tiempo quiero ser yo mismo. Bob Dylan nunca piensa sobre Bob Dylan. Yo no pienso en mí mismo como Bob Dylan. Es como dijo Rimbaud: Yo soy el otro. Por eso, sin conocer muy bien lo que se trae entre manos Haynes, su biopic se adivina un artefacto que necesita al menos de 7 caras para ponerle rostro a una figura que desde aquel originario concierto de Newport no ha parado quieta y entender de paso las decisiones, a priori caprichosas, de una carrera siempre hacia arriba, en constante metamorfosis. Transformaciones tan complejas que se necesita de un mínimo de 37 años para empezar a asimilarlas en toda su magnitud. (7 actores para Bob Dylan).

Piratas Infames

Piratas Infames

“Que es mi barco mi tesoro, / que es mi dios la libertad, / mi ley, la fuerza y el viento, / mi única patria, la mar.” (Canción del pirata, José de Esponceda)

Un viento favorable sopló las velas piratas y nos volvemos a encontrar con las aventuras marinas del Capitán Sparrow y compañía. En esta película es difícil entrar en tecnisimos, la película es una invocación irremediable a nuestra infancia y a aquellas épocas donde las aventuras de piratas nos introducían a mundos imposibles. Por ello queda desechado de entrada cualquier análisis serio e imparcial.

Pocos días después de estrenarse la segunda parte de los piratas del caribe, quede igualmente impresionado al ver retratadas aquellas historias que solo alcanzamos armar en nuestra imaginación, por fin veíamos a barcos míticos, piratas malditos, tesoros estupendos y un cúmulo de historias comprimidas en una sola película donde las menciones desde ya nos removían los recuerdos. Pirates of the Caribbean: At World’s End no podía ser la excepción, y volvieron los piratas, los villanos, volvieron las espadas, los seres monstruosos y con ellos los recuerdos mas profundos a todas las historias de piratas y corsarios devoradas en horas de lecturas, series, películas incoloras y juegos de video.

Piratas del Caribe y su tercera parte, no es excelsa, puede contener mil y un errores de guión, pero quizás su fin no era ese, su objetivo era retrotraernos a las épocas del capitán Garfio, GuyBrush Threepwood, el Capitán Kidd o Blood. Salgari, Sabatini, Daniel Defoe, Verne, Lucas Arts y Borges entre otros, todos ellos juntos han vuelto disfrazados en una película de Disney, cambiándonos la cara de Errol Flynn por la de Johnny Depp.

Esta vez los piratas siguen siendo malos, buscan libertad para buscar tesoros, ser caza recompensas, hacerles la vida imposible a los españoles y a cuanto barco se cruce en el camino. Ganan los malos, la piratería sobrevive; el aprendiz de capitán Pirata logra su objetivo (de la mano de su in gentil Maestro) y se embarca a su infinito viaje por los siete mares; la cofradía de los señores piratas sobrevive (no sin antes deleitarnos al ver tanta mala gente alrededor de una mesa); Un pequeño lejano oeste salido de los Westerns se traslada al medio del mar en una pequeña isla y aquella melodía nos recuerda a un duelo entre el bueno y el malo multiplicado por tres; Recuerdos de aventuras repasadas que creíamos haber olvidado.

Por eso Piratas del caribe es una invocación a los recuerdos, donde eran posibles las aventuras, la fascinación por lo desconocido y se creía en la magia de las leyendas. Algo que quizás a muchos hijos putativos de la televisión no les agrade.

No Direction Home: Bob Dylan (Martin Scorsese)

“Dylan es tantos hombres que me pierdo. Apenas aprendido, te despista: el folksinger, el duro, el loco, el cuerdo, el francotirador de la autopista. El máster de las vísceras urgentes; el novio de la Virgen del Asombro que esconde una gillette entre los dientes cuando sale a cantar manga por hombro.” Joaquín Sabina.

Dylan es un rompecabezas, su vida desde un principio es una búsqueda constante de un hogar que jamás había conocido. Dylan había nacido en un lugar que no le correspondía y así empieza su odisea hacia un lugar en alguna parte, en cuyos caminos Dylan se reinventaría. Así resume Dylan su génesis en la primera escena del documental que lo retrata, en menos de un segundo suena Like Rolling Stone frente a una multitud, una Fender lo acompaña, mientras que mas de un Folk duro reniega de Dylan, su banda –The Band- y su sonido eléctrico.

Son los minutos iniciales de aquel documental de Martín Scorsese que retrata la vida de uno de los más importantes músicos y poetas. No hay duda que para Scorsese los documentales musicales son su fuerte y muy aparte de que las entrevistas, los conciertos y demás complementos audiovisuales de la película no hayan sido supervisados por el, logra armar con mucha maestría un delirante retrato sobre un Bob Dylan legendario que retrocede a sus orígenes. Y como complemento de todos los caminos recorridos por Dylan, Scorsese nos transporta también a toda una década que también evoluciona paralelamente a la evolución de Dylan en una casi biografía de los sesenta.

Pero por supuesto todas las menciones son para Dylan quien va narrando la historia, complementada con testimonios de gente que compartió y vivió la búsqueda. Joan Baez, Allan Ginsberg, Pete Seeger, Maria Muldaur y muchos otros hablan sobre la personalidad de Dylan, sobre las reacciones del público ante la transición de Dylan de lo acústico a las guitarras eléctricas, de las giras, etc. Al mismo tiempo, un extenso y muy bien editado material sirve de marco referencial para comprender por qué las canciones de Dylan golpearon tanto a la sociedad de su época y cómo vinieron a convertirse en emblemas y clásicos musicales.

Durante el metraje de la película, Scorsese vuelve una y otra vez sobre los conciertos en Inglaterra —y las reacciones a ellos— que la abren y cierran, por tratarse de un episodio dramático para la carrera de Dylan; la escisión entre la vocación íntima del folk y los sonidos del rock que ya había provocado los abucheos de sus seguidores en el Festival de Música folk de Newport, con amenazas de cortar los cables de las guitarras eléctricas incluidas.

En suma, tal como Dylan confiesa en su plática, No Direction Home es la bitácora de un “Ulises sometido a su Odisea expedicionaria”. De ahí el título robado al tema Like a Rolling Stone, que dice: “Like a rolling stone, with no direction home”. Una joya ineludible es la escena final, un momento mítico en un concierto en Inglaterra, que Scorsese la usa para terminar el documental, volviendo al “Like Rolling Stone”:

Dylan se prepara para cantar. Alguien del público le grita: "Judas!"
Dylan contesta muy tranquilo: "I don’t believe you".
Da la vuelta, toca unos acordes en su guitarra. Vuelve al micrófono y dice: "You’re a liar!"
Se voltea a los muchachos de The Band, y mirando a Robbie Robertson dice Dylan: "Play it fucking loud!"
Y arranca Like a Rolling Stone.


En Video: Bob Dylan “Judas” - Like Rolling Stone (Inglaterra, 1966)

Probablemente, sólo por este detalle, “No Direction Home” ingresa en la leyenda. Pero hay más detalles impagables, como los punteos de Robertson en “Baby, Let Me Follow You Down”, las respuestas en el órgano de Garth Hudson en cada línea de “Just Like Tom Thumb’s Blues” o “Ballad of a Thin Man”... Incluso los ataques de tontería de Dylan, que se defiende del acoso, y de las amenazas de muerte, mediante un sentido del humor absurdo, y cruel.

También ayudan las entrevistas con el propio Dylan, o con una Joan Baez que lo imita con una gracia especial, incluso en su preciosa interpretación de “Love Is a Four Letter Word” (atención a los extras). Y tal vez, sobre todo, el momento del discurso de Martín Luther King con Dylan entre sus privilegiados escoltas. En ese momento, que reengancha con el “Gettysburg Address” de Abraham Lincoln, y de este modo con canciones del Dylan como “Tears Of Rage”, uno comienza a comprender la distancia que tal vez desde el principio estaba latente entre Dylan y sus “compañeros de viaje”. En ese momento uno comienza a ver la dimensión protesta de Dylan como la de un moralista, abordando cuestiones de ética y de justicia elemental, como Dave Van Ronk parece percibir ahora. Dylan, en realidad Zimmerman, era un judío, no lo podemos olvidar, un trabajo a tiempo completo que nunca ha resultado fácil. Y en la lucha del movimiento de derechos civiles, él encontró una resonancia próxima que clarificó, a su esquiva manera, en esa canción fugitiva, “Blind Willie McTell”. (Atrapados en el blues de DYLAN, sin poder salir - Enrique Martínez)

El documental es una joya visual que de la mano del soundtrack se merecen pasar a un museo. En Bolivia el documental es casi inencontrable y jamás se proyecto en una sala de cine mucho menos, es por ello que quizás una recopilación que consta de 18 partes –incompletas por el momento- en Youtube, subtituladas al castellano, sean necesarias para aquel que se le haga poco mas que imposible encontrarlo. Aprovecho además para mandar, desde este ínfimo punto terráqueo un, Feliz Cumpleaños al maestro Bob Dylan.

En Youtube: Recopilación del documental No Direction Home: Bob Dylan de Martín Scorsese, dividida en 18 partes: Parte 1 / Parte 2 / Parte 3 / Parte 4 / Parte 5 / Parte 6 / Parte 7 / Parte 8 / Parte 9 / Parte 10 / Parte 11 / Parte 12 / Parte 13 / Mas…

En el Blog: Mas Bob Dylan’s…

Matar a la araña

Matar a la araña

Sam Raimi ha demostrado que se puede aplastar a la araña al tercer intento. La formula es hacer de un personaje oscuro un comediante callejero tonto disfrazado de negro y con un flequillo que viene a ser la marca del demonio.

Spiderman 3 tenía todo para ser una gran película, había venido con aire renovado. Después del chasco de su primera entrega, en su segunda parte (donde no puedo dejar de admirar a un villano favorito como el doctor Octopus) había una cierta mejora que hacia presumir que la regla era ir de menos a mas, la tercera parte venia con tres nuevos villanos que habrían bastado para articular una mediana buena historia, una millonada en producción y demás vainas, hacían guardar torpes esperanzas. Pero a Raimi le ha pesado la camiseta y ha hecho un desastre cinematográfico.

Sabiendo el desenlace, Raimi se hubiera ahorrado unos pesos llevando, en las primeras escenas, a Spiderman, el duende verde Jr. y a Sandman a terapia para que hablen (¿porque la gente no se sienta a hablar? Se solucionarían todos los problemas) y llanto y consuelos de pormedio el buen Arácnido se ahorraba un par de líos para abocarse de lleno a luchar con Venom. Porque el spider se “enreda” entre tanto villano como Raimi se enreda entre tanto guión disperso (Como toda película de comic se lo merece ahí aparece un desconocido mayordomo que se tienta a decir “Señor Bruno Díaz” pero recuerda que es otro Héroe), en vez de crear a un héroe oscuro redimido como en Batman Begins, la maldad de Raimi se ha reducido a crear un Jim Carrey en The Mask.

La película ha roto taquillas y ha recuperado en una semana el dineral que se ha gastado y si es que alguien tiene en mente hacer una cuarta parte habrá que invertir unos pocos dólares mas en mascaras del arácnido porque siempre parecen haber sido confeccionadas en china.

Añadan a Spiderman 3 a lista de héroes sacrificados.

300 y el inexistente fondo

300 y el inexistente fondo

Que el aliento épico de 300 no los confunda, el que pretenda encontrarse con una clase intensiva de historia se golpeara el pecho con un escudo espartano y despotricara a los dioses para que se lleven a Zack Snyder y compañía a los mismísimos infiernos dantescos y en el caso extremo de que ya muertito vea un nuevo amanecer rogaran por una carabina para que una fría bala le bese la sien.

La película no tiene fondo, el que haya visto la obra de Miller sabrá de lo que hablo (se ahorra fondos como exagera las siluetas), pero mas allá del fondo grafico, visual y demás tecnicismos, cualquiera se dará cuenta que tampoco tiene una trama de fondo (La reflexión sobre la gesta heroica es inexistente), a no ser la brevísima clase grafica de alguno de los capítulos de “el arte de la guerra” de Sun Tzu pero de ahí a rebuscar mas allá será complicado y mas de un erudito en historia se sentirá insultado en su inteligencia y conocimiento, son huecos que desde un principio la película jamás pretende llenar.

300 es un espectáculo visual que cuenta la historia narrada por Miller en su comic -de superhéroes con capas de superman y antifaces de acero- integrando ciertos toques narrativos necesarios para plasmarla al cine. La película gana y demasiado en los centenares de recursos visuales a lo largo de los combates, para que vuelen cabezas, se mutilen piernas y brazos; la cámara superlenta nos permite ver la batalla danzada entre lanzas y espadas.

La narración es épica, sin muchas pretensiones, mezclada con mucha adrenalina, valor y batallas, rescatando frases épicas salidas de libros de historia y muchas otras frases lapidarias salidas de la mente de Miller. Los efectos sonoros muy bien puestos y la banda sonora que se mezcla entre la música orquestal y guitarras rockeras es un aporte vital a la película. 300 es cine puro que jamás se aleja de su fuente, es una fiel adaptación donde Zack Snyder se permite darle algunos toques que encajan perfectamente a la historia. Un regalo extra son los créditos convertidos en viñeta.

Miller sabe lo que hace, siempre tenia en la mente a los 300 espartanos, el comic y por ende la película no es su primera aproximación, basta ver en Sin City - “The Big Fat Hill” y será fácil la comparación. Unas Termopilas transformadas en un callejón oscuro de Sin City donde, esta vez, su héroe sale vencedor y vivo.

300 con todas sus debilidades y con todas sus fortalezas, es una gran película, una gran adaptación de un comic, como ya lo haría Robert Rodríguez con Sin City, aunque no tan caótica, no tan oscura, pero igual de excelsa. Znyder ha dado un gran paso, Miller se ha ganado su tercer acierto (Sin City, Batman Begins y 300), toda una envidia para los traslados fallidos cinéfilos de los comics de Alan Moore.

Lea también: 300 de Frank Miller y la adaptación al cine (Trailer). // 300 The Movie:Facts and Fiction (The historical background of an epic movie). //  Los espartanos (Clase de historia para los que salieron sedientos de conocimiento).

BooMP3: La Orquesta de Mondragón – Lolita

Un melómano no se puede quedar de manos cruzadas al ver a Goear en estado de coma, y tiene que recorrer los más caminos informáticos para encontrarse una mediana herramienta que sirva para nuestros menesteres blogueros sonoros.

BooMp3 es una alternativa más que se suma al abanico de opciones de la Web 2.0, permitiendo compartir archivos musicales en formato mp3. Fácil de manejar, muy similar a los servicios de castpost y goear, donde lo archivos de sonido subidos se podrán integrar al blog mediante un código html, además de contar con una pagina similar al blog donde los comentarios están abiertos y el recurso RSS también están disponibles.

La Orquesta de Mondragón y Lolita

Si existe un grupo que haya podido autocalificarse de pionero en la fusión del rock y del teatro, ese es la Orquesta Mondragón de la mano del showman Javier Gurruchaga. La orquesta es un cocktail de géneros donde se entremezclan la música, shows, bromas, imitaciones, parodias, espectaculo, letras, teatro... que van marcadas al compás del rock, blues y Jazz.

Siempre he venerado a esta banda y los he mencionado siempre que me lo he permitido y es que escuchar a la Orquesta de Mondragón es mirar a Fellini, kubrik, toparse con Rambo o un montón de Freaks pasando en su circo; leer a Nabokov, Cervantes, Shakespeare, o las fábulas de Esopo; escuchar a The Doors, Lou Reed, Los Rolling Stones, Los Beatles, Bob Dylan…

Escucharlos es un verdadero viaje hacia terrenos fantásticos: “Viaje con nosotros / y podrá encontrar / atractivos monstruos / que le sonreirán. / Y disfrute del gusto que da / y disfrute de la amistad de sirenas / y de serpientes de mar. (…) Quien compra nuestro billete / compra la felicidad.” (Viaje con nosotros – Orquesta de Mondragón), un viaje que una vez iniciado es difícil dejar.

Una muestra sonora de la Orquesta, un retrato no autorizado a la Lolita de Nabokov.

En Audio: Orquesta de Mondragón – Lolita.

Orquesta de Mondragón: Lolita 

Llaman al timbre, salgo a mirar,
y abro la puerta y estas ahí,
dulce regalo que Satanás,
manda para mí.
Su asignatura que va a aprobar,
explíqueme otra vez la lección,
déme una clase particular,
señor profesor.
Lolita, me excitas,
perversa piel de melocotón,
Lolita, maldita,
de adolescente sin corazón.

Bajo la falda de colegial,
cruzas las piernas con intención,
y tu liguero me hace olvidar,
la lección.
Hoy no has venido
y había francés,
vas a arruinar mi reputación,
sobresaliente te puse ayer,
en pasión.

Lolita, me excitas...

Niña de fuego
con labios de mujer falta,
donde se entere de nuestros juegos
tu papá....

Visite también:
BooMP3: Upload & Share mp3.
Orquesta de Mondragón (Página oficial).
La Orquesta de Mondragón (Página oficial México).

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Gibson Through The Lens

Pocas cosas llevarían a relacionar a Elvis Presley, Bob Marley, John Lennon, Bob Dylan, Noel Gallagher, BB King, Eric Clapton, Tbone y otros prolíficos músicos. Una de las pocas cosas comunes entre ellos seria su guitarra, todos ellos han enfundado la legendaria Gibson.

No hay duda que mas de uno ha quedado encandilado ante las notas que sacan los héroes violeros a la mítica guitarra eléctrica, muchas generaciones se han rendido a sus pies desde 1936. Un recorrido por la historia de estas guitarras es lo que ofrece ‘Gibson Through the Lens’, una exposición que el 1 de marzo se inauguró en la Blink Gallery de Londres, donde estará durante tres semanas. París, Berlín, Nueva York y Los Ángeles son sus siguientes destinos. En la exposición pueden verse 50 imágenes singulares y vintage de artistas como Keith Richards, George Harrison, Jimmy Page, Jon Bon Jovi, Les Paul, Bob Dylan, Paul McCartney, Jimi Hendrix, Kurt Cobain, Jack White entre otros. Históricas instantáneas tomadas por algunos de los más importantes fotógrafos del rock como Jim Marshall o Neal Preston.

Un recopilatorio visual de los que Gibson al hombro escribieron la historia a plan de guitarras.

Vea También:
-Gibson Through The Lens Has Official Press and VIP Launch Party in London.

Escuche a algunos violeros y su Gibson:
-Podcast: Guitarras – Ángeles & Demonios.

La muerte de los superhéroes

La muerte de los superhéroes

"De madrugada informamos sobre un intento de asesinato de un ex superhéroe. Ahora podemos confirmar que la víctima es Steve Rogers, también conocido como Capitán América", señalaba hace poco mas de una semana una nota de prensa del sitio web de la Marvel, mientras el New York Times se hacia eco de la defunción de quien fuera el "centinela de la lucha por la libertad y los derechos". El héroe se niega a aceptar una ley antiterrorista, promulgada tras los atentados del 11-S, que obliga a las personas con superpoderes a inscribirse en un registro policial. Por ello es llevado a juicio y en el tramo, tres balas de un francotirador lo fulminan. En una escalinata, al pie de columnas de corte clásico, como Julio César, fallece el superhéroe más simbólico de Norteamérica…

La noticia recorrió el mundo en pocos minutos, la muerte de un superhéroe no puede ser para menos, pero habría que ver la otra muerte de aquellos que sin balas y sin guión previsto van muriendo a manos de directores y nefastas adaptaciones al cine. Lo dicho no es una afirmación tirada de los pelos, es una realidad latente en los últimos años donde la incompatibilidad entre Hollywood y los superhéroes de comics ha sido caótica, basta recordar por ejemplo a Alan Moore y las cuatro tormentosas películas hechas a partir de sus comics: “From Hell”, “La liga extraordinaria”, “Hellblazer” (Constantine) y “V de Vendetta”, las dos ultimas negadas de llevar en los créditos la firma de Moore tras el rotundo fracaso de las dos primeras.

De estas cuatro la muerte de los héroes o antihéroes va ligada con la simplificación que hacen para hacerlas comerciales y digeribles para el publico no conocedor del pasado en papel. El objetivo es tan directo que se hacen grandes omisiones, carencias narrativas pocas veces salvables, libertades tomadas de la historia original que terminan por matar la obra y a sus protagonistas. Me pregunto habrá algún no conocedor de la obra de Moore que después de ver “From Hell”, “La liga extraordinaria” o “Hellblazer” en el cine quiera conocer el comic, me imagino que nadie se aventurara a ver las raíces en papel de la película.

La liga extraordinaria, se convirtió en un adefesio con personajes radicalmente diferentes y sin nada de la transgresora malignidad original. Constantine –de Londres a los Angeles hay mucha distancia- es salvable por la estética y los efectos visuales en el cine, pero no pasa de ser una película mas hundida por la incoherencia narrativa y su carencia a nivel historia que dista mucho del comic, convirtiéndola en una mala, cuando no pésima, adaptación de la historieta original. “V de Vendetta”, quizás la mas sobresaliente de todas, salida a la pantalla grande en el momento justo donde el terrorismo es un tema diario, soportable para cualquiera que ande con cuestionamientos filosóficos, y la verdad me gusta, aunque el resultado cinematográfico dista mucho de parecerse al monumental canto a la libertad y la anarquía que era la obra original. La película suaviza la idea de la dictadura totalitarista y el ambiente oscuro del cómic. El romance inventado, un pecado imperdonable para los guionistas de cine.

Sin alejarnos de los comics de Alan Moore hemos matado al menos tres (anti) héroes y hemos dejado a uno agonizante, pero la lista -sin Alan Moore- continua y puede parecer interminable al recordar comics llevados a la pantalla grande como Daredevil, El fantasma, Elektra, Punisher, Batman & Robin (payasos de colores y senos), X-Men, Spiderman, Catwoman, Hulk, Los 4 fantásticos, el mismo Capitán América, Superman Returns (donde el director es capaz de hacernos olvidar nuestra infancia. “Superman no es un superhéroe, es DIOS. No tiene un poder, tiene TODOS los poderes”… es un mesías que ruega que le hagan una iglesia) y la ultima “joyita” el Motorista Fantasma donde, lastimosamente, Nicolas Cage decepciona.

Pero hay una regla que nos salva y con ella a algunos héroes, recordar a Batman Begins, nos hace olvidar algunas bazofias hechas a su nombre y nos lleva pasos atrás y le devuelve la verdadera esencia al hombre oscuro en una ciudad oscura, si Bob Kane la viera estoy seguro que al igual que yo diría que esta es la mejor película sobre Batman hecha hasta la fecha. Sin City de Frank Miller, una brutal adaptación al cine que se hace de todas las artes visuales, sonoras y narrativas y nos entrega una obra bien lograda que establece un nuevo estándar para los géneros contemporáneos de adaptación del cine negro y de las series de cómics. Viendo Sin City te das cuenta que Miller, Tarantino y Rodríguez dan una cátedra a Marvel y Hollywood de cómo hacer una película de un Comic. También salvemos al depresivo Hombre Araña en su segunda parte, a los hombres mutantes en su secuela X-Men 2 y al viejo Superman, entre las pocas rescatables, esperando que 300 sea otra de las salvables.

Con balas, criptonia o en manos de directores mediocres los superhéroes están en peligro de extinción, eso sin hilar mas fino y sin meternos en recovecos más profundos como la actualidad, la política, la sociedad y similares, donde los superhéroes son inexistentes condenados al ostracismo y de seguro no es por la pirateria.

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