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“I want my teen Spirit” (Quiero mi Espíritu del adolescente)

No es novedad que MTV ha entrado en los últimos años en una etapa de decadencia donde los programas bizarros, reality show’s insufribles, dibujos animados estúpidos, mensajes de texto por doquier, etc. han llenado espacios innecesarios, dejando la emisión de videoclips musicales reducida a su mínima expresión, punto que era el "alma máter" de la cadena musical. De la otra MTV, de contenido irreverente, animaciones que invitaban a la imaginación, la de vj’s legendarios que presentaban videoclips con información nutritiva y renovada, brutales especiales de bandas míticas, MTV Unplugged’s increíbles y Top’s que era ver y escuchar una delicia tras otra; de aquella otra MTV muy poco queda. Cuestión de tiempos, supongo.

Es muy valorable, por todas aquellas cosas perdidas de la cadena musical, que este detalle reconforta, puesto que MTV Music ha puesto on-line y a nuestra disposición todos y cada uno de los videos y contenidos que la MTV fue armando desde que fue creada en 1981. Detalle que se hace mas provechoso al poder verlos, votarlos, comentarlos y/o integrarlos (embeberlos) en blogs. Hasta ahora, la biblioteca tiene más de 16 mil videos entre los que se encuentran material exclusivo de la cadena como los famosos MTV unplugged, donde podemos reencontrarnos con joyas de Bob Dylan (y la irreconocible “Like a Rolling Stone), Nirvana (y la legendaria Unplugged in New York) o Robert Plant y Jimmy Page entre otros, es digno de mención; mas allá de la información complementaria que hace de MTV Music, uno de los mas valiosos y poderosos archivos musicales conocidos. Aun hay algunas restricciones para poder ver algunos videos fuera de Estados Unidos y videos imprecindibles que aun no estan en linea, pero como se informa cada dia se va actualizando la base de datos.

Pero si esto no bastara, MTV Music ha abierto también su API (Application Programming Interface) para que cualquier persona y/o desarrollador independiente, cree sus propias galerías de videos, aplicaciones para que puedan integrar este servicio en cualquier tipo de web (Facebook, MySpace, etc.). Servicio que de seguro encontrara buena acogida en los, como yo, melómanos incurables.

MTV en su era de esplendor, seria impulsora fundamental para la trascendencia internacional del grunge, reproduciendo de forma masiva el viral video “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana, del, por inercia, millonario álbum Nevermind. Muestra real, audible y visible de mejores épocas de MTV (Music Television). Dadas las limitaciones, aun el video no puede verse fuera de los Estados Unidos, pero otra muestra del genero es la canción Do the evolution, de Pearl Jam en épocas cuando las probabilidades de que Stone Gossard y compañía realizaran un video promocional eran pocas y de pronto se dan el lujo de colaborar con Todd McFarlane para introducir Do The Evolution en la programación de MTV sin necesidad de mostrar su rostro.

Vea en MTV Music: Do The Evolution – Pearl Jam.

Via: Crunchgear / Denken Über.

Las artes tradicionales siempre cuentan con una serie de obras representativas de cada área, que trascienden gustos personales o escuelas estilísticas. Ejemplos pueden ser La Gioconda en pintura, la 9ª Sinfonía en música o El Quijote en literatura. Incluso el cine tiene su Ciudadano Kane, pero, ¿que ocurre con el cómic, el arte secuencial?. Aunque existe un puñado de obras clasificadas como clásicos imprescindibles (Little Nemo, Las aventuras de Tintín o Akira), ni siquiera todos los críticos tienen una postura unánima en cuanto a la trascendencia de las mismas. El arte del comic aún no posee mitos, siendo casi tan antiguo como el propio cine. Las razones, que pueden ser por su escasa formalización, su heterogeneidad o su nefasta imagen popular (…)

Desde esa introducción, Yeray-Muad’dib, en su enriquecedor articulo sobre Watchmen, nos cuestiona y nos propone, inconcientemente talvez, un ejercicio para descubrir una serie de obras representativas del comic, en ese intento hace su ejercicio personal y propone a Watchmen como una de las obras o quizás la obra mas representativa del noveno arte: “Sin embargo, si fuésemos a buscar una obra que, en mayor o menor medida, sea clasificada como genial por cualquier crítico que la conozca, ya sea un fanático del cómic norteamericano, europeo u oriental, ésta podría ser Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons, publicado a mediados de los 80 por la editorial DC Comics."

En ese contexto y dadas las circunstancias en las que en este momento se encuentran tres obras fundamentales del comic por su inevitable llegada a la gran pantalla, me doy un gusto personal de hacer una reseña superficial de ellas, creando el nexo entre la obra en su estado de arte básico (léase comic) con la obra resultante en otro tipo de arte (léase cine).

Watchmen

"Mira, yo era un superhéroe." (Noel Gallagher)

Nacida a mediados de los años 80 en una época donde los comics de superhéroes tropezaban con las mismas fuentes argumentales, era el comic independiente quien llenaba espacios que hasta ese tiempo habían sido un tabú en aquel subproducto del sensacionalismo periodístico finisecular. Ahí teníamos por ejemplo a Frank Miller y su "Dark Knight Returns" o “Watchmen” de Alan Moore, dos ejemplos de la vasta referencia de cómics que marcaron una época y que dieron paso a una visión del cómic de superhéroes más adulta y real, más acorde con los tiempos. Fue precisamente esta ultima, Watchmen nacida en octubre de 1986 del cerebro de Alan Moore y los dibujos de Dave Gibbons la que se convierte en el cómic que sacudió los cimientos de la industria y revoluciono los cánones que hasta ese año permanecían para los comics de superhéroes, generando un nuevo modo de entender los comics, de construirlos, y lo hace partiendo del interior del mainstream y sus iconos más representativos: los superhéroes; del mismo que Cervantes re-creaba la novela desde su vertiente más “comercial” la de los caballeros andantes. Nótese entonces que Watchmen es un parte aguas entre lo que se conocía y lo que se gestaba.

Ahora a Watchmen le espera el salto mortal al Séptimo Arte, una labor que viene esperando muchos años, desde 1986 cuando productores como Joel Silver, directores como Terry Gilliam o Paul Greengrass, y actores como Richard Gere, Tom Cruise, Jamie Lee Curtis o Jude Law han estado relacionados en el desarrollo de la adaptación a la pantalla grande y como si de una maldición se tratara se ha ido quedando en solo en proyectos.

En absoluto secreto, rodando en hangares y calles de Vancouver (Canadá) que recrean una New York abocada al Apocalipsis, sin muchas alharacas, Zack Snyder (responsable de llevar dirigir la adaptación del comic 300 de Frank Miller al cine) afronta uno de los retos más complejos del arte del siglo XXI. Alan Moore le ha dado la espalda al proyecto (una vez más) y la ha maldecido, mientras que Dave Gibbons espera con ansias el resultado final. Terry Gilliam, el único director que contaba con el apoyo de Moore, había dicho años atrás que la novela era imposible de llevar a la pantalla a causa de su complejidad, creo que el que haya leído el comic estará de acuerdo en que no basta una película para hacerle justicia a Watchmen que desde ya es un proyecto arriesgado por la complejidad de las historias paralelas, los números centrados en un único personaje, los juegos temporales e innumerables subtramas que solo plasmados en un comic (dadas una serie de recursos difícilmente transferibles) pueden ser traducibles.

Aun así, con un frió que recorre la columna, ando esperando el estreno de Watchmen la película, esperando que se mantenga el fondo mas que la forma. Porque Watchmen no es 300 -ojo que 300 y Sin City son, a mi parecer, las más rescatables adaptaciones del comic a la pantalla grande- y el gran valor de Watchmen se encuentra en la historia y esperemos que eso sea lo que menos se sacrifique, caso contrario Watchmen, la pelicula, pasara a formar parte del cementerio de superheroes caidos en su traspaso al cine.

The Spirit

¿Quién es este hombre vestido de azul, fuerte como un buey, duro como el cuero crudo, incorruptible, fuera de la ley? Es... ¡The Spirit!"

Mítica obra del fallecido Will Eisner, uno de los grandes maestros del cómic. Los amantes del cómic bautizaron a Spirit "El ciudadano Kane" de la historieta, por su innovación, su seriedad y su influencia. La primera entrega apareció en junio de 1940, como parte de una sección de historietas que él había estado produciendo un año antes como un adicional para los diarios del domingo. Tenía como atractivo a un detective, Denny Colt, que en la tercera página es asesinado. O eso parecía, al menos.

Resultó ser que Colt no estaba muerto exactamente. Vuelve a nacer bajo la forma de un hombre de traje azul y máscara y guantes azules, Spirit. Tal como Bob Andelman, el autor de la biografía "Will Eisner: a spirited life", describe al héroe de la historieta, "él era el protector de la ciudadanía y de las chicas lindas en particular". Lo que lo hizo único fue su falta de superpoderes. No podía ver a través de la ropa, no podía volar y ni siquiera era brillante. Spirit, heredero directo de los mejores héroes pulp y el cine negro detectivesco presentaba aventuras entretenidas, aunque con una narrativa audaz y madura, apuntó al publico adulto pero accesible a los niños, tomando en cuenta que era 1940 la idea de presentar un héroe con sus conflictos personales estaba lejos de los argumentos.

En Spirit, Will Eisner desplegó una serie de técnicas narrativas, muchas de ellas inspiradas en el cine, que mostraban el tremendo potencial del cómic como género literario. El uso de las sombras del que hacía gala Eisner, la tremenda elegancia con que elegía el plano adecuado para cada viñeta, las sorprendentes composiciones de página y otras detalles como la inserción del título del comic con el dibujo son sólo algunas de las cosas que destaca en The Spirit.

Spirit por Frank Miller: Luego del éxito obtenido por las adaptaciones cinematográficas de sus novelas graficas “300” y “Sin City”. Frank Miller, el legendario artista de comic, se interna de lleno a Hollywood en su adaptación al cine, del comic, Spirit, la obra cumbre del mentor del mismo Miller, Will Eisner.

Hemos echado rosas a las adaptaciones de las obras de Frank Miller -300 y Sin City- a la pantalla grande, y aunque Miller ha colaborado en la dirección de Sin City a Robert Rodríguez y ha apoyado a Zack Snyder en su 300, esta es la primera película en la que Frank Miller ha escrito el guión y dirige en solitario una película. Conocemos los gustos de Miller y no habrá que dudar que se dará algunas licencias distando de la historia original del comic para darle un rostro más estilizado, arriesgado y adulto a Spirit. Un Spirit según un Miller abocado a la narración de un inconfundible estilo Noir, extremadamente grafico y con altas cuotas de violencia implícita. Un artista avezado en el manejo sublime de los claroscuros, Miller se ha destacado en su carrera por trazos intensos que definen viñetas con las más peligrosas y sensuales mujeres de tinta china en la historia del comic. La mujer fatal es una rubrica en el estilo de Frank, y por dicho motivo ha reunido un casting con las más sexy´s y provocativas estrellas de Hollywood - Scarlett Johansson, Eva Méndez, Sarah Paulson, Paz Vega, Stana Katic-. Las mujeres fatales regresan a la pantalla grande.

Viendo el trailer, no se puede dejar de compararlo con Sin City, espero no sea un pecado. Las licencias que se toma Miller se empiezan a notar al verlo abusar de las sombras y parecerlo a Sin City, y obviar algunos detalles que hacen a Spirit en el comic. Habrá que esperar hasta diciembre y ver la obra final, mientras tanto el regreso al cine negro y a las mujeres fatales es bastante tentador.

Dear Mr. Watterson

El 31 de diciembre de 1995 los periódicos de medio mundo publicaban con gran fanfarria la última tira cómica de Calvin y Hobbes, creada diez años antes por Bill Watterson (Washington DC, 1958), en aquel entonces un frustrado publicista que se entretenía dibujando tiras sobre, entre otras cosas, un niño hiperactivo, Calvin, y su compañero de juegos, Hobbes, un tigre bastante sosegado. El resto es historia.

Calvin y Hobbes es una tira cómica escrita y dibujada por Bill Watterson que relata, en clave de humor, las peripecias de Calvin, un imaginativo niño de 6 años, y Hobbes, su enérgico y sarcástico, aunque algo pomposo, tigre. Realizada entre 1985 y 1996, Calvin y Hobbes está considerada unánimemente como una de las mejores y más imaginativas tiras de prensa de la historia. Se ha llegado a publicar en 1800 periódicos alrededor del mundo, y ha llegado a ser la cuarta tira más extendida en Estados Unidos -el país por excelencia de las tiras de prensa-, después de Peanuts (conocida en España como Carlitos y Snoopy), Garfield y Blondie. Además, Bill Watterson ganó por Calvin y Hobbes por dos años casi consecutivos (en las ediciones de 1986 y 1988) el prestigioso Premio Reuben de la National Cartoonist Society, el galardón más importante en EEUU dentro del dentro del campo de las tiras de prensa y que casi nadie ha conseguido recibir más de una vez.

De mi parte hay poco que aportar de esta tira, es una de mis preferidas y el que siga las paginas de este blog se dará cuenta a lo que me refiero, es una tentación constante reencontrarme con el comic cada vez que puedo, un comic que refresca el alma mas allá de considerarlo una de las tiras cómicas más importantes de la historia del comic. Quien quiera ir más allá de la tira, descubrirá que Watterson es un personaje tan interesante como su obra y es quizás por ello que un par de fans se ha dado a la tarea de realizar un documental sobre el creador de Calvin & Hobbes y que pretender ver una película basada en los personajes será poco mas que imposible al Watterson oponerse denodadamente a ceder los derechos de sus criaturas. Es decir que se resignó a no ganar cientos y cientos de millones de dólares para no convertir a sus personajes en un objeto de consumo más.

Dear Mr. Watterson es un documental que pretende servir de homenaje a Bill Watterson, el creador de los míticos Calvin & Hobbes, una de las series de tiras que mejor ha sabido reflejar la infancia, los proyectos y las obsesiones de cuando somos niños y la importancia de la imaginación en nuestras vidas. Para hacer posible Dear Mr. Watterson, sus creadores han echado mano de amigos, colegas y lectores de las historietas creadas por el autor. La idea es crear un puzzle poliédrico que sirva para dar algo de luz sobre el “señor Watterson”.

El vacío que dejó Watterson cuando se retiró en 1995 es aún muy grande. Han pasado más de diez años desde que Calvin & Hobbes se quedaran mudos para siempre y, poco a poco, el culto hacia sus historietas ha ido creciendo. Sus tiras puede leerse una y otra vez y siempre son fascinantes.

La idea de los creadores del film, que está aún en proceso de preparación, es la siguiente:

Esta película no va sólo de Bill Watterson o de Calvin & Hobbes. Lo que deseamos es capturar la increíble influencia que ha tenido la obra en gente de todo el mundo. (...) Verdaderamente, hay un gran número de personas inspiradas por el mundo mágico de Mr. Watterson. Si eres uno de ellos, queremos saber de ti. Hay varias maneras en las que puedes participar o incluso salir en la película.

De momento, los creadores del film han creado una pagina web, formado un grupo en Facebook y anuncian presencia en MySpace y Youtube en breve. Lo que ya tienen es un teaser trailer.

Lea Tambien: La muerte de los superhéroes.

Han pasado ya unos meses desde la trágica muerte de Heath Ledger y hasta ahora me atrevo a escribir sobre aquello y una frase que al poner en paralelo con las circunstancias extrañas en las que termino su vida puede que suene hasta ominoso.

La imagen de Heath Ledger interpretando el icónico papel de The Joker -el antagonista principal del Señor de la Noche- se llena de simbolismo por si solo y se presta a la doble lectura constante con cada imagen que se nos aparece. Ya de porsi el cambio innegable del personaje que se aleja por mucho del caricaturesco demonio vestido de travestí Joker interpretado por Jack Nicholson hasta tomar un papel que se parece mas al Joker de Alan Moore (The Killing Joke); Loco, asesino esquizofrénico, paranoico sadomasoquista, psicópata, bestial y violento nacido quizás de un poema de Rimbaud. El Joker de Heath es quizás el Némesis personificado perfecto de Batman, ya que si Batman lleva consigo esa oscuridad para poder moverse y pensar como los monstruos a los que caza, el Guasón es el monstruo en sí.

Why so serious? Parece ser la frase escalofriante que se repite en cada póster de la película The Dark Night, generalmente en ellas aparece la figura de Ledger personificando al Joker una de ellas con esa cara que parece haberse lavado con un cóctel de ácido y sangre, y otra con una figura fantasmal con cráneo de fosas oculares despobladas; ambos póster presentan al Joker dibujando la pregunta ¿Por qué tan serio? Cuestionándonos – ahora Ledger- por nuestro asombro ante su muerte, sin dejar de lado ese humor sádico y macabro de Joker.

Consciente o no de ello, Ledger será recordado y sometido a una especie de maldición en la figura del Joker.

Tras estas conjeturas y muchas mas que nacerán al ver la película- que de seguro tendrá como papel principal a Ledger y al Joker (como en The Killing Joke)- he acá él ultimo trailer de la película por venir. Un aperitivo y una mirada al emisario de la muerte envuelto en maquillaje.

En Video: Trailer 2 The Dark Night.

Vea Tambien: Why so serious?

Sin la más mínima intención de hacer una apología a la masacre o alimentar el morbo, Fincher nos llega con una nueva película basada en asesinos seriales, sub género que le deber mucho a su obra. Con sus casi tres horas de duración, Zodiac resulta ser una película mas liviana que Seven -cansina por momentos para el que busca violencia gratuita y finales sublimes- basada en la historia real de aquellos crímenes en serie sin resolver mas intrigantes de la historia del que se hacía llamar Zodíaco y que enviaba cartas a los periódicos jactándose de los asesinatos que cometía además de mandar mensajes encriptados retando a la policía en una investigación que duró tres décadas.

Zodiac cuenta con todo lo necesario para considerarla una obra de arte cinematográfica del subgenero, con asesinos seriales, policías, mensajes encriptados, investigaciones y en lo que quizás más realce se pone, la obsesión ante el miedo de tres seres disímiles. Si bien Fincher, que supo convertir al asesino de Seven en una criatura aterradora, pinta al criminal de Zodiac como un simple ser humano, más próximo al ridículo que a la Maldad con mayúsculas. Este asesino es apenas el catalizador, el McGuffin que nos introduce a las historias de tres personajes muy distintos: el periodista Paul Avery (Robert Downey Jr.), el policía Dave Toschi (Mark Ruffalo) y el caricaturista metido a investigador Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), que más allá de sus diferencias se ven hermanados por la obsesión común. Para Avery, el Zodíaco es una oportunidad de ocupar el centro de la escena: el periodista que en realidad desea ser protagonista de la noticia. Toschi, el policía que sirvió como inspiración a Steve McQueen para la creación de Bullitt, siente que la resolución del caso podría convertirlo en una figura más parecida al detective del cine. En cambio Graysmith, que es apenas un dibujante político y por lo tanto está ajeno a la cocina de la investigación, se obsesiona con el criminal por las mismas razones que el común de los mortales: porque le tiene miedo, porque teme convertirse en una víctima más, porque tiembla ante la posibilidad de que ataque a los suyos..

Como Avery y Toschi antes que él, Graysmith se distancia de su propia vida para perderse en los senderos de la obsesión. En algún sentido se parece al Roy Neary de Encuentros cercanos del tercer tipo: un hombre común a quien el azar enfrenta a lo inefable, un cruce del que ya nunca regresan; tanto Graysmith como Neary se dejan devorar por la intuición de una verdad más grande que sus propias vidas. En el caso de Neary, la existencia de los extraterrestres le sugiere la posibilidad de lo divino.

Para Graysmith, en cambio, ese miedo informe, que todo lo contamina y que todo lo transforma, es algo a lo que debe imponerse para seguir viviendo. Cuando su esposa le pregunta por qué se empeña en seguir investigando, Graysmith le dice que necesita ver al asesino a los ojos. Lo suyo no es una valentía hollywoodense, sino la certeza de que sólo esa evaluación –la de comprobar que el asesino es un ser humano como él, y por ende igualmente frágil y finito- puede devolverle el control sobre su vida.

En este tiempo tan rico en miedos informes (el terrorismo, la inseguridad, la inmigración, la posibilidad de una hecatombe económica), Zodiac sostiene que hay forma de imponerse a ese anquilosamiento, pero no disimula que la salvación entraña un trabajo casi inhumano y una concentración lindante con la obsesión, virtudes que no abundan en sociedades que predican la indolencia.

He aquí otra joya en la carrera de Fincher.

En Video: Otra de las columnas fundamentales de Zodiac, además de la trama, el argumento y el suspenso creado, se posa en sus efectos visuales generados por computadora (CGI) que pueden parecer escasos e incluso inexistentes. Gracias a Digital Domain, Fincher se ha anotado otro punto ambientando de manera increíble la sociedad de los 70’s.

“All I can do is be me. Whoever that is” (Bob Dylan)

Algo me ocurre siempre que vuelvo a oír Like a Rolling Stone, cada vez me doy cuenta que es una maldita canción que te hace sorprender como si la escucharas por primera vez. Es imposible creer que alguien la haya escrito y la haya cantado en 1965. No me es raro entonces que sea la primera canción que se oiga en el Teaser Trailer de “I’m Not There” mientras emerge la figura de Cate Blanchett encarnando al Bob Dylan de cuero y guitarra eléctrica. El resto de las imágenes son solo un placer donde Christian Bale, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin, Richard Gere y Ben Whishaw son el mítico Bob Dylan.

Excelente.

Traducción: "Inspirada una historia: real/falsa/autentica/exagerada/imaginaria (…) del mayor: Artista/agitador/poeta/luchador/genio/radical de su tiempo."
En video: Teaser Trailer “I’m Not There” - Duracion 1:02.

Vea También:
I’m not here: 7 actores para Bob Dylan.
No Direction Home: Bob Dylan (Martin Scorsese).

“Marge, los dibujos animados no tienen ningún significado profundo. No son otra cosa que estúpidas caricaturas que te producen alguna que otra risa tonta” (Homero Simpsons, Episodio 8F01 “Mr. Lisa Goes to Washington”)

Han pasado poco más de 18 años para ver a la familia amarilla preferida pasar de la televisión a la pantalla grande y con su llegada han recaído sobre el film las más diversas críticas, entre las que les favorecen y las que pronostican el fin de una linda era.

Es difícil opinar sobre la película, quien la haya visto no sabrá si es un versión larga de un capitulo televisivo o una serie de varios capítulos (como el “quien mato al Señor Burns”) unida como una sola (no les parezca raro entonces ver el “esta historia continuara…” en la primera parte de la película). El film solo llega a eso, es un capitulo largo que no nos muestra nada nuevo, tanto así que entonces tenemos al mismo Homero cuestionándose su visita al cine en su primera aparición. Pero bueno, que mas se les puede pedir a los Simpsons si en estos veinte años prácticamente se han creado todo, desde su familia disfuncional, hasta un ciudad entera que si bien es ficción no deja de ser parte de este mundo con cada uno de sus habitantes reconocibles. Y es que los Simpsons han pasado de ser el arquetipo de la familia estadounidense hasta casi universalizarse, logrando identificarse con el tiempo con la vida de cualquier familia del mundo con preferencia occidental.

Ya lo dice entonces Fresán y su amor amarillo: Y ahora llega el momento de The Movie, que en principio se pensó que sería una versión expanded del genial episodio del Kamp Krusty. Pero no. Parece –luego de descartar un plot en el que la familia descubría, como en The Truman Show, que eran celebridades televisivas– que la cosa viene en plan catástrofe ambiental.

En realidad qué importa (y la dificultad de una película de Los Simpson es, a escala, la misma de escribir una nota sobre Los Simpson: ¿qué dejar afuera? Hay tanto para mencionar y recordar...).

Porque como bien dijo Matt Groening: “La gente no decide ver Los Simpson porque trate de esto o aquello. La gente ve a Los Simpson porque trata sobre los Simpson”.

Y, sí, The Simpson –la película– trata, seguro, exactamente de eso. Y todos felices. Muy.

Y entonces Fresán libera su mente y hace un recordatorio de aquellos gloriosos momentos Simpsons, porque al fin y al cabo los Simpsons no son solo la película hecha en año y medio, sino esos 20 años que se recuerdan con tanta avidez. Por lo mismo, vale recordar también esos cuantos criterios que siempre nos toca analizarlos en las charlas simpsonianas que tan bien tocan, con dosis de parodia e ironía, la familia amarilla, que no dejan de sorprendernos y que nos regalan esa excusa para, aun en mas de 20 años poder seguir viéndolos como si fuera la primera vez:

En filosofía se revelan verdades acerca de la naturaleza humana pero además de reflexionar sobre ellas también juega con ideas filosóficas creándose así su propia filosofía. El mundo satírico de la caricatura es esencialmente filosófico porque para trabajar necesita reflejar realidad exactamente abstrayéndolo, destilándola y luego presentándonosla de forma más simple y brillante sus posturas filosóficas de la realidad. Por eso es que no es coincidencia que el producto más penetrante y filosófico y cultural de nuestro tiempo es una caricatura cómica, y por qué su creador, Matt Groening, es el heredero verdadero de Platón, Aristóteles y Kant. (The Simpsons and Philosophy)

"Y nunca nos olvidaremos de ese ser que vino a traernos amor, murió y volvió a la vida... te recordaremos siempre E.T." (Reverendo Alegría)

La religión es un tema prioritario y hasta mas de uno se ha animado a afirmar que la serie tiene cierta tendencia religiosa, y no es que pretenda difundir el evangelio según Jesucristo sino lo hace desde una visión muy particular donde la critica pero no deja de desconectarse de ella usándola como ultimo recurso: "El dios de Homero es una mezcla de mesías y superhéroe, extremadamente mundano, útil para cuestiones prácticas pero olvidado una vez que pasó lo peor de una crisis".

En muchos episodios, Homero reza: "Tú que estás allá en las alturas, por favor, sálvame Superman"; "Mahoma, Buda, Jesucristo... ¡¡¡ los quiero a todos, sálvenme!!!"; "Dios es mi personaje de ficción favorito" (Mientras mira película bíblica). Tenemos entonces que su fe no es bíblica sino mágico-religiosa. Dios es como un paracaídas que esperan NO UTILIZAR nunca, pero saben que está ahí. Una vez que han superado la crisis todo pensamiento sobre Dios se esfuma". Como se ve, aquí el pragmatismo y utilitarismo calculador es más que evidente. Otra joya simpsoniana.

En política la critica es quizás mas acida, en un país donde la critica al estado de gobierno no es vetada pero si controlada en diversos niveles, los simpsons cada tanto critican la forma de dirigir la nación departe de sus gobernantes con una gran capacidad irónica. Un ejemplo claro es el capitulo donde los Simpsons aseguran que la guerra en Irak es injusta un tema tan delicado que muy pocos se animan a tocar o cuando Homer menciona: “Cada año la brecha entre países ricos y pobres se hace mas grande pero el FMI insiste en calendarios de pago de deuda poco realistas, ¿Porqué Estados Unidos debe utilizar el 90 % de los recursos del mundo?, Argentina debe devaluar su moneda para pagar sus deudas!" (Video Youtube) una clara crítica al FMI, además de estas también se critica a la política migratoria, las bodas gays, temas tan sensibles que se manejan con tanta naturalidad en la serie que invitan a la reflexión.

“Ahora con Internet los niños se te educan solos…” (Homero)

Pero no solo reflexionan sobre esos temas sino la critica llega hacia la cultura popular y los medios; muy divertido tomando en cuenta que ellos son el producto de la cultura de masas.

En algún momento George Meyer, uno de los guionistas del programa, interrogado por la revista New Yorker acerca del mensaje del programa, dijo de forma breve y contundente: "Cuestionar la autoridad", ahí entonces tenemos la formula de su éxito, la autoridad convertida en religión, política, medios y un largo etcétera.

Dejándonos de tanto análisis también hay que hacer lo que hace Fresan, recordar sin mas remedio esos instantes Simpsons que permanecen en la retina, personalmente muero por sus noches de brujas donde todo es posible (Viajes en el tiempo, Ciencia ficción al limite, Muertes Sangrientas, Freaks de Feria, etc) y donde además podemos darnos el gusto de ver decenas de micropelículas. Otra joya de la que no me olvido es el campamento de Rock o la colección Beatle de Flanders, los inicios de Homer en la Internet, la saga del asesino psicótico Bob Patiño, las burdas apariciones del dueño de la tienda de comics, los viajes de la familia (Brasil, China, Inglaterra, etc), la elección de Homero entre ser Inteligente o ser torpe, sin dejar de lado la larga lista de apariciones de famosos (en la voz) que pasan desde Michael Jackson hasta los Rolling Stones sin olvidar la presencia del El primer ministro de Gran Bretaña Tony Blair o la crea magos JK Rowling.

La película es un recordatorio de que los Simpsons no tienen nada más que probar, que en veinte años han creado por demás. La película es un placer antojadizo de sus creadores de demostrar en grande el mundo que se han creado alrededor de nosotros, haciendonos parte de ese mundo amarillo casi real…

Y llegado este punto entiendo algo que –afortunadamente, como sucede con los verdaderos y contados milagros– jamás entenderé del todo: Los Simpson han alcanzado esa cima donde sólo llegan los buenos de verdad. El sitial en el que –una vez abarcado el infierno grande del pueblo chico– se pudieron permitir la conquista del universo para, una vez agotado también éste, regresar sobre sus pasos y comentar y reírse ya de su propia (i)rrealidad tanto más sólida que unas cuantas realidades.

Un nuevo salto en la evolución humana o una forma de extinguirnos, plácidamente, frente al televisor o, ahora, la pantalla del cine. Ser abducidos y consumidos por aquello que tanto placer nos produce consumir. Sentados en una butaca o en ese sillón al final de los títulos de apertura. Desaparecer ahí adentro. Descubrir –parafraseando a Borges– que “El mundo será Springfield”.

Y que tal vez así y sólo así alcanzaremos la inmortal grandeza de estar tanto mejor dibujados y de tener y contar y reír con –ya saben cuál es– el mejor de los colores posibles.

Lea también:
Gente Amarilla.
Amor Amarillo (Rodrigo Fresan).
Lo que sé de los Simpsons (Conan O´Brien).

Crecer creyendo que la evolución robótica estaba muy próxima y que en nuestra primera decena de años ya podíamos pasearnos lado a lado de robots humanoides que hagan de nuestra vida mas fácil, supongo que fue el sueño mas próximo que teníamos todos en algún momento. Pero dicha revolución jamás llegaba y lo único que mantenía aquel sueño con vida, aunque sea solo en el imaginario, eran las series de televisión ochenteras donde un ente robotico además de cuidarnos se hacia parte de nuestra vida.

Capitán Futuro nos había marcado el camino al espacio, los planetas antes lejanos se podían casi palparlos, la revolución espacial había comenzado. Llegaron los Transformers como primera vida extraterrestre robótica, que se convirtió en una serie de vida. Ya mas jóvenes y medianamente maduros la pieza del puzzle u otra parte del sueño se añadía con Terminator, habíamos creado nuestros robots pero estos se habían revelado, aquel sueño utópico y la necesidad de robots estaba mantenida por, ahora, el cine. El tiempo avanzo nuestros robots mutaron con la tecnología digital, el espacio se lleno con Matrix y la second life a la inversa.

Entre lo primero y lo ultimo ha pasado casi un cuarto de nuestras vidas, siempre de mano con el anhelo de robarle pedazos al futuro, pero últimamente en ese propósito hemos quedado casi huérfanos de películas identificativas y aquella aproximación de los anhelos robóticas entre lo real y lo ficticio simplemente se mantiene retenida en el tiempo. Como sintiendo esa especie de huerfandad llega Michael Bay de la mano de un atemporaneo Spielberg, dos generaciones distintas que de seguro habrán vivido aquel anhelo utópico de sus robots y con cierta malicia nos recuerdan aquella época dorada donde los seres robóticas se paseaban entre nosotros.

Transformers, de Bay y Spielberg, nos han devuelto nuestros robots en pantalla grande con aquel mismo argumento de la serie ochentena donde para muchos de nosotros en si el argumento era lo menos importante. Un solo argumento y una línea inexcusable “salvar a la humanidad”, Michael Bay logra recordar el espíritu de Optimus Prime y los demás autobots, añadiéndoles un humor desconocido pero que encaja bien en aquella opera de destrucción, donde los robots gigantes nos regalan uno de los mejores espectáculos visuales vistos últimamente.

La película se niega a dejar cualquier mensaje y nos involucra a nosotros a seguir el juego, creándose al mejor blockbuster del año, cuyo único fin es el de entretener con un cóctel molotov de furia visual, de un espectáculo sonoro que juega en diversos niveles, frases heroicas de un héroe robotico inolvidable, destrucción a raudales por obra y gracia de gigantes mecanismos robóticas, lindos autos y dos protagonistas que se digieren sus papeles de manera creíble sin dejar de resaltar a la escultural de Megan Fox, actriz perfecta para el blockbuster perfecto.

Si bien Michael Bay y Steven Spielberg de generaciones dispares han logrado crearse una opera prima, han conseguido aun mas amalgamar nuestra infancia con nuestra madurez con una formula sencilla, meterse con nuestros recuerdos y permitirse crecer con ellos.

Vea Tambien:
Transformers (La Mieda Ocurre): Un analisis de la película en el sensacional comic de Javier.

Sobre Los Simpsons, la película, el marketing y demás parafernalia amarilla.

Homer Simpson y el gigante de Cerne Abbas.

La próxima llegada a la pantalla grande de Los Simpsons ha desbordado a su legión de seguidores a niveles de desesperación insospechados, aunque habrá que añadir que la agresiva campaña de marketing alrededor de la familia amarilla ha ayudado de sobremanera a crear un ambiente festivo y mas llevadero mientras esperamos el estreno de la película.

Pero lo que hay que resaltar es precisamente el Marketing que se ha hecho con tantos recursos como le ha sido posible para promocionar la película, hasta en las calles de La Paz se puede ver la famosa replica original de la familia predispuestos a tomarse fotos. Pasando al otro lado del charco hay que ver la gigante figura de Homer Simpson en calzoncillos haciéndole sombra al gigante de Cerne Abbas, que gracias a los blogs y a la polémica desatada en el Reino Unido la imagen se ha expandido como reguero de pólvora en el Internet.

Pero para conocer el verdadero impacto del marketing Simpson hay que ver Influenciad Marketing Blog, que linkea varios sitios que ha usado la película para promocionarla, además de enlazar también a las reacciones de estas promociones (galerías flick’rs de tiendas de todo el mundo con los banners de Kwik-E-Mart, por ejemplo) y una completa galeria los mas productos lanzados en honor a la familia amarilla.

Y como yo también me incluyo entre la legión de seguidores, he encontrado en este articulo el pretexto para escribir sobre ellos sin mas razón aparente y como también soy casi adicto a las referencias que nos regala la serie animada, me encuentro en Youtube esta divertida colección de referencias de los Simpson a Películas imprescindibles. En menos de 8 minutos verán un concentrado de guiños que nos llevan desde Orson Welles (Citizen Kane, War of the Worlds), hasta Stanley Kubrik (The Shinning, A Clockwork Orange, Psyco, 2001: A Space Odyssey, etc), pasando por el inevitable Alfred Hitchcock (Psyco, The Birds, etc) entre algunos otros (el doblaje al español es pésimo, pero sabrán entender) y este enlace (link Youtube) les lleva a uno de mis episodios completos favoritos en un especial de noche de brujas donde se hace una parodia al relato de Orson Welles y a la guerra de los mundos.

En video: Some references of movies in "The Simpsons". (Duración: 07:05)

Vea También:
The Simpsons as Philosophy (BBC News).
Parafraseando a lo Simpsons, sobre religión.
Actualidad Simpsons / Official Simpsons Marketing Partner Site.

Produce gran placer el hecho de que se retrate de una u otra forma la carrera de Bob Dylan, siempre lo hemos admirado y es más que sabido que en cada paso que ha dado nos ha dejado desconcertado, tanto así que le hemos denominado un rompecabezas de difícil solución.

¿A que vamos? a la nueva película sobre el master de las viseras urgentes, que de la mano y dirección de Todd Haynes (creador ya de “Velvet Goldmine” una biografía de David Bowie) y 7 Dylan’s distintos, se estrenara este año. El primer póster promocional desde ya es una joya que acompaña el apelativo de rompecabezas: de izquierda a derecha, a Richard Gere, Cate Blanchett, Christian Bale y Heath Ledger. Cuatro de los 7 Dylan’s que encarnaran al reciente ganador del premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El lanzamiento del Biopic será en Septiembre 21, mientras tanto el teaser póster y algunas imágenes de Cate Blanchett como Bob Dylan nos hacen mas tortuosa la espera. Espera que pueda ser mas llevadera mientras recordamos y vemos "No Direction Home" de Martin Scorsese:

“Ajado, desgastado, con sus largas uñas pintadas de negro y unas buenas greñas asomando bajo el sombrero de cowboy, Bob Dylan acabó 37 años después el concierto que se había dejado a medias en Newport en el 65. Entonces no le quedó otra que salir por patas ante el abucheo generalizado que se ganó por entonar los viejos ritmos de un buen sonido folk con una Fender bajo el brazo. Eran los años en que al tiempo que su música se volvía más eléctrica, las letras de sus canciones se alejaban definitivamente de los himnos-protesta con los que se había erigido voz de toda una generación. Una fuga hacia delante en su carrera que como muchas otras fue tachada de ser una concesión a no se sabe muy bien qué. El fin del Dylan contestatario, el aspecto del Dylan rockero, los insultos del Dylan borracho al comité Tom Payne, el comportamiento del Dylan autista tras su accidente…Todas, actitudes bajo sospecha en su momento, que al igual que ocurre hoy con el tema de su autobiografía, o el interés personal en el documental de Scorsese y en la película que Todd Haynes ultima sobre su vida, han sido acusadas de no ser propias del Dylan de antaño.

De esta última se sabe más bien poco, excepto que se titulara I´m not here y que en una desconcertante propuesta al Trovador de Minnesota le darán vida 7 actores distintos, entre los que se cuenta Cate Blanchett. Haynes tiene por delante la posibilidad de atrapar la esencia del gran renovador de la música moderna, algo realmente difícil porque como el propio Dylan afirma: Yo sólo soy Bob Dylan cuando tengo que ser Bob Dylan. La mayor parte del tiempo quiero ser yo mismo. Bob Dylan nunca piensa sobre Bob Dylan. Yo no pienso en mí mismo como Bob Dylan. Es como dijo Rimbaud: Yo soy el otro. Por eso, sin conocer muy bien lo que se trae entre manos Haynes, su biopic se adivina un artefacto que necesita al menos de 7 caras para ponerle rostro a una figura que desde aquel originario concierto de Newport no ha parado quieta y entender de paso las decisiones, a priori caprichosas, de una carrera siempre hacia arriba, en constante metamorfosis. Transformaciones tan complejas que se necesita de un mínimo de 37 años para empezar a asimilarlas en toda su magnitud. (7 actores para Bob Dylan).

“Que es mi barco mi tesoro, / que es mi dios la libertad, / mi ley, la fuerza y el viento, / mi única patria, la mar.” (Canción del pirata, José de Esponceda)

Un viento favorable sopló las velas piratas y nos volvemos a encontrar con las aventuras marinas del Capitán Sparrow y compañía. En esta película es difícil entrar en tecnisimos, la película es una invocación irremediable a nuestra infancia y a aquellas épocas donde las aventuras de piratas nos introducían a mundos imposibles. Por ello queda desechado de entrada cualquier análisis serio e imparcial.

Pocos días después de estrenarse la segunda parte de los piratas del caribe, quede igualmente impresionado al ver retratadas aquellas historias que solo alcanzamos armar en nuestra imaginación, por fin veíamos a barcos míticos, piratas malditos, tesoros estupendos y un cúmulo de historias comprimidas en una sola película donde las menciones desde ya nos removían los recuerdos. Pirates of the Caribbean: At World’s End no podía ser la excepción, y volvieron los piratas, los villanos, volvieron las espadas, los seres monstruosos y con ellos los recuerdos mas profundos a todas las historias de piratas y corsarios devoradas en horas de lecturas, series, películas incoloras y juegos de video.

Piratas del Caribe y su tercera parte, no es excelsa, puede contener mil y un errores de guión, pero quizás su fin no era ese, su objetivo era retrotraernos a las épocas del capitán Garfio, GuyBrush Threepwood, el Capitán Kidd o Blood. Salgari, Sabatini, Daniel Defoe, Verne, Lucas Arts y Borges entre otros, todos ellos juntos han vuelto disfrazados en una película de Disney, cambiándonos la cara de Errol Flynn por la de Johnny Depp.

Esta vez los piratas siguen siendo malos, buscan libertad para buscar tesoros, ser caza recompensas, hacerles la vida imposible a los españoles y a cuanto barco se cruce en el camino. Ganan los malos, la piratería sobrevive; el aprendiz de capitán Pirata logra su objetivo (de la mano de su in gentil Maestro) y se embarca a su infinito viaje por los siete mares; la cofradía de los señores piratas sobrevive (no sin antes deleitarnos al ver tanta mala gente alrededor de una mesa); Un pequeño lejano oeste salido de los Westerns se traslada al medio del mar en una pequeña isla y aquella melodía nos recuerda a un duelo entre el bueno y el malo multiplicado por tres; Recuerdos de aventuras repasadas que creíamos haber olvidado.

Por eso Piratas del caribe es una invocación a los recuerdos, donde eran posibles las aventuras, la fascinación por lo desconocido y se creía en la magia de las leyendas. Algo que quizás a muchos hijos putativos de la televisión no les agrade.

“Dylan es tantos hombres que me pierdo. Apenas aprendido, te despista: el folksinger, el duro, el loco, el cuerdo, el francotirador de la autopista. El máster de las vísceras urgentes; el novio de la Virgen del Asombro que esconde una gillette entre los dientes cuando sale a cantar manga por hombro.” Joaquín Sabina.

Dylan es un rompecabezas, su vida desde un principio es una búsqueda constante de un hogar que jamás había conocido. Dylan había nacido en un lugar que no le correspondía y así empieza su odisea hacia un lugar en alguna parte, en cuyos caminos Dylan se reinventaría. Así resume Dylan su génesis en la primera escena del documental que lo retrata, en menos de un segundo suena Like Rolling Stone frente a una multitud, una Fender lo acompaña, mientras que mas de un Folk duro reniega de Dylan, su banda –The Band- y su sonido eléctrico.

Son los minutos iniciales de aquel documental de Martín Scorsese que retrata la vida de uno de los más importantes músicos y poetas. No hay duda que para Scorsese los documentales musicales son su fuerte y muy aparte de que las entrevistas, los conciertos y demás complementos audiovisuales de la película no hayan sido supervisados por el, logra armar con mucha maestría un delirante retrato sobre un Bob Dylan legendario que retrocede a sus orígenes. Y como complemento de todos los caminos recorridos por Dylan, Scorsese nos transporta también a toda una década que también evoluciona paralelamente a la evolución de Dylan en una casi biografía de los sesenta.

Pero por supuesto todas las menciones son para Dylan quien va narrando la historia, complementada con testimonios de gente que compartió y vivió la búsqueda. Joan Baez, Allan Ginsberg, Pete Seeger, Maria Muldaur y muchos otros hablan sobre la personalidad de Dylan, sobre las reacciones del público ante la transición de Dylan de lo acústico a las guitarras eléctricas, de las giras, etc. Al mismo tiempo, un extenso y muy bien editado material sirve de marco referencial para comprender por qué las canciones de Dylan golpearon tanto a la sociedad de su época y cómo vinieron a convertirse en emblemas y clásicos musicales.

Durante el metraje de la película, Scorsese vuelve una y otra vez sobre los conciertos en Inglaterra —y las reacciones a ellos— que la abren y cierran, por tratarse de un episodio dramático para la carrera de Dylan; la escisión entre la vocación íntima del folk y los sonidos del rock que ya había provocado los abucheos de sus seguidores en el Festival de Música folk de Newport, con amenazas de cortar los cables de las guitarras eléctricas incluidas.

En suma, tal como Dylan confiesa en su plática, No Direction Home es la bitácora de un “Ulises sometido a su Odisea expedicionaria”. De ahí el título robado al tema Like a Rolling Stone, que dice: “Like a rolling stone, with no direction home”. Una joya ineludible es la escena final, un momento mítico en un concierto en Inglaterra, que Scorsese la usa para terminar el documental, volviendo al “Like Rolling Stone”:

Dylan se prepara para cantar. Alguien del público le grita: "Judas!"
Dylan contesta muy tranquilo: "I don’t believe you".
Da la vuelta, toca unos acordes en su guitarra. Vuelve al micrófono y dice: "You’re a liar!"
Se voltea a los muchachos de The Band, y mirando a Robbie Robertson dice Dylan: "Play it fucking loud!"
Y arranca Like a Rolling Stone.

En Video: Bob Dylan “Judas” - Like Rolling Stone (Inglaterra, 1966)

Probablemente, sólo por este detalle, “No Direction Home” ingresa en la leyenda. Pero hay más detalles impagables, como los punteos de Robertson en “Baby, Let Me Follow You Down”, las respuestas en el órgano de Garth Hudson en cada línea de “Just Like Tom Thumb’s Blues” o “Ballad of a Thin Man”... Incluso los ataques de tontería de Dylan, que se defiende del acoso, y de las amenazas de muerte, mediante un sentido del humor absurdo, y cruel.

También ayudan las entrevistas con el propio Dylan, o con una Joan Baez que lo imita con una gracia especial, incluso en su preciosa interpretación de “Love Is a Four Letter Word” (atención a los extras). Y tal vez, sobre todo, el momento del discurso de Martín Luther King con Dylan entre sus privilegiados escoltas. En ese momento, que reengancha con el “Gettysburg Address” de Abraham Lincoln, y de este modo con canciones del Dylan como “Tears Of Rage”, uno comienza a comprender la distancia que tal vez desde el principio estaba latente entre Dylan y sus “compañeros de viaje”. En ese momento uno comienza a ver la dimensión protesta de Dylan como la de un moralista, abordando cuestiones de ética y de justicia elemental, como Dave Van Ronk parece percibir ahora. Dylan, en realidad Zimmerman, era un judío, no lo podemos olvidar, un trabajo a tiempo completo que nunca ha resultado fácil. Y en la lucha del movimiento de derechos civiles, él encontró una resonancia próxima que clarificó, a su esquiva manera, en esa canción fugitiva, “Blind Willie McTell”. (Atrapados en el blues de DYLAN, sin poder salir - Enrique Martínez)

El documental es una joya visual que de la mano del soundtrack se merecen pasar a un museo. En Bolivia el documental es casi inencontrable y jamás se proyecto en una sala de cine mucho menos, es por ello que quizás una recopilación que consta de 18 partes –incompletas por el momento- en Youtube, subtituladas al castellano, sean necesarias para aquel que se le haga poco mas que imposible encontrarlo. Aprovecho además para mandar, desde este ínfimo punto terráqueo un, Feliz Cumpleaños al maestro Bob Dylan.

En Youtube: Recopilación del documental No Direction Home: Bob Dylan de Martín Scorsese, dividida en 18 partes: Parte 1 / Parte 2 / Parte 3 / Parte 4 / Parte 5 / Parte 6 / Parte 7 / Parte 8 / Parte 9 / Parte 10 / Parte 11 / Parte 12 / Parte 13 / Mas…

En el Blog: Mas Bob Dylan’s…

Sam Raimi ha demostrado que se puede aplastar a la araña al tercer intento. La formula es hacer de un personaje oscuro un comediante callejero tonto disfrazado de negro y con un flequillo que viene a ser la marca del demonio.

Spiderman 3 tenía todo para ser una gran película, había venido con aire renovado. Después del chasco de su primera entrega, en su segunda parte (donde no puedo dejar de admirar a un villano favorito como el doctor Octopus) había una cierta mejora que hacia presumir que la regla era ir de menos a mas, la tercera parte venia con tres nuevos villanos que habrían bastado para articular una mediana buena historia, una millonada en producción y demás vainas, hacían guardar torpes esperanzas. Pero a Raimi le ha pesado la camiseta y ha hecho un desastre cinematográfico.

Sabiendo el desenlace, Raimi se hubiera ahorrado unos pesos llevando, en las primeras escenas, a Spiderman, el duende verde Jr. y a Sandman a terapia para que hablen (¿porque la gente no se sienta a hablar? Se solucionarían todos los problemas) y llanto y consuelos de pormedio el buen Arácnido se ahorraba un par de líos para abocarse de lleno a luchar con Venom. Porque el spider se “enreda” entre tanto villano como Raimi se enreda entre tanto guión disperso (Como toda película de comic se lo merece ahí aparece un desconocido mayordomo que se tienta a decir “Señor Bruno Díaz” pero recuerda que es otro Héroe), en vez de crear a un héroe oscuro redimido como en Batman Begins, la maldad de Raimi se ha reducido a crear un Jim Carrey en The Mask.

La película ha roto taquillas y ha recuperado en una semana el dineral que se ha gastado y si es que alguien tiene en mente hacer una cuarta parte habrá que invertir unos pocos dólares mas en mascaras del arácnido porque siempre parecen haber sido confeccionadas en china.

Añadan a Spiderman 3 a lista de héroes sacrificados.

Que el aliento épico de 300 no los confunda, el que pretenda encontrarse con una clase intensiva de historia se golpeara el pecho con un escudo espartano y despotricara a los dioses para que se lleven a Zack Snyder y compañía a los mismísimos infiernos dantescos y en el caso extremo de que ya muertito vea un nuevo amanecer rogaran por una carabina para que una fría bala le bese la sien.

La película no tiene fondo, el que haya visto la obra de Miller sabrá de lo que hablo (se ahorra fondos como exagera las siluetas), pero mas allá del fondo grafico, visual y demás tecnicismos, cualquiera se dará cuenta que tampoco tiene una trama de fondo (La reflexión sobre la gesta heroica es inexistente), a no ser la brevísima clase grafica de alguno de los capítulos de “el arte de la guerra” de Sun Tzu pero de ahí a rebuscar mas allá será complicado y mas de un erudito en historia se sentirá insultado en su inteligencia y conocimiento, son huecos que desde un principio la película jamás pretende llenar.

300 es un espectáculo visual que cuenta la historia narrada por Miller en su comic -de superhéroes con capas de superman y antifaces de acero- integrando ciertos toques narrativos necesarios para plasmarla al cine. La película gana y demasiado en los centenares de recursos visuales a lo largo de los combates, para que vuelen cabezas, se mutilen piernas y brazos; la cámara superlenta nos permite ver la batalla danzada entre lanzas y espadas.

La narración es épica, sin muchas pretensiones, mezclada con mucha adrenalina, valor y batallas, rescatando frases épicas salidas de libros de historia y muchas otras frases lapidarias salidas de la mente de Miller. Los efectos sonoros muy bien puestos y la banda sonora que se mezcla entre la música orquestal y guitarras rockeras es un aporte vital a la película. 300 es cine puro que jamás se aleja de su fuente, es una fiel adaptación donde Zack Snyder se permite darle algunos toques que encajan perfectamente a la historia. Un regalo extra son los créditos convertidos en viñeta.

Miller sabe lo que hace, siempre tenia en la mente a los 300 espartanos, el comic y por ende la película no es su primera aproximación, basta ver en Sin City - “The Big Fat Hill” y será fácil la comparación. Unas Termopilas transformadas en un callejón oscuro de Sin City donde, esta vez, su héroe sale vencedor y vivo.

300 con todas sus debilidades y con todas sus fortalezas, es una gran película, una gran adaptación de un comic, como ya lo haría Robert Rodríguez con Sin City, aunque no tan caótica, no tan oscura, pero igual de excelsa. Znyder ha dado un gran paso, Miller se ha ganado su tercer acierto (Sin City, Batman Begins y 300), toda una envidia para los traslados fallidos cinéfilos de los comics de Alan Moore.

Lea también: 300 de Frank Miller y la adaptación al cine (Trailer). // 300 The Movie:Facts and Fiction (The historical background of an epic movie). //  Los espartanos (Clase de historia para los que salieron sedientos de conocimiento).

Un melómano no se puede quedar de manos cruzadas al ver a Goear en estado de coma, y tiene que recorrer los más caminos informáticos para encontrarse una mediana herramienta que sirva para nuestros menesteres blogueros sonoros.

BooMp3 es una alternativa más que se suma al abanico de opciones de la Web 2.0, permitiendo compartir archivos musicales en formato mp3. Fácil de manejar, muy similar a los servicios de castpost y goear, donde lo archivos de sonido subidos se podrán integrar al blog mediante un código html, además de contar con una pagina similar al blog donde los comentarios están abiertos y el recurso RSS también están disponibles.

La Orquesta de Mondragón y Lolita

Si existe un grupo que haya podido autocalificarse de pionero en la fusión del rock y del teatro, ese es la Orquesta Mondragón de la mano del showman Javier Gurruchaga. La orquesta es un cocktail de géneros donde se entremezclan la música, shows, bromas, imitaciones, parodias, espectaculo, letras, teatro... que van marcadas al compás del rock, blues y Jazz.

Siempre he venerado a esta banda y los he mencionado siempre que me lo he permitido y es que escuchar a la Orquesta de Mondragón es mirar a Fellini, kubrik, toparse con Rambo o un montón de Freaks pasando en su circo; leer a Nabokov, Cervantes, Shakespeare, o las fábulas de Esopo; escuchar a The Doors, Lou Reed, Los Rolling Stones, Los Beatles, Bob Dylan…

Escucharlos es un verdadero viaje hacia terrenos fantásticos: “Viaje con nosotros / y podrá encontrar / atractivos monstruos / que le sonreirán. / Y disfrute del gusto que da / y disfrute de la amistad de sirenas / y de serpientes de mar. (…) Quien compra nuestro billete / compra la felicidad.” (Viaje con nosotros – Orquesta de Mondragón), un viaje que una vez iniciado es difícil dejar.

Una muestra sonora de la Orquesta, un retrato no autorizado a la Lolita de Nabokov.

En Audio: Orquesta de Mondragón – Lolita.

Orquesta de Mondragón: Lolita 

Llaman al timbre, salgo a mirar,
y abro la puerta y estas ahí,
dulce regalo que Satanás,
manda para mí.
Su asignatura que va a aprobar,
explíqueme otra vez la lección,
déme una clase particular,
señor profesor.
Lolita, me excitas,
perversa piel de melocotón,
Lolita, maldita,
de adolescente sin corazón.

Bajo la falda de colegial,
cruzas las piernas con intención,
y tu liguero me hace olvidar,
la lección.
Hoy no has venido
y había francés,
vas a arruinar mi reputación,
sobresaliente te puse ayer,
en pasión.

Lolita, me excitas...

Niña de fuego
con labios de mujer falta,
donde se entere de nuestros juegos
tu papá....

Visite también:
BooMP3: Upload & Share mp3.
Orquesta de Mondragón (Página oficial).
La Orquesta de Mondragón (Página oficial México).

Pocas cosas llevarían a relacionar a Elvis Presley, Bob Marley, John Lennon, Bob Dylan, Noel Gallagher, BB King, Eric Clapton, Tbone y otros prolíficos músicos. Una de las pocas cosas comunes entre ellos seria su guitarra, todos ellos han enfundado la legendaria Gibson.

No hay duda que mas de uno ha quedado encandilado ante las notas que sacan los héroes violeros a la mítica guitarra eléctrica, muchas generaciones se han rendido a sus pies desde 1936. Un recorrido por la historia de estas guitarras es lo que ofrece ‘Gibson Through the Lens’, una exposición que el 1 de marzo se inauguró en la Blink Gallery de Londres, donde estará durante tres semanas. París, Berlín, Nueva York y Los Ángeles son sus siguientes destinos. En la exposición pueden verse 50 imágenes singulares y vintage de artistas como Keith Richards, George Harrison, Jimmy Page, Jon Bon Jovi, Les Paul, Bob Dylan, Paul McCartney, Jimi Hendrix, Kurt Cobain, Jack White entre otros. Históricas instantáneas tomadas por algunos de los más importantes fotógrafos del rock como Jim Marshall o Neal Preston.

Un recopilatorio visual de los que Gibson al hombro escribieron la historia a plan de guitarras.

Vea También:
-Gibson Through The Lens Has Official Press and VIP Launch Party in London.

Escuche a algunos violeros y su Gibson:
-Podcast: Guitarras – Ángeles & Demonios.

"De madrugada informamos sobre un intento de asesinato de un ex superhéroe. Ahora podemos confirmar que la víctima es Steve Rogers, también conocido como Capitán América", señalaba hace poco mas de una semana una nota de prensa del sitio web de la Marvel, mientras el New York Times se hacia eco de la defunción de quien fuera el "centinela de la lucha por la libertad y los derechos". El héroe se niega a aceptar una ley antiterrorista, promulgada tras los atentados del 11-S, que obliga a las personas con superpoderes a inscribirse en un registro policial. Por ello es llevado a juicio y en el tramo, tres balas de un francotirador lo fulminan. En una escalinata, al pie de columnas de corte clásico, como Julio César, fallece el superhéroe más simbólico de Norteamérica…

La noticia recorrió el mundo en pocos minutos, la muerte de un superhéroe no puede ser para menos, pero habría que ver la otra muerte de aquellos que sin balas y sin guión previsto van muriendo a manos de directores y nefastas adaptaciones al cine. Lo dicho no es una afirmación tirada de los pelos, es una realidad latente en los últimos años donde la incompatibilidad entre Hollywood y los superhéroes de comics ha sido caótica, basta recordar por ejemplo a Alan Moore y las cuatro tormentosas películas hechas a partir de sus comics: “From Hell”, “La liga extraordinaria”, “Hellblazer” (Constantine) y “V de Vendetta”, las dos ultimas negadas de llevar en los créditos la firma de Moore tras el rotundo fracaso de las dos primeras.

De estas cuatro la muerte de los héroes o antihéroes va ligada con la simplificación que hacen para hacerlas comerciales y digeribles para el publico no conocedor del pasado en papel. El objetivo es tan directo que se hacen grandes omisiones, carencias narrativas pocas veces salvables, libertades tomadas de la historia original que terminan por matar la obra y a sus protagonistas. Me pregunto habrá algún no conocedor de la obra de Moore que después de ver “From Hell”, “La liga extraordinaria” o “Hellblazer” en el cine quiera conocer el comic, me imagino que nadie se aventurara a ver las raíces en papel de la película.

La liga extraordinaria, se convirtió en un adefesio con personajes radicalmente diferentes y sin nada de la transgresora malignidad original. Constantine –de Londres a los Angeles hay mucha distancia- es salvable por la estética y los efectos visuales en el cine, pero no pasa de ser una película mas hundida por la incoherencia narrativa y su carencia a nivel historia que dista mucho del comic, convirtiéndola en una mala, cuando no pésima, adaptación de la historieta original. “V de Vendetta”, quizás la mas sobresaliente de todas, salida a la pantalla grande en el momento justo donde el terrorismo es un tema diario, soportable para cualquiera que ande con cuestionamientos filosóficos, y la verdad me gusta, aunque el resultado cinematográfico dista mucho de parecerse al monumental canto a la libertad y la anarquía que era la obra original. La película suaviza la idea de la dictadura totalitarista y el ambiente oscuro del cómic. El romance inventado, un pecado imperdonable para los guionistas de cine.

Sin alejarnos de los comics de Alan Moore hemos matado al menos tres (anti) héroes y hemos dejado a uno agonizante, pero la lista -sin Alan Moore- continua y puede parecer interminable al recordar comics llevados a la pantalla grande como Daredevil, El fantasma, Elektra, Punisher, Batman & Robin (payasos de colores y senos), X-Men, Spiderman, Catwoman, Hulk, Los 4 fantásticos, el mismo Capitán América, Superman Returns (donde el director es capaz de hacernos olvidar nuestra infancia. “Superman no es un superhéroe, es DIOS. No tiene un poder, tiene TODOS los poderes”… es un mesías que ruega que le hagan una iglesia) y la ultima “joyita” el Motorista Fantasma donde, lastimosamente, Nicolas Cage decepciona.

Pero hay una regla que nos salva y con ella a algunos héroes, recordar a Batman Begins, nos hace olvidar algunas bazofias hechas a su nombre y nos lleva pasos atrás y le devuelve la verdadera esencia al hombre oscuro en una ciudad oscura, si Bob Kane la viera estoy seguro que al igual que yo diría que esta es la mejor película sobre Batman hecha hasta la fecha. Sin City de Frank Miller, una brutal adaptación al cine que se hace de todas las artes visuales, sonoras y narrativas y nos entrega una obra bien lograda que establece un nuevo estándar para los géneros contemporáneos de adaptación del cine negro y de las series de cómics. Viendo Sin City te das cuenta que Miller, Tarantino y Rodríguez dan una cátedra a Marvel y Hollywood de cómo hacer una película de un Comic. También salvemos al depresivo Hombre Araña en su segunda parte, a los hombres mutantes en su secuela X-Men 2 y al viejo Superman, entre las pocas rescatables, esperando que 300 sea otra de las salvables.

Con balas, criptonia o en manos de directores mediocres los superhéroes están en peligro de extinción, eso sin hilar mas fino y sin meternos en recovecos más profundos como la actualidad, la política, la sociedad y similares, donde los superhéroes son inexistentes condenados al ostracismo y de seguro no es por la pirateria.

La ascensión al poder del primer presidente indígena en Bolivia, ha levantado tantas pasiones como rencores. Entre las diversas pasiones que levanta es aquella que enamora a la pantalla grande, la historia contada una y otra vez, de la moraleja que dice “si perseveras lo lograras” o el arquetipo de la Cenicienta, se ve reflejada en la vida de Evo Morales.

Por ello, es fuente de inspiración de más de un cineasta ya que hace poco se habló de la película ‘Evo Pueblo‘ y ahora es el turno para un documental titulado ‘Cocalero‘ el cual retratará la vida de un aymará hijo de la guerra norteamericana contra las drogas, quien acompañado de una tropa de cocaleros atravesó los Andes y el Amazonas para convertirse en el primer presidente indígena de Bolivia.

En video: Trailer de "Cocalero" de Alejandro Landes. Documental que es un retrato íntimo de Morales durante la campaña electoral que lo llevó a la presidencia a fines de 2005.

Heredero del Cine Directo americano de Drew, Leacock y Pennebaker, Alejandro Landes registró junto a un pequeño equipo de filmación y con poco presupuesto, un retrato "más próximo, intimo, como para que salieran esos temas pero de una forma casi anecdótica" de la campaña presidencial de Evo Morales en Bolivia.

El director de esta película nació en Brasil y creció en Ecuador. Trabajó como escritor para el Miami Herald y el programa de televisión Oppenheimer Presenta. ‘Cocalero’ es su primera película la cual ha sido rodada en Bolivia -durante la campaña electoral que lo llevó a la presidencia a fines de 2005- y filmada en estilo verité, con cámara en mano sin iluminación artificial ni narración en off, lo cual les permitió capturar un cuadro más vívidos de los sucesos.

La película está centrada en 2 protagonistas: Evo Morales y Leonilda Zurita. Mientras el retrato de Evo habla de la humanidad y las idiosincrasias que sustentan la lucha de un hombre por el poder, el rol de Leonilda como líder sindical cocalera da voz a la gente que lo lleva a ese lugar.

En el sitio oficial hay más información sobre esta película (fotos, notas de producción y el trailer) la cual desde ya ha recibido grandes ovaciones en el festival de Sundance.

Via: Cinencuentro y Cinerama.

Vea También:
“Cocalero” Evo aparece en Sundance (BBC Mundo).

Window in the Skies es el nombre del nuevo sencillo de U2, el video clip pertenece al único single inédito que viene incluido en el disco titulado u218 Singles. En el aparecen iconos del rock como Jimmy Hendrix, Johnny Cash, Nirvana, Elvis Presley, Elton John, The Police, Iggy Pop, The Ramones, Simon & Garfunkel, Frank Zappa, Louis Armstrong, Bob Marley, Robert Plant, The Doors, David Bowie, Bob Dylan, Queen, Frank Sinatra y toda una constelación frontmans y grupos que escribieron la historia del rock.

En Video (Youtube): U2 - Window in the Skies (Videoclip).

Podemos condenar a Bono y a U2 por semejante barrabasada, podemos gritar a los cuatro vientos que lo de U2 hace es el recurso mas bajo y mas explotado cuando se carecen de ideas, recurso tan bajo que hace cantar a los grande ídolos del rock un karaoke de su window in the skies; y si, es cierto también que el video no deja de ser un “entubado” que podía haberlo hecho cualquiera niño regordete con una cámara, como otrora hicieron los chicos asiáticos versionando a los Backstreet Boys (El papel no solo aguanta todo, sino también Youtube). Pero aun con todo eso no puedo mas que prenderle una vela y bajar la cabeza ante este video, porque es perdonable, porque es nomás U2 y porque se dieron el lujo de grabarlo en el mítico Abbey Road Studios en Inglaterra y se dieron también el lujo de tener a Rick Rubbin detrás de la misma consola y el mismo estudio donde grabaron los 4 de Liverpool.

Disfruten, bajen el audio si quieren y deléitense de los profetas enviados.

Vea También:
¿Do you see music?: Ejercita tus músculos musicales.

Lo de indigestión viene a raíz de un artículo de Rodrigo Fresán sobre el placer antojadizo y disgusto vomitivo que pueden causar algunas historias del buen doctor comegente Hannibal Lecter. A Fresán la digestión se le hace pesada al toparse con el nuevo libro de Thomas Harris, Hannibal Rising. Explicado por Gustavo Faverón (quien crea otro articulo apetitoso): “Hay que decir que Fresan se queja no agridulce, sino amargamente, por ese resbalón definitivo que ha dado Harris en el último volumen de la saga de Lecter, donde ha intentado una explicación malamente psicológica del desequilibrio de su villano, casi forzando al lector a tener lástima por el comegente.”

Pero Fresan no se queda ahí y predice el futuro del doctor amante culinario humanista: “Tal vez más adelante –¿Hannibal Falling?– se explique todo este inexplicable despropósito. O tal vez, quién sabe, lo próximo se trate de un libro con canibalescas recetas de cocina firmado por un Lecter redimido y al frente de un show culinario de televisión.

Luego de Hannibal Rising todo –absolutamente todo– es posible.

Mientras tanto, una cosa es segura. Thomas Harris no ha esperado a que sean los extraños del futuro quienes le arruinen la marca y ha cumplido el sueño eterno del Dr. Víctor Frankenstein: matar a su propia criatura y vivir para contarlo.”

Pero claro, quien soy yo para meterme en estos asuntos delicados si he conocido al buen Dr. Lecter solamente por sus apariciones cinematográficas encarnadas por Anthony Hopkins y jamás he tenido el placer de leer el menú en un libro de Thomas Harris. Solo puedo esperar que nuevamente el cine me habrá la posibilidad de conocer como emergió el gusto del antropófago Lituano, ver si en realidad Fresan tiene razón y que pronto podamos ver a Hannibal Lecter en un canal de cable al lado de Martha Stewart o bien esperar que la adaptación al cine no sea tan caótica como Fresan dice que esta en el libro.

Mientras llega todo aquello resta quedarse viendo el trailer de “Hannibal Rising”, la película dirigida por Peter Webber, adaptada de la novela homónima de Thomas Harris que nos mostrara cuales eran los andares de uno de nuestros caníbales favoritos, de su infancia hasta su adolescencia. Bon Appétit.

En video: Hannibal Rising Trailer 2007.

Lea También:
Arte caníbal (Rocko Weblog).
Indigestión Por Rodrigo Fresán (Radar - Pagina/12).
Hannibal Lecter: Cuando la realidad no es tan diferente a la ficción.

GoEar: Es el nuevo juguete que me cae como regalo de octubre. Herramienta parecida a Castpost (o un Youtube sonoro), subir música, escucharla y si quieres (siempre quiero) te da la opción de ponerlo en el blog. Tal como sucede con YouTube, los ficheros no pueden descargarse del sitio. A lo más colocar un enlace hacía este en nuestro weblog, página web o escritorio. Sin embargo, esta limitación ya ha quedado superada al haber aparecido ya una pequeña aplicación que nos permite descargar a nuestro PC cualquier tema del portal.

Como primera prueba de cómo va GoEar ahí les va el tema “El amor es mas fuerte” de la banda sonora original de la película homónima Tango Feroz de Marcelo Piñeyro. Película basada en la vida de José Alberto Iglesias Correa "Tanguito".

Película y Música, nos retrotraen a la vieja Buenos Aires, representan -quizás- cabalmente la (su) ciudad, sus habitantes, sus sueños y dramas, las veredas, sus noches y la margen. Historias y ritmos que la recorren y la atraviesan. El rock, el tango...

En Audio: Tango Feroz (La leyenda de Tanguito) – El amor es más fuerte.

“Pedrito escribe sin parar
que el mundo está por estallar,
y los demás en la oficina, por nada...”.
José Alberto Iglesias, El amor es más fuerte.

Lea también:
Escribes / El amor es mas fuerte (Orlando Mazeyra Guillén).

“El ejército de Persia, una fuerza tan imponente que la tierra tiembla a su paso, se dispone a aplastar Grecia, una isla de razón y libertad en un mar de barbarie y tiranía. / Entre Grecia y esta oleada de destrucción se interpone un pequeño grupo de trescientos guerreros. / Pero estos guerreros son más que hombres... son ESPARTANOS.”

De Frank Miller y su capacidad grafica hay poco que decir su calidad ha sido elogiada muchas veces, pero también hace algunos años nos ha sorprendido con su Sin City llevada a la pantalla grande apoyado por Robert Rodríguez y Quentin Tarantino con un resultado visual por demás agradable e hilando un poco mas fino quizás su aporte indirecto en Batman Inicia, ambas fueron películas que rayan en lo excelente en los últimos tiempos. Con tremendas películas a las espaldas no es raro esperar con ansias la adaptación al cine de su comic épico 300.

El comic 300 de Frank Miller esta basada en un suceso histórico que ha pasado a la leyenda como prototipo del acto heroico. En el 489 a.C., apenas tres centenares de soldados espartanos, acaudillados por el rey Leónidas, frenaron el avance de decenas de miles de tropas persas bajo el mando del Emperador Jerjes, el monarca más poderoso del planeta. Para conseguirlo, los espartanos entregaron sus vidas en la defensa del estreho paso de las Termópilas, donde la superioridad numérica persa queda reducida a su mínima expresión, pero con ello consiguieron una ventaja estratégica para el ejército griego que facilitaría la posterior derrota de los persas, preservando así la civilización occidental de los bárbaros asiáticos.

En el comic, Miller, se hace con todas las referencias históricas encontradas y eso le da mayor validez a su obra no solo como comic sino también queda como novela grafica histórica. Un dialogo retratado es cuando Leónidas fue advertido sobre el gran número de arqueros que poseía Jerjes. Se le dijo que cuando disparaban, "sus flechas cubrían el sol" y "volvían noche el día". Dienekes, soldado espartano, consideraba el arco como un arma poco honorable, ya que evadía el enfrentamiento cuerpo a cuerpo. Fue entonces cuando pronunció su famosa frase: "entonces pelearemos a la sombra".

"No esclavos. Vuestras mujeres, vuestros hijos e hijas, vuestros hermanos y hermanas, lo serán. Vosotros no. Esta noche... ¡seréis hombres muertos! ¡Cien naciones caerán sobre vosotros! ¡Nuestras flechas taparán el sol!"

Del mismo modo la calidad grafica de Miller, ayudado por el color de Lynn Varney, y su narración son potentes, soportando fácilmente el titulo de obra histórica. Vale la pena sin duda mencionar y subrayar esos detalles ya que si en la adaptación al cine de Sin City valoraba la estética en blanco y negro; 300, por lo visto en el trailer (espectacular), se sostendrá vitalmente en el color, en el uso de las siluetas y en la soberbia adaptación grafica basada en el comic de Miller.

En Youtube: Trailer “300”, adaptación de la novela grafica de Frank Miller.

"Cuando ví El León de Esparta, lo que ví, más allá de ser un niño que veía todas esas capas rojas y esos chulísimos cascos corintios, fue mi primer contacto con una historia donde se planteaba la noción del sacrificio heroico. Hasta aquel momento para mí los héroes siempre habían sido gente que hacía lo que había que hacer y que recibía una medalla y una ovación. Nunca había visto una historia en la que alguien hiciera lo que había que hacer y le costara la vida." Frank Miller.

Miller resalta y describe el otro tipo de héroe, el de la muerte épica, el sacrificio heroico… un Leonidas que fácil (tocando mi espíritu boliviano) podría ser un Eduardo Avaroa.

Ver también:
Wikipedia: Batalla de las Termópilas.
Guía del Comic: “300” de Frank Miller.
Solace in Cinema: “300” comic to screen comparison (comparando escenas de la película y los comics).

Una nueva animación que llega de las manos de youtube y su “Battle of the bands”. Mezcla entre lo bizarro y de mal gusto, se hace de portadas roqueras legendarias para entramarlas en lo que vendria a ser una guerra sin cuartel.

Dirigida por Ugly Pictures y animada por mas vs. magnet (el tipo que hizo los créditos de apertura de la pelicula “Como ser John Malkovich”, entre otros), esta hilarante, ultra violenta y pseudo pornográfica animación, pone en pie de guerra a las portadas más famosas de la historia del Rock, y no deja titere con cabeza.

Via: Pixel y Dixel.
Vea también: Ejercita tus músculos musicales (¿Do you see music?).

"Hay más de 550 millones de armas en el mundo en este instante. Un arma por cada 12 personas en el planeta… El problema es el siguiente: ¿Cómo armamos a las otras 11?"

La frase abre la película -Lord of War-, la peripecia del director y del guionista le da un cambio radical a una estadística en verdad preocupante y la minimiza para convertirla en una especie de chiste cruel. La siguiente imagen no es tan disimulada. La vida de una bala, principio y final, sus inicios entre metal, pólvora, maquinas y obreros estadounidenses y su final incrustada en lóbulo frontal de un niño de raza negra, un país pobre en conflicto bélico, guerras tribales llamémoslas.

Nicolas Cage, que ya se gano las estrellas necesarias para ser un actor de culto, es el protagonista que encarna a un traficante de armas, Yuri Orlov. Pero la película no retrata su vida, retrata la vida de un sub mundo decadente, lleno de guerras y armas, vista desde los ojos de un señor de la guerra.

- no creo que los dos estemos en el mismo negocio, usted cree que solo vendo armas ¿verdad?... No es así. Yo tomo partido.
- Pero en la guerra Irán – Irak vendió armas a ambos bandos.
- No pensó que quizá quería que los dos pierdan.

El director se hace con todas las artes dramaticas (drama, comedia, tragedia...) y las reúne en una especie de cóctel molotov para tocar un tema real. Guerrillas, matanzas de Sierra Leona, mutilaciones, helicópteros de guerra que se venden como de salvamento, traficantes de armas que son puestos en libertad sin cargos... el guión es bastante real, tanto que la película fácil pudiera ser un documental de no ser por las escenas de relleno que de tanto en cuanto aparecen para recordarnos que es una película que tiene que cumplir los requisitos básicos para ser comercial.

"Primera regla del comercio de armas: nunca dispares con tu propia mercancía"

“9 de 10 personas son asesinadas con misiles de asalto y armas pequeñas como las tuyas (…) Los misiles nucleares están en silos, tus AK-47 esas son las armas de destrucción masivas”

La omnipresente voz en off de Yuri Orlov es fundamental y la verdad me gustan las películas que se hacen con este recurso, lanza frases al aire, usa estadísticas reales, es cínico, siniestro, satírico, ácido, todo un personaje que nos enmaraña con una realidad trágica.

Lord of the war (imdb), sale del marco de las películas convencionales, aunque a muchos les parezca un Rambo de escritorio, muy buena a mi modo de ver, coqueteando con lo documental el director Andrew Nicool (Gattaca, The Terminal, El Show de Truman) critica en diversos tonos y de paso hay una escenita en algún lugar de Bolivia (permítanme esa mención, aunque a muchos no les gustara la relación que le hacen).

Blogmusik es quizás es reproductor de música virtual recomendado, la herramienta es fácil de usar de manera parecida a un reproductor de MP3, en el cual buscamos las canciones y los grupos que nos interesan y los añadimos a una lista de reproducción, teniendo ya nuestra radio personalizada. A diferencia de Pandora.com o Last.fm, cuyo fuerte es encontrar nuevos artistas con estilos similares de acuerdo a la canción o artista que le indiquemos, Blogmusik nos da algo más simple: Escuchar lo que buscamos con una calidad aceptable.

Podemos empezar a buscar y escuchar apenas nos dirigimos a su página web, pero registrarse, trae el beneficio de crear nuestros propios playlists de canciones, y salvarlos para futuro uso. En la variedad esta el gusto y Blogmusik nos permite escuchar gran variedad de artistas, entre castellanos e angloparlantes.

Adjunto, y no es pretendiendo alentar la piratería ni mucho menos, me encuentro con G2P, esta página se ofrece como alternativa a las redes P2P. La búsqueda de archivos mp3 las realiza gracias a google. Una manera sencilla para bajarte algunas canciones.

Vías: Redferret & Píxel y Dixel.
Enlazamos a: Blogmusik & G2P.

¿Lees la Biblia Ringo?, pues he memorizado un pasaje para ti, Ezequiel 25/17:

“El camino del hombre recto esta por todos lados rodeado por las injusticias de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que en nombre de la caridad y de la buena voluntad saque a los débiles del valle de la oscuridad. Porque el es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos! ¡Y tú sabrás que mi nombre es Yahvé, cuando caiga mi venganza sobre ti!”
Jules Winnfield (Pulp Fiction - Tiempos Violentos)

Frase salida de la película Pulp Fiction (1994). La frase basada en hechos “reales” extractados de la Biblia -que se presta a miles de interpretaciones- en el libro del profeta Ezequiel 25:17. El dialogo hecho por Jules (Samuel L. Jackson) del pasaje biblico es mas bien una interpretación del pasaje original que profetiza la venganza de Yahveh contra los Filisteos.

“Ángeles y Demonios. Ya sea en las letras, las historias de cada tema o en la incomparable manipulación de guitarras, entre las que rugen como demonios y otras que parecen interpretaciones angelicales…”

El acercamiento personal mas cercano a lo que se llama podcast esta plasmada en una colaboración hecha a “la música que escuchan todos”, emprendimiento de dos amantes de la música que conducen un programa radial que luego muta a podcast. En su cuarto programa hacemos el intento de hacer un podcast cooperativo coordinando textos y guiones, aunque no con la fluidez necesaria dada la ubicación lejana entre ciudad (La Paz) y ciudad (Cochabamba).

Guitarras: Ángeles & Demonios, recupera las guitarras míticas que circundan los cielos y los infiernos, en un programa de una hora que recorre como cual Dante, encontraremos a Led Zeppelín (Stairway to Heaven), The Eagles (Hotel California), Cream (Crossroads), Steve Vai (For the Love of God), The Rolling Stones (Sympathy for the Devil), Jimi Hendrix Experience (All along the Watchtower) y Van Halen (Eruption), con guías espirituales como Robert Johnson, Jimmy Page, Clapton, Keith Richards o Hendrix, entre otros virtuosos de las guitarras.

Podcast: Guitarras – Ángeles & Demonios.

Vayan al cruce de caminos y recen a Lucifer para que afine sus guitarras o que Dios bendiga sus manos porque de una u otra forma jamás su amor por la guitarra será la misma.

“Los dioses andan volando con capas rojas sin compartir su poder con la humanidad” (Lex Luthor)

La frase de Lutor no es mas que el inicio a decenas de menciones caprichosas, en diálogos e imágenes, para crear la metáfora de Superman como un Mesías divino. El juego funciona recordándome a un par de comedias que intentan crear la misma atmósfera, pero a momentos se vuelve tan encaprichada que se olvida la historia de Superman como comic y precuelas y se la confunde con una película de Gibson (La pasión de cristo) o Franco Zeffirelli (Jesús of Nazareth), haciendo de la vida de Superman tan tormentosa como si para ello no bastaran Batman y Spiderman.

Se ha querido hacer un homenaje a Superman y a los fans, supongo, con citas textuales de precuelas, pero también se ha querido mostrar a las nuevas generaciones de la existencia de un superhéroe sobre todos… en ese ínterin se han perdido textos y libretos que dieron como resultado “Superman Returns”.

Hollywood esta matando películas, comics y libros, sin necesidad.

“Esto es verdad mi forma es algo impar, / Pero culparme es culpar a dios; / Podría crearme de nuevo / No fallaría en satisfacerte”. Joseph Merrick (El hombre elefante)

Ferias rodantes recorrían pueblo tras pueblo mostrando en jaulas a personas monstruosas por sus deformidades. Enanos, mujeres barbudas, siamesas, gigantes, personas sin miembros superiores o inferiores y entre ellos el hombre elefante (Joseph Merrick), fenómenos que se vieron condenados a deshumanizarse y vivir refugiados en circos y ferias, volviéndose familias.

Una muestra de aquello es "Freaks" (1932), es una película tremenda, repulsiva y mundialmente famosa dirigida por Tod Browning (IMDB). Cuenta la historia de un circo de "fenómenos" microcéfalos, mujeres con barba, enanos y personas con distintas deformidades) con sus dramas, celos y rencores.

El terrible circo que muestra "Freaks" era un tipo de espectáculo muy frecuente en el pasado, principalmente en Estados Unidos e Inglaterra, como también lo muestra la película "El Hombre elefante" de David Lynch.

"Freaks", pelicula de casi 1 hora, es un film sumamente controvertido que con el tiempo se transformó por su clima horroroso, en un film de culto. Ahora se la puede ver acá o gracias a Google Video, en esa excelente recopilación de películas clásicas que se encuentran en la Canal Google. (Vía: Bibi’s - Mirá!)

Lea También:
RADAR (Pagina/12): Bailando sobre la sangre de los demás (Algunos Freaks actuales).

“Que es mi barco mi tesoro, / que es mi dios la libertad, / mi ley, la fuerza y el viento, / mi única patria, la mar.” (Canción del pirata, José de Esponceda)

"De Ilion llevóme al país de los cicones, en Imaro. Entré a saquear en la ciudad y maté a sus moradores. Repartimos las mujeres y el cuantioso botín equitativamente, sin que nadie se quedara sin su parte". (La Odisea, novena rapsodia)

El mar llama, el deseo de internarse hacia la libertad guiados por el viento, guiados por una brújula que no marca el norte, en busca de tesoros escondidos, del tesoro-rescate que Atahuallpa dio a Francisco Pizarro y que nunca llego a destino, de los tesoros de Roma y los Vikingos.

Muchos hemos vivido esas aventuras, esos viajes a mar abierto gracias a las aventuras clásicas de Piratas y Corsarios, de la mano de La Dragontea, La Isla del Tesoro, el Corsario Negro y dirigidos por el Capitán Nemo, Sinbad, Ahab, Robinson Crusoe, Lechuck, Hook o el simplemente llamado Ismael hemos ido a los mas lejanos confines del mundo, a las profundidades mas inimaginadas luchando con monstruos épicos, calamares gigantes, barcos fantasmas, buscando venganza y romper maldiciones.

Todas esas historias, la mayoría quizás, solo son formas de cultivar la nostalgia. Los autores pudieron comenzar a modelar y recrear los personajes a su arbitrio, dejando de lado el alma despiadada de los piratas, atribuyéndoles una ferocidad o un espíritu caballeresco más acorde con las necesidades del texto que con la realidad histórica. De hecho, el ennoblecimiento de esta variante marítima del latrocinio facilitaba la identificación del lector con el pirata, operación de éxito casi imposible si el autor se atenía a la historia.

Este giro también tuvo sus aspectos políticos: los autores anglosajones (y luego el cine de Hollywood) se esforzaron por revestir de nobles ideales una actividad cuyo motor siempre fue la mera codicia. Y es que Inglaterra simplemente le debía demasiado a sus lobos de mar. Así surgió el estereotipo del caballeresco pirata inglés que combate por la libertad, contrapuesto al del cruel gobernador español, casi siempre el padre de la única española bonita. Que, obviamente, se derrite por el filibustero.

"Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest”

Y llego "Pirates of the Caribbean” al mando del Capitán Jack Sparrow (Johnny Depp) ese pirata con todas las letras: embustero, mentiroso y egoísta. Y llegaron sus cómplices Will Turner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley). Y llegaron las maldiciones, los monstruos míticos, las batallas marítimas de grandes barcos, llego gracias a dios una historia para muchos que crecimos leyendo historias de piratas.

La película es aprovechable, me sorprendería que simplemente sea una trilogía. Hablar de piratas es inacabable, remontarnos a esas épocas abre horizontes infinitos. "Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest”, una muestra clara de ello, donde seres mitológicos aparecen en escena.

Un final que me recordó irremediablemente a Starwars – Episodio 5: El imperio contraataca, un duelo de tres espadas que me recuerda a Starwars – Episodio 1: La amenaza fantasma, La batalla entre el Holandés Errante y El Perla Negra que me recordó los cruceros de batalla del Episodio 3: La venganza de los Sith. No quiero pecar de fanático de Starwars, mucho menos de las muchas historias de piratas, corsarios, filibusteros o de tesoros, seres mitológicos e históricos y de monstruos marinos pero le tengo mucha fe a esta saga de Piratas del Caribe, la segunda parte me ha dejado una buena impresión, he encontrado un villano perfecto (Davy Jones) con la tripulación villana perfecta y con un arma mortal poderosa en los 7 mares. Un aprendiz de pirata, buscando liberar a su padre de la maldición, que espero se vuelva héroe (Will Turner). Un maestro a las malas (Jack Sparrow), una dama heroína hecha capitana pirata como Anne Bonney (Elizabeth Swann).

Hay que imaginar y revolver los libros, revolver los recuerdos y las banderas de piratas pintadas a mano colgadas en bañadores y buscar tesoros con mapas inventados… mientras tanto el fragmento del poema de Robert Louis Stevenson en el prefacio de “La Isla del Tesoro”:

"Si los cuentos que narran los marinos / hablando de temporales y aventuras, de sus amores y su odios / de barcos, islas, perdidos Robinsones / y bucaneros y enterrados tesoros / y todas las viejas historias, contadas una vez más / de la misma forma que siempre se contaron / encantan todavía, como hicieron conmigo / a los sensatos jóvenes de hoy / ¿qué más pedir? Pero si ya no fuera así / si tan graves jóvenes hubieran perdido / la maravilla del viejo gusto / por ir con Kingston o con el valiente Ballantyne / o con Cooper y atravesar bosques y mares / bien. ¡Así sea! Pero que yo pueda / dormir el sueño eterno con todos mis piratas / junto a la tumba donde se pudran ellos y sus sueños".

Lea También:
Discover pirate island - Google Earth: “Esta es la primera vez que una localización ficticia, inspirada en una película, se ha creado y posicionado dentro de Google Earth”.

En el blog:
Ficciones literarias sobre piratas y corsarios.
Calvin & Hobbes: Mapas de vetustas alhajas.

"He visto cosas que ustedes no creerían..."

Línea tras línea aparece en pantalla lo que podría ser el follaje de un árbol grande y frondoso. El recorrido continúa por el tronco, hasta finalmente detenerse en las raíces de un robusto cedro digital. Son los créditos iniciales de una película que conforme se ha presentado ante los ojos de varias generaciones, ha forjado -tal vez de manera involuntaria- una serie de imágenes-revelaciones que a lo largo de su existencia se han convertido en auténticos iconos de la cultura cinematográfica mundial. Las computadoras son ahora iguales a sus creadores, incluso mejores.

A 24 años de su realización (1982) henos aquí, en plena "pusmodernidad", intercambiando ideas sobre una de las películas emblemáticas de la época en que nos tocó estar: Blade Runner, de Ridley Scott. 1982 no es el año en que adquiere el calificativo de "obra de culto". A esta cinta le ha ocurrido lo que a los buenos vinos: enriquece con el añejamiento. Siendo un film que se ocupa de la acelerada e íntima relación-"evolución" del Hombre y la Máquina, no deja de ser llamativo el que haya sido lenta su maduración y posterior filtración a la exclusiva lista de los clásicos del género: Metrópolis (Fritz Lang, 1927), 2001, una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968), Alien, el octavo pasajero (también de Ridley Scott, 1979) y la que nos ocupa; enumeradas aquí cronológicamente.

Algunos años de iniciado el siglo XXI se podría pensar que apenas se filmaron sus imágenes. Lo que pudiera ubicarse a muchas cuadras de camino, se encuentra en realidad a la vuelta de la esquina: máquinas autónomas, fauna artificial, viviendas automatizadas, automóviles voladores. Estando a tan sólo pocos años de cumplir el hipotético "Los Ángeles. Noviembre, 2019" hay situaciones que los habitantes de las grandes ciudades ya padecemos de tiempo atrás: destrucción ambiental, sobrepoblación, marginación social...

Son tan ricos y variados los temas en que podríamos desglosar la trama de Blade Runner, que de momento nos reservamos el derecho de revisar sólo algunos.

RASCACIELOS

Si bien hay individuos que nacieron para vivir solos -que no en soledad-, aislados de la sociedad en general, e incluso apartados del grupo social inmediato al que pudieran pertenecer, hay otros que parece no les queda otra opción. Así, en los personajes de Ridley Scott encontramos que esta situación puede ser derivada del rechazo social (J. F. Sebastián), o asumirse por elección propia (Rick Deckard), o ser producto de la ambición (Dr. Eldon Tyrell), pero cualquiera que sea el caso, es indudable que el Hombre del Presente está inclinándose a vivir solo su vida.

Habrá quienes suplirán la ausencia del "otro" con objetos -juguetes artificiales-, otros soportarán la llegada del "otro" con trabajo, y de vez en vez con whisky; algunos más sustituirán la falta de compañía con poder, conocimiento y riqueza -alejándose cada vez más del pobre- montando, literalmente, en sus interminables rascacielos.

Podrán convivir con otros semejantes ya sea en el trabajo (Deckard - Gaff), durante la comida (en los mercados callejeros) o durante una visita ocasional (J. F. Sebastian - Dr. Tyrell), pero será siempre en breves lapsos de tiempo.

PUBLICIDAD

La ambición del Hombre no tiene límites. Es tan fuerte su deseo por tener siempre más, que algunos acumularán tanto dinero, serán tan grandes las corporaciones y tan altos los edificios que el Sol "brillará" por su ausencia. A continuación tendremos oscuridad por todos lados: arriba, abajo, a los lados, enfrente, por detrás. Sustituyendo al Sol encontraremos enormes espectaculares móviles, tan luminosos y brillantes que parece suplirán al gran astro.

Si alguna vez el Sol logró penetrar alguna rendija de nuestras casas, ahora lo hacen potentes zepelines publicitarios armados con poderosos cañones luminosos. La intención es vendernos hasta nuestra propia alma, en nuestra propia morada, y lo lograrán introduciéndose hasta el espacio mas íntimo de nuestra posesión: el hogar.

No habrá lugar para esconderse. La publicidad-propaganda-publicidad llegará hasta donde quiera llegar. Tenemos que acostumbrarnos a ella, pues ya es parte de lo cotidiano, es como de la familia: basta darse un vuelta por nuestro freeway a la mexicana -el periférico-, o prender por unos minuto la televisión. Incluso al conectarse a Internet tendremos publicidad inmediata; lo único que quedará por hacer es apagar la radio, televisión, computadora, y cerrar un poco las persianas.

FUTURO

Desde tiempo atrás se respiraban aires de cambio a nivel mundial en todos los renglones. Partamos desde el emblemático 1968, año que cimbró la economía, música, sexualidad, movimientos sociales, juveniles y principalmente anunció la caducidad de los ámbitos políticos cada vez más rancios. Así mismo, algunos genios del cine -Stanley Kubrick, por ejemplo- plasmaban con imágenes en movimiento su particular pesimismo sobre el Hombre, y en particular, su relación con la Máquina.

Catorce años después, con el estreno de Blade Runner, nos dimos cuenta que si bien el mundo cambió, aquellas esperanzas, aquellos deseos, aquellos sueños de transformación de la realidad en beneficio del Hombre no se cumplieron. Paradójicamente mientras la ciencia y la tecnología sí han evolucionado, el Hombre parece involucionar, y sus ideales nacidos hace treinta y cinco años (en el ’68) se van desvaneciendo. La Máquina continúa tomando la delantera.

A nivel mundial, no lo pienso, pero tal vez a nivel individual algunos Hombres si logren mejorar sus vidas. Quizás como lo hiciera Rick Deckard, valga la pena salvar una sola cosa: la existencia -la propia y la del "otro", u "otra", según el caso-. Nada más.

PD 1: Es en Internet precisamente donde Blade Runner -probablemente antes que cualquier película- tuvo su propia dirección electrónica.

PD 2: Blade Runner es una de las películas pioneras en merecer un espacio en una Universidad en Barcelona, España, para su estudio y análisis.

Gracias a Cinefagia.

"[El hombre civilizado] puede vencer la gravedad utilizando globos, ¿por qué no le sería entonces posible también detener o acelerar su fluir por la dimensión temporal, o incluso revertirlo y viajar hacia atrás en ella?"( H.G. Wells)

12 Monos (Twelve Monkeys, 1995): La mejor película que he visto en los últimos tiempos y debería estar catalogada entre las mejores películas que tratan el tema de los viajes en el tiempo y en el cine de ciencia ficción. Salida en 1995, no tuvo el protagonismo merecido. El argumento entroncado en lo catastrófico y en un futuro apocalíptico:

En el año 2035, la raza humana se ha extinguido casi totalmente, debido a un virus letal que se propagó por toda la Tierra. Un pequeño grupo, de aproximadamente un 1% de la población mundial todavía sobrevive en el subsuelo, y espera regresar pronto a la superficie. El virus, sin embargo, no afecta a los animales que recuperan así los espacios perdidos. Esta sociedad, en aras de la supervivencia en un medio de escasos recursos, prioriza al grupo por encima del individuo y por lo tanto un individuo puede ser sacrificado por el bien común.

Cole (Bruce Willis) –el viajero en el tiempo-, uno de esos supervivientes y un ex-convicto es enviado al pasado para descubrir como combatir el virus en el futuro. Antes del viaje queda claro que el pasado no puede ser cambiado, pero sí que puede ser utilizado para descubrir información que permita mejorar el presente. En el caso del protagonista, con la intención de crear una vacuna contra la enfermedad. Sin embargo, no todo es tan fácil como parece. Un fallo al enviarlo al pasado llevará a Cole a una extrema situación, al llegar a 1990 es confundido con un demente y es internado en un manicomio. Una psiquiatra del centro creerá en las apocalípticas explicaciones de Cole y le ayudará en su búsqueda. Las primeras investigaciones les conducirán a un grupo de fanáticos ecologistas autodenominado Doce Monos, interesados realizar actos reinvicativos a favor de los animales usados en experimentos biológicos.

La película, de carácter bastante pesimista, logra transmitir la sensación de peligro que supone el uso alocado de la biotecnología por algunas personas aparentemente cuerdas. Pese a que desde el inicio sabemos que el viaje de Cole es exploratorio y que el pasado no se puede cambiar, a medida que la investigación avanza surgen esperanzas de descubrir el origen del virus y poder así evitar su propagación. Pero el final de la película, con sorpresa incluida, se encarga de dejar las cosas en su sitio.

Un magnifico puzzle, una magnifica película mezcla de ciencia ficción, drama y thriller, escenarios espectaculares, una joya de la ciencia ficción y con unas actuaciones que superan por mucho las películas previas protagonizadas. Cole (Bruce Willis) raya en lo excelente y hasta Brad Pitt en su papel de Jeffrey Goines es admirable sacudiéndose el papel del niño bonito de hollywood. La dirección de la película en manos Terry Gilliam (referencia obligada a la desaparecida Monty Python) solo es la cereza en la torta y hacen de esta película una gran obra maestra.

H.G Wells siempre planteaba el problema de viajar en el tiempo, no solo por el "efecto mariposa" que podría afectar al futuro sino también por el consiguiente problema de la moral humana al verse tentada de viajar en el tiempo para favorecerse uno mismo, tal como se puede ver en Back to the Future (1985-1989-1990), donde el villano usaba la maquina del tiempo para enriquecer a su yo futuro.

El mismo dilema se presenta en Timecop, 1994 (policía del tiempo), donde se plantea el hecho de un viaje temporal que alterase un evento fundamental de la historia, por ejemplo viajar al pasado para asesinar a Hitler provocaría un cronoseísmo que podría acabar con la realidad. Para evitarlo los policías del tiempo se encargan de impedir que nadie altere el pasado, tenga o no buenas intenciones. Pero las cosas se complican cuando alguien comienza a viajar al pasado con intenciones siniestras, realizando pequeños cambios para su propio beneficio.

Timecop, no pasara al futuro como una excelente película pero es bastante entretenida y con diversas referencias a la historia norteamericana (será fácil ver a un asaltante de siglo XXI robar lingotes de oro y matar a toda una caravana de mitades del siglo XIX con un arma automática o a la época de la gran depresión en 1929 con gente saltando al vació desde los rascacielos en las calles de Wall Street) contando también con unos efectos especiales aceptables, tiene elementos remarcables y presenta notablemente el tema de las paradojas. La actuación de Jean-Claude van Damme, el protagonista, aceptable. Película entremezclada con ápices de romance, acción y ciencia ficción.

Artículos relacionados:
Ficciones sobre los viajes en el tiempo.

“Amor / Puedes aprender todo en el universo, pero si vuelas una nave que no amas te sacudirá como una bestia enfurecida. El amor la mantiene en el aire cuando debería caer, te dice que esta herida antes de ceder… se convertirá en tu hogar.”

Malcom Reynolds / Serenity

Pocas semanas después de empezar con el tema “En idioma Cervantes”, algún amigo me comentaba que los artículos de este sector fácilmente podían ser parte de un blog independiente al principal. La idea en esos momentos se quedo en la simple idea, junta con la otra de separar a Calvin & Hobbes del blog.

Han pasado algo más de año y fracción desde que deseche la idea, pero los tiempos cambian y con las nuevas herramientas para los blogs, los horizontes se abren. Bastaría escribir de música para hacer explotable un blog, pero llego el video y el audio de a poco, ambas para complementarse a la revisión de discos, las traducciones de canciones y las letras en bruto llegadas desde otras tierras. Un amante de la música no podía pedir más.

La idea de separar a “En idioma de Cervantes” de Rocko Weblog esta madurando, para empezar estamos probando -en la ramificación de este blog- adjuntar, con las reseñas y las letras traducidas, el video del tema y en lo casos en los que sea difícil hallar el video poner la música en audio gracias a mi curso de 15 minutos de castpost y a la buena cantidad de música que atrofia a mi disco duro.

La primera impresión me parece alucinante, encontrarse videos antiquísimos es como toparse con tesoros de pirata, para muestra unos cuantos botones (si sabría que voy a morir mañana me la pasaría escuchándolos toda la noche y si me piden que recomiende algunos temas, de seguro irían todos estos, entre otros tantos que no deben vivir y morir sin escucharlos):

Led Zeppelin – Stairway to heaven (Un videazo en vivo, oigan la maldita guitarra de Jimmy Page).
Def Leppard – Bringin’ on the heartbreak (Video en vivo, otra guitarra alucinante, son los 70 un lujo).
John Lennon – Imagine (El genio en plenitud, el video un tesoro de piratas).
Bob Marley – No woman no cry (Puso el Reagge en el mapa mundial y se volvio leyenda, No woman no cry, en vivo).
The Rolling Stones – Paint it black (Sus satanicas majestades y el pintalo de negro, tremendo video).

Y los contemporáneos:

Bon Jovi – Have a nice day.
Seether – Broken.
Evanescence – Going Under.
Foo Fighters – Best of you.
Gorillaz – Clint Eastwood.
Linkin Park – Faint.
Papa Roach – Scars.
System of a Down - B.Y.O.B.
Green Day - Holiday.

La idea esta sobre el papel, aun viendo como YouTube, castpost, Blogia y/o Blogger aguantan, además de ver la impresión que causa al lector, como plus algunas veces iran artículos del tipo “Lennon y sus palabras inéditas” o “Un poema de Jim Douglas Morrison”, todo relacionado con música, para no hacer monótono el blog.

Mientras tanto, los dominios en Blogger y Blogia, están reservados.

En el idioma de Cervantes (http://idiomacervantes.blogspot.com)
En el idioma de Cervantes (http://idiomacervantes.blogia.com)

La Venganza de los Sith es simplemente la historia de amor más grande jamás contada. Cuantas veces hemos visto la tragedia de Romeo y Julieta hecha y rehecha, esta historia está tan trillada que ya no podemos sentir el drama del suicidio de los amantes…ah, pero Lucas ha redefinido la tragedia romántica para el público del siglo XXI.

Siempre imaginé que Anakin sería convertido al lado oscuro contra su voluntad, bajo la amenaza de que si no lo hacía matarían a un ser querido. Pero no, Lucas fue más allá y creó una situación de insuperable horror, el temor de perder al ser amado ante la naturaleza.

Todos los caballeros de la edad media, desde Amadis de Gaula hasta Don Quijote, estaban dispuestos a dar la vida por su amada, pero si su amor hubiese sido tan grande como el de Anakin y Padme, dar la vida por un ser querido no sería más que condenar a muerte al otro.

La Venganza de los Sith es simplemente la historia de amor más grande jamás contada, donde el héroe es capaz de cargar en vida con todo lo que sea necesario, incluso convertirse en Sith Lord, con tal de alargar la vida de quien ama. Anakin nunca se entregó a la muerte y su intención siempre fue reunirse con Padme. Para la heroína, un verdadero corazón roto hizo innecesaria la cicuta, y aunque murió de amor, nunca perdió la esperanza de que Darth Vader cumpliría la profecía.

Más:
Aprovechando el juguete nuevo.
La guerra de las galaxias.
StarWars.
Star Wars: Sueños de imperio, reyes, magos y demonios.

"El arte de la música es el que más cercano se halla de las lágrimas y los recuerdos."
Oscar Wilde

La ciudad habla, se mueve y se transforma todos los días ante nuestras narices; los poetas predicen la historia desde siempre; la música es un relato vital que da vueltas en el tiempo.

Relatos vitales que se vuelven himnos y nos recuerdan, a cada persona, lo que hemos vivido y que nos ha ayudado a aprender que en ese universo abierto y contradictorio todo se deja sentir y escuchar para convivir y complementarse mejor hasta hoy.

Ayer me cruzo con las líneas de Enrique Gil Calvo en su “nacido para cambiar”, en el blog de Ergoth, que no hace otra cosa que remover mis recuerdos y lanzarme un reto disimulado para, en esos recuerdos, encontrar lo que fue, lo que es y lo que será el soundtrack de mi vida, canciones que se volvieron mis himnos personales y que cada vez que los escucho cumplen su función, ya sea la de hurgar en viejas heridas del corazón inexperto, anudar gargantas al no saber que hacer con esa guitarreada que parece haber salido del mismo cielo o las que simplemente te remontan a momentos e instantes que dejaron huellas en tu vida.

"Es bien sabido que la práctica más universal a la que se dedica mayor atención sobretodo en la etapa de la juventud es la música. La música no solo está destinada a sincronizar el tiempo libre sino que se extiende a la vez como curriculum de vida a lo largo del proceso biográfico de una persona. De la cuna a la tumba. Todas las etapas vitales sucesivas poseen su propio soundtrack y marcan una guía sonora capaz de orientar el itinerario biográfico personal. De este modo es posible recordar una etapa de vida por la música que era preferida en ese entonces, pero no solo recordarla, sino también revivirla, ya que el soundtrack despierta también las sensaciones y emociones vividas. Es así que los acontecimientos cruciales de nuestra vida se asocian en la memoria a los ritmos y melodías que los armonizan, así, es posible entender a la música como expresión de la identidad y de su transformación al compás del cambio biográfico. En suma, así como sea tu identidad será tu música y viceversa." (ENRIQUE GIL CALVO "Nacidos para cambiar" 2001.)

Años y Canciones

0 a 5 años: Desde Pinpon, hasta la cucarachacha…

5 a 10 años: Zambas, la musica folklorica nacional en el auge, imposible no enamorarse de doña Zulma Yugar y su “piel morena”, los Karkjas en su maxima expresión. El que compra los discos es mi padre… ya mutare y adquirire gustos propios.

10 a 15 años: Aparece, en el transe, una mujer seductora que se lleva mis primeros sueños humedos, Madonna. Siento que el Rock Latino esta tomando aires renovados y se suman los Pericos, Mana, Sui Generis, Fito Paez, Calamaro, los Rodríguez, Charly Garcia, Soda Stereo, los enanos verdes y los prisioneros. La musica nacional fusionada se abre espacios renovados con el nombre de Wara y con ellos un trovador de la vieja escuela llega a meterse entre mis preferidos, Luis Rico. El papirri y su carisma se apega a mis discos. Un grupo de rock nacional sube a la palestra, Loukass, imposible olvidarlos y empieza a sonar un “después de ti” de los Coda-3 que es el primer y unico tema que aprendi en guitarra. Empiezo a recoger a los Beatles y a Jhon Lennon.

15 a 20 años: Las primeras novias y por inercia los primeros dolores del corazon lo acompañan Ricardo Arjona, Franco de Vita, Ricardo Montaner y Alejandro Sanz. El intento llamado Coda-3 se despide con su 2387 y nace Octavia. Los Loukass dejan de serlo y de ese Dream Team, que lideraba el Krauss solo queda uno, en su despedida “No woman, no cry” se vuelve un himno. De la guitarra de Rodrigo Villegas nace Llegas. Desde la tierra madre llega la “orquesta de Mondragón” y con ella un tal Joaquin Sabina. Mecano, No Doubt, Bon Jovi, Aerosmith, los Guns n Roses, REM, Cramberriers se unen desde afuera. Nirvana mereciera estar un punto mas arriba. Soy mas exigente y busco a Deep Purple, Deff leppard, Inxs, Marley, Clapton y otros.

20 a 25 años: Green Day, Good Charlotte, Evanescence, System of a Down no hacen mas que unirse a la olla Sonora de mi vida...

Otras canciones en mi cabeza y en el blog: Musica desde la A hasta la Z y un Testigo Musical.

Leo en el forastero su recopilación de las mejores frases de ciencia ficción, usa como base la lista de las 100 mejores frases de la historia del cine que hace el Instituto de Cine Americano (AFI), frases con las que no estoy tan en desacuerdo, esperare sin embargo hacer una propia antojologia de las mejores frases del cine mundial.

Mientras tanto les dejo las primeras 10 mejores frases del cine gringo:

1.- Frankly, my dear, I don’t give a damn. GONE WITH THE WIND
2.- I’m going to make him an offer he can’t refuse. THE GODFATHER
3.- You don’t understand! I coulda had class. I coulda been a contender. I could’ve been somebody, instead of a bum, which is what I am. ON THE WATERFRONT
4.- Toto, I’ve got a feeling we’re not in Kansas anymore. THE WIZARD OF OZ
5.- Here’s looking at you, kid. CASABLANCA
6.- Go ahead, make my day. SUDDEN IMPACT
7.- All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up. SUNSET BLVD.
8.- May the Force be with you. STAR WARS
9.- Fasten your seatbelts. It’s going to be a bumpy night. ALL ABOUT EVE
10.- You talking to me? TAXI DRIVER

Ver completa las 100 mejores frases de la historia del cine gringo

Además para saciar la curiosidad también se puede encontrar una lista de las mejores 100 películas, los mejores temas de películas, los mejores héroes & villanos y otras recopilaciones bastante divertidas, todas ellas basadas en el cine norteamericano.

Otras recopilaciones en este blog:
Los 100 libros más notables de la literatura mundial
Las obras literarias Bolivianas infaltables en la biblioteca

“…Caminando por los callejones de Sin City, te puedes encontrar cualquier cosa…”

Policías corruptos, asesinos seriales que comen cuerpos con la bendición del cardenal local, atractivas damas de moral distraída, asesinos a sueldo, matones, mafias locales, todo tipo de variados perdedores, gente de mal vivir y matones heroicos fuera de tiempo... son el tipo de personajes que pueblan las historias de Sin City, ese comic del que solo recuerdo haber ojeado algunas paginas en mi adolescencia que mas por el arte que representaba cada pagina, uno siempre estaba tentado de mirar esas revistas solo aptas para adultos.

Ahora Frank Miller se ha aventurado con Robert Rodríguez y Quentin Tarantino a llevarlo a la pantalla grande. ¿El resultado? una de las pocas películas que produce un placer visual verlas. La estética blanco y negro con algunos colores saturados le ha dado ese toque especial a la historia y un relato permanente que te introduce en la vida de los tres personajes que cuyas historias se entrelazan.

SIN CITY: El Conan con gabardina y la prostituta
“…Goldie... la mujer perfecta... Una diosa...Goldie…”

En Sin City y la primera historia de la película conocemos a Marv, al estilo de las novelas hiperviolentas de Mickey Spillane. Marv es un gigante monstruoso, una especie de criatura de Frankestein que consume sus días bebiendo el en garito más sórdido de Basin City y machacando a golpes a todos los que se prestan a meterse en una trifulca. Víctima de las circunstancias, este pedazo de carne se verá envuelto en una trama muy clásica -le acusan de un asesinato que no ha cometido que le conducirá a su redención final.

Sacerdote: Pregúntate si vale la pena morir por una prostituta muerta.
Marv: Vale la pena morir... (Le dispara al cura)
...vale la pena matar… (vuelve a dispararle)
...y vale la pena ir al infierno por ella… (Realiza un tercer disparo)
Amén.

La historia de Marv va marcada de romance, un romance que va teñido de culpa y obligación de vengar a su “Diosa muerta” aquella que el dio el placer mas sublime que nunca pudo siquiera comprar. “Ella huele como los ángeles deben oler” dice mientras mezclan fluidos y se oye una voz que recita una negra poesía marginal.

Marv, interpretado por Mickey Rourke, esa mole humana de fuerza herculea modales de sicario, pero con un corazón de una sensibilidad muy personal, papel que demuestra que Mickey Rourke esta pasando por la mejor etapa artística de su vida.

LA GRAN MASACRE
"Miho. Tú eres un ángel. Eres una santa, eres la Madre Teresa, eres Elvis… eres Dios."

Dwight y las prostitutas de barrio viejo son los protagonistas principales, Benicio del toro (Jackie Boy) un lujo de policía villano y la mafia de mano con los mercenarios hacen su trabajo. Mientras que Tarantino disfruto haciendo la secuencia donde la acidez de su estilo y humor negro son inconfundibles; aquella donde Benicio del Toro lleva incrustada una culata en su frente y mantiene una necrófila conversación con Clive Owen.

“Esta vez no tuve tiempo de decirle que se callara. Era cierto que era un idiota, era cierto que estaba muerto, era cierto me que estaba imaginando que me hablaba. Nada de eso impedía que el bastardo tuviera razón. No tenía ninguna oportunidad en el infierno de rebasar a ese policía. No en esta cafetera. La única pregunta era sí lo iba a asesinar o no. Es duro de decir. Por lo que sabía, él era un policía decente, un muchacho común. Un trabajador con una hipoteca, una esposa y una pila de hijos. Mi mano se mueve por sí misma, desliza mi arma en mi regazo y la amartilla. No sé que hacer”

Dwight es un investigador privado que intenta dejar sus problemas atrás. Después de que un policía sea asesinado, Dwight no parará ante nada para proteger a sus amigas y la escena de la matanza a la mafia es una de las mejores cosas que he visto, no tan solo por lo visual, sino también por el dialogo y la pequeña clase de estrategia…

“…Mi guerrera. Mi Valkiria. Siempre serás mía, siempre y nunca. Nunca. El Fuego, nena. Nos quemará a ambos. Nos matará a ambos. No hay lugar en el mundo para nuestro tipo de fuego. Siempre y nunca. Si esta noche debo morir por vos, lo haré…”
Dwight

La poesía marginal también se ve en esta historia, las nubes rojas alucinantes y la balacera se lleva todo el crédito.

ESE MALDITO BASTARDO
“…el viejo muere; la chica vive… me parece justo…”

El detective Hartigan tiene 60 años al iniciarse la historia, y le falta una hora para jubilarse cuando la arriesga todo no sólo la vida en su sentido más biológico, sino la familia, la reputación, el retiro para cumplir con su deber, salvar a una niña de once años y detener al loco homicida de Roark Junior, hijo del corrupto y poderoso senador Roark. Esa decisión será el pistoletazo de salida de su infierno en vida particular, ya que el senador Roark decidirá hacerle la vida imposible en represalia.

John Hartigan (Bruce Willis), el último policía honrado de Sin City, que se encuentra en el tramo final de su carrera tratando de ser un héroe al salvar a Nancy (Jessica Alba) la niña de 11 años. Al salvarla es condenado por un crimen que no cometió y es condenado, gracias a los policías corruptos y un poderoso senador. Después de 8 años sale libre y busca a la niña que salvo que ahora es toda una mujer.

ESA CIUDAD PECADORA

La Ciudad Pecado no es una obra para estómagos blandos, es un ejercicio naturalista que desciende de forma abrupta a los aspectos más negros de la estructura humana, aquellos que solamente pueden ser entendidos a través del sexo, la sangre, el crimen, la venganza, la traición y la absoluta decadencia.

Sin City es la cúspide del film noir, no sólo por su contenido, sino por su forma misma; no sólo por su narrativa, sino por su estilo que desborda una pantalla que le queda chica a una realización enorme, innovadora y profundamente violenta.

La obra maestra de Frank Miller, la mirada agresiva de Robert Rodríguez y la crudeza visual de Quentin Tarantino han creado un monstruo en blanco y negro, aunque de ocasionales ojos verdes, sangre roja y cabellos rubios; un coloso fílmico narrado al más depurado estilo pulp y plagado de arquetipos: El duro detective que muere cumpliendo su deber, la rubia con aroma de ángeles, el exconvicto descontrolado en busca de venganza, la ramera traicionera, el asesino a sueldo sin escrúpulos, el policía incógnito, el senador corrupto, el religioso podrido… camina por las calles de Sin City y podrás encontrar cualquier cosa.

Bruce Willis, el duro de matar, Mickey Rourke, Jessica Alba, la muy visible rubia que se sacude de lo fantástico, Rosario Dawson, Benicio Del Toro, Clive Owen, Alexis Bledel, la dulce chica Gilmore, Josh Hartnett y Elijah Wood otrora el hobbit Frodo, conforman magistrales el bestiario de este negro filme; sus personalidades, el grotesco maquillaje, la ausencia o presencia de todos-protagonistas y una fastuosa dirección de arte (nominación segura al Oscar), híbrida de fotografía monocromática y gráfica de alto contraste, reproducen de modo impresionante y literal, cuadro a cuadro, la dantesca novela homónima, convirtiendo por momentos el filme en papel y el papel en celuloide.

Sin City, la película, mantiene el mismo espíritu execrable y crudo, así como la tensión contínua de su forma original, mostrando en su argumento, esencialmente tres historias: la original Sin City (también conocida como The Hard Good-Bye), The Big Fat Kill y That Yellow Bastard (las 3 resumidas arriba); además hay una cruda secuencia inicial tomada de The Customer is Always Right (de la colección Babe Wore Red) que hermana también la exquisita escena final.

Sin City, la serie gráfica, ha sido premiada y alabada por la crítica, no sólo por su argumento y calidad sino por su estilo único, reproducido ahora excelsamente para el 7º. Arte, en la estética de sus visuales, en sus genialmente cínicos diálogos y en una narración perversa que nos permite conocer no sólo los pensamientos de sus ciudadanos, sino incluso, la negrura de su alma... si es que alguna vez tuvieron una.
En el manejo de su tiempo y forma, es innegable la influencia de Tarantino. De hecho, él y Miller aparecen en los créditos como co-directores; la razón para ello es que el mismo Miller supervisó la producción en set, a petición de Rodríguez, mientras que Tarantino de hecho dirigió una secuencia donde la acidez de su estilo y humor negro son inconfundibles.

Sin City es negra hasta la médula, deprimente, ansiosa, salvaje, terrible, pero excelsa. Rodríguez ha dado un tremendo paso, mostrando una visión de lo que podría ser el cine a corto tiempo, uniendo economía y brillantez, con una realidad creada y recreada a voluntad y una inserción simple de complejos personajes dentro de ella.
Habrá muchos a quienes parezca excesiva y en realidad en algunos aspectos es así, pues no se tienta el corazón incluso para mostrar la violencia sólo por la violencia misma… ¿—tentar el corazón— dije? Sin City no tiene corazón, tan sólo voluntad, tan sólo pasión, emoción, vulgaridad, crudeza, traición y muerte… mucha muerte.

Leí en algún artículo de prensa:

“…Uno se siente maravillado cuando se le muestra la originalidad, propuestas nunca perpetrada, osadías felizmente conseguidas, cánones quebrantados, prejuicios superados. Cuando Miller & Rodríguez decidieron calcar en pantalla grande la obra del primero dieron un paso que el cine solo se atrevió a iniciar, fallidamente, con Sky Captain and the World of Tomorrow.

Viva la pantalla azul. El siglo xxi, o mejor, los Noventa, han permitido que cualquier sueño pueda hacerse realidad. Que pueda haber uso y abuso, es cierto. Pero tener el atrevimiento de trasladar las historias duras, crueles, violentas, sangrientas, sucias, repulsivas, delirantes, macabras y, en una palabra, geniales, de Sin City, merece una mención de quién quiera que escriba la historia de este arte…”

Y la verdad no se puede dejar de coincidir con ello la tecnología ha traído de la mano a nuestras mas grandes imaginaciones hechas realidad, algunas de ellas decepcionantes pero viendo Sin City te das cuenta que Miller, Tarantino y Rodríguez dan una cátedra a Marvel y Hollywood de cómo hacer una película de un Comic.

“Sin City” es la película de Rodríguez más lograda hasta la fecha y establece un nuevo estándar para los géneros contemporáneos de adaptación del cine negro y de las series de cómics. No se parece en nada a lo que has visto hasta ahora.

Sin city, el arte negro en su mayor expresión.